tottoryの観てきた！クチコミ一覧

実演鑑賞

満足度★★★★★

池袋西口広場、以前はどんな場所だったっけ・・・変ってしまうと中々思い出せないが、かつてここは秋季開催の演劇祭ＦＴトーキョーの会場になる事もあり、忘れもせぬインドネシアのグループが竹で組んだ巨大な「船」で行なった無言のパフォーマンス、その後、広場の奥側に作られた恒常的なステージ（今もある）に組んだ客席から、広場を縁の方まで広く使った豪州だったかの障害者と作るグループ（昼日中飄々としたパフォーマンスが微笑ましかった）、そして今年何年目かの「東京演劇祭」の初年、野外劇「三文オペラ」等等。
野外劇と言えば「夏」、のセオリーに則り、今回は東京演劇アンサンブルの往年のレパートリーが装い新たに出現した。
広場奥の常設ステージには盆に乗った岩場（客が乗る＝銀河鉄道を表す）から、後部座席辺の円形の台まで一直線に道が延びる（高さは70cm位か）。広い空の下、会場自体が物語のスケール感に相応しい「装置」となっている。ジョバンニは学校からの帰り道、草の上に寝ていていつしか「銀河鉄道」に乗っている。ジョバンニの日常のこと、すなわち、カムパネルラやザネリ、父のこと、牛乳を取りに行く事などは道中、あるいはラスト、最小限の台詞で説明される。物語の大部分はカムパネルラと銀河の旅程で見る様々な不思議な場面だ。
「歴史の歴史を掘る」博士、鳥を採って押し葉にする鳥獲り、人間界からやって来た船舶事故で溺れた姉弟とその家庭教師のお話、赤く燃えるサソリの話・・。新演出としてはサソリが炎のように踊る踊りは以前見たのと振りが変わっていて、見ると振付に三東瑠璃の名前。そして出色は、スペーシックなイメージの映像が新たに加わって場面転換で流れる。これが何とnibrollの高橋氏によるもの。
一度は長い上演期間を経て終了したアンサンブルの「銀河」、今回はこの会場仕様の誂えという事かも知れないが、一度も洗った事のない寸胴に入ったソースが、新しい素材を加える事で常に新鮮に（作品の本質を変えず）蘇ることを改めて発見できた。

実演鑑賞

満足度★★★★

昨年の「物理学者たち」で知った20世紀の劇作家ディレンマットの名を目にする機会が、今年6月新国立「貴婦人の来訪」、そして今作と（なぜか？）続く。
挑発的な、濃い戯曲で、科学者の倫理を問う今作と「物理学者たち」は共に寓意性が高いが、今作がよりグロテスクである。というのは、既に死んだ者が平然と’（時系列を無視して？）登場したりする事以外は「リアル」の範疇で、描き出されるのは（「物理学者たち」が不条理劇に近いのに対し）人間同士が日常の延長で関わる風景であったりする。
舞台となる「地下」の用途目的、状況（死体溶解装置が置かれている）自体が異常であり、（装置を作った）元科学者が日常を送る場であるという設定は、異常を意識する時間と、無意識化される時間とを作り出す。
現代の「異常さに慣れ切った」側面が凝縮されたとも言える場に高給と住処を宛がわれた彼は、最も観る者が感情移入する登場人物ではあるが、それが観る者の正常感覚を揺さぶる。
ドイツ語圏スイスのこの作家は上記「物理学者たち」で名声を手にし、本作の「大失敗」（Wikiより）で戯曲に手を出さなくなったとか。元々小説家、エッセイ作家でもある彼の戯曲は数は少ないがどれも20世紀的問題臭を強烈に放つ。ただ今作「加担者」は世紀を跨いで跋扈する「神から最も遠い」呪われた何かの影を突き出してくる。
話の展開は神経を石臼で挽くようだがどこか甘味で、人間（自分）への深い疑いと絶望を抱いたときに却って人間（自分）を愛おしくなるあの瞬間の記憶が掠める。

実演鑑賞

満足度★★★

昨年初頭吉祥寺シアターで大々的に開催されていた短編戯曲祭は１プログラムだけ覗く事ができたが、多彩な戯曲と舞台はしっかりと作られており、コロナの１年を経て生み出した凝縮した何かに思えた（劇場の空気感も暗鬱な世情を投影して今と少し違ったのだろう）。さて、TFactoryのホームの感のある雑遊（ただし昔の地下劇場とは別物になってしまった）に場所を移し、春に１つ、今回の夏に１つ、足を運んたが、随分簡素になった。劇場の方は素舞台の黒い床に蓄光テープが貼られた粗末さは、以前せんがわ劇場で観た「厳しい」舞台が思い出された。照明でフォローできないのか、とか考えてしまった。中身が厳しいと舞台もみすぼらしく見えるのか、それとも使い方の問題か・・等。
戯曲が「悪い」とは言わないが、春はまだ川村氏の戯曲の一部粗読みを混ぜて３作あって１時間少々、しかし今回は20分程の抽象的な言葉が並んだ戯曲が２本、終演して時計を見たら45分だった。芝居は「長さ」ではないが一般論としては短ければ短いなりの内容だ。20分やそこらで言いたい事が「言い切れる」訳はなく。ダイアローグと違いモノローグは一人称で完結できる。近しい主体が対立でなく同意しつつ言葉を紡ぐのも同様。演劇では言葉の行方も観たいが人物の「反応」も見たい。私が観た回がそうだったのかも知れぬが、自分には物足りなかった。
若手劇作家志望を励ますスタンスででも見れば良いのか、どうなのか・・この短編集の位置づけが実はよく判っていなかった。コロナ禍下での演劇人の内的叫びを開陳するTFactory広場、な風に勝手に理解していたが、企画としても作品自体もヒントが少なすぎる。

実演鑑賞

満足度★★★★★

ドガドガ復活祭２本目も拝見。３時間近い舞台も飽きさせず台詞の調子も良く望月六郎の筆ぢからにはいつもながら感服する。音楽、歌もじつは本域で作られ場面に相応しい。
明治大正の文学を軸に荒唐無稽も交えて時代を描き、現代を透視する望月節が好むのは闇世界、演じ甲斐ある各種アウトロー、各種裏世界の女たちは日本映画全盛時代の活劇が常套とした世界で通じるものがある。
今作は女性が多数出演。タイトルロールの春琴、狂言回し＝タイムボカンのドロンジョ（ボヤッキーとトンヅラを従える）、あともう一人をドガドガ三人娘（トップ３）が飾るが、この図が映えるのは他の出来る（跳べる）役者、歌える役者、踊れる役者、キャラで押せる役者等、適材適所により舞台総体で群像を描けているからで、そのあたりの塩梅もよくしたものだが一人一人が弾け切っておる。限りなく演劇に近いレビューとも言えるが、荒唐無稽で色物でB級に括ってしまえそうだがB級を侮る勿れと一言も添えたくなる。

そう言えばコロナ前はこの公演におっさんらが結構席を埋めていたが・・（かつてなら場末の映画館に出入りしていただろうような・・。）

実演鑑賞

満足度★★★★

知った名は小宮氏。「楽園」での一人芝居が強烈であったので氏の関わる公演は観たいという気持ちはある。んな事でシリアスと真逆らしい二人芝居に出掛けた。栄耀栄華もとい栄養映画の館にて、懐かしの映画の話題も織り込みつつ、来ない客を待つ二人の待ち時間を引き延ばしに延ばす劇。映画を撮った監督がスピーチの練習をしている所から始まるが、疎ましい助監督に無理難題を言ったりと撮影風景が忍ばれる二人のやり取り。その映画がこのたび賞を獲り、何やら所縁の映画館らしいその場所で祝賀会がある、という事なのだが、一つには「賞を獲る監督に見えない」。だからいつ「なーんちゃって」の種明かしがあるかと構えてしまう（もっとも冒頭から会話のテンポとパワーでそこは気にしなくなるのではあるが）。もう一つには「客が訪れる気がしない」。不ぞろいの椅子が数客だったり、祝賀会そのものが二人の妄想（又は一人の妄想にもう一人がつき合っている）と見えてしまい、その種明かしもいつ為されるのか、という目と耳になってしまう。とは言え「ローゼンクランツと・・」や「モジョミキ」のようにシャチこばらず見られる二人芝居、「ゴドー」に思い切り寄せても良し、ブラッシュアップするなり新ネタ開拓するでも、再び見える日が来ると素朴に嬉しい。

実演鑑賞

満足度★★★★

主宰山口茜によるもう一つのユニット、サファリ・Ｐよりはストレートプレイ寄りの作品を出している事は数年前の下北沢公演で承知であったが、今作はうんとそちら寄りに振り切り、「静かな演劇」そのもの。アゴラ劇場を覗くと日本家屋の裏庭の縁側と柱、少し奥の障子戸、下手寄りに湾曲した松、といった具合にリアルな美術（実はお寺の裏庭）で、芝居は時系列に沿って進んで行く。ただし青年団界隈の「余白」の多い作風よりも強い何かがある。家族及び近隣（お寺だけに）で形成された小さな円環の中にはどことなく問題が横たわるが、やがてそのありかが明確になる。このドラマは解決困難で虚しい現実を前に頽れる人間の「涙」を描く代わりに、さり気なく、力みなく、だが決然と、人物各々の「最もそぐわしい」行き方の結果として、問題を乗り越える姿を描く。
急遽登板となった山口女史の役は中々要な役で、書いた当人ゆえだろう細部にわたり的確であったが、他の人物も独特な「らしさ」を醸して頗る快かった。

実演鑑賞

満足度★★★★

そうだ藤田傳・・・今回のは初見だがずっと前に１、２作お目にかかった事がありこういうタッチだった。戯曲としての完成度はぶっちゃけた話、高くない。というか戯曲という形を取った詩と言った方が良い。人物は役を与えられているが多くの場合コロス的に立ち回る。そう見えるのは台詞総体が一つの詩でありモノローグであるからだ、と思う。
だがそれは芝居を観終えて、咀嚼しようと思いを巡らして思い当たる事で。。役者は十分に魅力的に演じ、切り取った場面の視覚的・聴覚的な「完成度」は高く「ドラマ」の展開への期待は高まる。が、ドラマとしての完結は見ない。
この作家の筆致は歴史的な事件・事象を舐め、思わせぶりな台詞をフックに観客に岩山を登らせ、作者の世界観、眼差しを共有させるのだが、事件や事象を一望できる山頂には着かない。これは「歴史」に依拠した作風のためだ、と理解する。
歴史という下地のあるカンバスに、上塗りしていく手法が、つまり下地とのコラボがうまく結実すれば作品としての美を放つが、今作は下地が何であるかは不明。戦後日本の事件に横たわる病理を取り上げた（又は具体的な事件を念頭にした）感触は残すのであるが（永山則夫が浮かぶ）、作者としてはそれが下地となり得ると想定したのだろう。最初に示されるフィクションとしての「事件」は、観客の関心をその先へと引っ張るが、事件の犯人（主人公とも言える）がそうする必然性に辿り着いた実感がない（あるいは描き切れてない）。
事件そしてその謎解きという典型的なミステリーの形を持つ今作のラスト、個別具体の事件の種明かしが訪れる事はない。社会背景、生育過程の風景から、事件の原因を推定せよ、で一個の人生を描いたと言えるだろうか。
書かれた時期には作品の背景として想像し得たものがあった、のかも知れないが。。

実演鑑賞

満足度★★★★★

今回はがっつり長編のさんらん。歴史的な大災害に見舞われた町を「災いを予見できた」想定でドラマ化。
大規模な厄災（の可能性）に直面した人間と社会の普遍的な問題が浮かび上がる。

実演鑑賞

満足度★★★★★

久々二度目のイデビアン。格好いいの一言。完璧なスタッフワーク。
前回はどこで観たのだったか・・舞台としてはとある旅館の風景という事で幾分言語化しやすい（紹介しやすい）世界だったが、今作は背後に横長にパネル（壁）が三枚わたされ上手下手に出入口が開いてる恰好。他は衣裳に特徴がある（途中で見事に変身する）のみで間断なく続く「舞踊」は日常動作のコミュニケーションから抽象的な群舞まで、「ニュアンス」が高解像度で眼前に迫る。ナチュラル演技の対極、研ぎ澄ました動きでナチュラルのイデアを造形する。修練の賜物だ。

実演鑑賞

満足度★★★★

チラシを見た時は判然とせず打っちゃっていたが、芝居の上演と知って空いた時間に足を運んだ（上演時間１時間という事で幸い予定が組めた）。
お化け屋敷のエッセンスを演劇的表現とする構築力、「恐怖の物語」を舞台上に具現した技術にまず感心。「怖いもの見たさ」をくすぐるイベントを昔アパートであったスズナリという場所に因んで行う趣向が無駄なく形になっており、楽しんだ。演者も良い。

実演鑑賞

満足度★★★★

主催はMyrtleArtsマートルアーツだが出演 3名と演目はドレンブルシアターそのもの。元新宿梁山泊の僚友３名による「アンネ・フランク」が昨夏漸く実現したMyrtleArtsは未だ正体知れずだが（それでも応援したくはなっている）、ドレンブルの近藤結宥花と土屋良太、川口龍３名の奇縁の方がマートルとの縁以上に謎で気になる。
ドレンブルの旗揚げは確か土屋氏の元パートナーが新人戯曲賞の審査で推していたくるみざわしんの最終候補作という事もあって想像を逞しくする羽目になったが、舞台は実直に（芝居は狂気混じりだったが）作られていた。同ユニットの活動が続いている事は素直に嬉しい。
さて作品。くるみざわしん氏である。小編を目にして（主に戯曲で）抱いていたイメージを良い意味で裏切り、躍動感ある戯曲。面白い。加えて今回の演出は鈴木裕美、実はそれ程その仕事を見ていないが、不可思議な現象を起こしたり、細やかな技術的なワークで架空の歴史上のドラマを象徴的で幻想的な場面を挿入したり、作品に適った演出と言えた。力の籠った三人芝居、芝居はある意味ギャンブルであるが今回は自分の幸運を噛みしめた。

実演鑑賞

ある俳優の出演履歴を眺めていて目に止まった「アトリエ・ダンカン」、最近全く耳にしなくなった名前が懐かしく、唯一観たダンカン・プロデュースのこの芝居の事を思い出した。（この時期はこりっちなど全然知らなかったな..。）

出演していた芦名星が亡くなった時期もつい調べたが・・もっと前かと思ったら三浦春馬の直後、コロナ期に自死した一人であった。
芝居の方は、映画が良かったので（脚本・演出が鄭義信という事もあって）当時の自分には高いチケット代を払って吉祥寺シアターで観た。
超常現象を扱うのに適した映画の方にはっきり軍配。この出来の「差」が、出演者の芸能人としての「売れ方」の差と重なって見え、同情と反発を感じてしまった舞台鑑賞でもあった。映像出演の機会が頭打ちなタレントが、舞台に流れるパターンであったとすれば、仕事に熱も入らぬだろうし観る者にとっても甚だ迷惑な話・・という反発と、見た目だけのタレントが売る芸もなく殻も破れず困惑する姿への同情。当時はそんな想像しかできない自分だった、て事かも知れぬなぁと思わないでもなかったが、しかし主演だった女優の死の報を（十余年を経て）耳にした瞬間、当時この舞台から思い描いた殺伐とした芸能界の風景が、蘇って来た。
この「痛かった」舞台の風景は、芸能界に足を突っ込んだ一人の人生の断面として焼き付いた。ドキュメントである。それほどに、彼女は役ではなく本人の気分を発散していたように映った（不満の原因を探った記憶ははっきりとある。ただ純粋に演技上の混迷であった可能性も今は考えなくはないが）。演技者としての現在地から「あんな時代もあった」と振り返る道もあったのに・・とは、他人の無責任な願望であって、事実を飲み込むしかない。

映像鑑賞

満足度★★★★

オフブロードウェイでバズったという二人芝居をA・Bキャスト、演出も変えて上演というユニークな企画。Aチームがキャストの体調不良で公演中止と聞いて観劇候補に復活した（外した理由は２チーム観る予算は無く、一つに絞る事も出来ず）。
だが結局観劇には至らず、たまたま覗いたサイトに配信情報あり、運よく見る事ができた。（BONBONは物理的な距離と同時にアウェイ感があり二の脚を踏む。）
配信は２日間と短く、ワンチャンス集中して鑑賞する必要があったが方法を見つけた。配信鑑賞のネックは音声。これが悪いと二回以上視聴してどうにか舞台の視覚情報・聴覚情報を受け取れるという具合なのだが、スマホからイヤホンで聴くのが性能面では断然良く、優れている事に気づいた。無論映像の方は（暗い舞台でもあり）スマホは厳しく、PC画面で（無音で）視聴。乱れ易いPCのネット接続も結果的には無事故、台詞も明朗。上質な音で劇場にいる空気感も味わえた。
面白いのでついまた再生すると最後まで観入ってしまう（お替り2.5杯）。会話で進行する二人芝居だから台詞だけ聴いていても二人の距離感や息遣いが伝わって来て、心地よい。台詞の運び（戯曲）、間合い（演技）に加えて、演出上の主張は二つ。音響は５場の転換音が良い。電車音、都会の喧騒といった音を重ねた効果音だが、金属音の中に微かな通奏低音を響かせて、都市の冷厳さと包摂性を醸す。そして場転の間、二人は舞台奥の左右にある細い縦長のパネルの前に立って薄暗がりで着替える（それが姿見なのかどうかは客席からは見えないので不明だが二人はあたかも姿見であるようにしている）。この趣向が照明が美しく慎ましやかに彩る。

この戯曲は色んなパターンで舞台を描けそうだ。というより俳優の持ち味で二人の間に流れるリアリティは変わり、微妙なニュアンスの中に神は宿り、含意も変わるのが想像される。だが戯曲が役者に課する制約、即ち最低限形象されるべき人間性があり、それ抜きにこの話は成り立たない条件がある。で、それは何かと考える。
42歳のジョージーと75歳のアレックスの間で真摯なコミュニケーションが結果的に成り立ち、強い紐帯で結ばれる（かに見える）結末を迎えるためには、二人が会話の中で互いに対して十分警戒し、それぞれが持つ厳しい審査基準を潜り、ある信頼に辿り着かねばならない。その事に加えて（今は75と言えども気力体力現役の方も多い）物理的、生物的な次元で特に女の側に相手に惹かれる必然性が求められる。私の考えではこのアレックスという老人は世間的な価値基準で物事を見ない、肉屋らしからぬ（と言えば偏見になるが）インテリジェンスがある。つまり自分と頭と感性で物事を判断し、その態度によって自分も他者も、事象もありのままに見詰める眼差しを得る。女はかつての夫の面影をアレックスに見た、と言外に言っているがそれは後付けにせよある真実があり、彼女は自ら男に近づき突然首筋にキスをしたのだが男の側に彼女を引き寄せるものがあった、つまり受動的な能動性による行動。受動性、衝動性は説明がつかないが虚偽性と最も離れている。女は男の背中に理由の曖昧な妥協をしなかった人間の匂いを嗅ぎ取ったと仮定するも可能だ。女の虚偽性を男が一度疑う場面があるが、女が正直であろうとするあまり疑惑を否定した直後に疑惑を強める返答をする。ジョージーは饒舌だが自分が変人の部類であるとの（経験からの）自覚があらゆる予防線を貼る発話へ突き動かされる様相。つまりは自頭が良い。だが予防線を張ると言っても彼女から男に迫っている。結果的に二人の会話は知的レベルにおいて拮抗して戯曲のあるべき姿として理想的な展開となるが、惹かれ合うから拮抗が生じる。ただ、不安定さを病む女を男の安定（多くの場合それは甲斐性に裏打ちされる）が包み込み形で終わるが、息子を探す旅の費用が１年程度の財産しか男は持っていないとしたら、とも考える。
女の側の心底は分からぬ。が、戯曲は彼女が男の財力を当てにして安心に辿り着いたのではない事を実証するため、男がいつも側に居る事さえ信じられたら他には何もいらないと女に言わせる。
まとめれば、男の己を基準に生きて来た強さ（世間的な成功や名声と無縁でも）にしか、この女の傷を包み込む事はできない、という「そういう女」らしさの片鱗が、見えていなければならない。そして願わくは男は金を投げ捨てる事を厭わない男であり、女は金ではなくその人間性（が存在する事）によって救われその事に感謝する、という事でなければならず、その最大の返礼として女は男と「共に生きること」（書かれてはいないが男の死を看取ること）を選ぶ、そういうギブアンドテイクで対等であろうとするのでなければならない。

実演鑑賞

満足度★★★★

青年団リンクの一つとしてユニット名のみ認識。近年は（一般客的には）活動休止にあったが突如出現し三日間４ステージ「三人姉妹」をやるという。主宰は四国かどこかへ転居して久しいとも書いてあったし、ここで観なきゃ当分観られぬかも、と彗星でも見に行くようなノリでアゴラ劇場へ赴いた。
三人で演じる三人姉妹であった。歌が多様され、カバレッド風のオープニング、リズム＆ブルースぽいBGMで戯曲の色調の塗り替えが試みられていたり、他の役を三人に割り振り衣裳・小道具とその処理にも演出の主張が見られるが、人物そのものは本域で演じられ、三者三様の心情の発露に見どころのある（言わば通常の）「三人姉妹」の舞台であった。

装置は凝っており、濃茶系の木を基調に全体が細かなパーツで程よく埋められ、表に見えるブース的な囲いが左右に二つずつ、中央奥に出入口の枠があり、潜った所に台に置かれた水槽、中にはミニチュアの遊園地が遊び心に置かれ、暗闇の中では観覧車がライティングで浮かぶ（見通しの良い遠景を眺める気分に相応しい台詞、場面があり心境にフィットしていた）。水槽を右へハケる通路と、出入口の枠を潜らず下手へハケる通路、この二つは退出路でもあるが、隙間から引っ込んだ役者の影がうっすらと見え、また姉妹らが他の役に変わる場所にも使われる。勿論必要に応じて表の演技エリアでも堂々とゆっくり変装したりもする。
表側の各ブースはちょうど「楽屋」（清水邦夫の）に似合いそうな、各人が定位置に戻る場所となっていて、上手に一つ（イリーナ用）、下手に二つ（マーシャ、オリガ用）、上手の奥のそこは小テーブルがあり、長男の妻ナスターシャがやがて陣取る。
三姉妹の場所を区切っている壁の一部に嵌め込みガラス（材質は硬質プラスティック）が使われ、何か風俗通りにある女が座って身を晒す透明ボックスを連想させて意味深である。
先のナスターシャは次女マーシャ役が演じる。他、次女の冴えない夫と、イリーナに言い寄っているという中年男を長女オリガ役が、マーシャが恋をする将校役をイリーナ役が演じる。一瞬だがイリーナに言い寄るもう一名「体をくねらせる」変人の若い男はマーシャ役が演じる。
三人はそれぞれ自分の姉妹の相手役を、丁寧に演じる事によっていつしか三人にとっての最良の理解者となる。「姉妹に見える」事のためのそれは舞台作りにとって外的な要因だろうが、舞台効果の一つにも見えて来る。
休憩挟み二時間二十分、三人は時折甘噛みしながらもよく演じていたが、最後の場面から演出の意図だろう、異化が始まる。三人は身を寄せ合う立ち位置から、ふっと離れてそれぞれの生を演じる。時間経過の表現なのか、人は本当には理解し合えない的な含みの比喩なのか。施された細工の意図を役者が飲み込めてないという事なのか、表層的な演技が顔を出した気がした。
ラストの選曲も、迷うに違いない（迷っていてほしい）。曲調が左右しがちな場面であるが、ズルいと言われようが場をさらうキュートな曲を鳴らす。または、音楽を鳴らさずとも成立する形を作る。が、個人的希望である。

実演鑑賞

満足度★★★★

自身の問題意識や関心、ちょっとした興味まで「演劇」表現に投じ存分に楽しんでいる印象のある嶽本女史。仏道世界の旅から娑婆に戻った？前作（山の羊舎との合同）にてその筆力を改めて実感し、厳しい日程ながら今作は実演で観ようと出かけた。過去上演「ともしび」の改作との事で、男三人が夜伽に過去の女性経験を話す、という流れで複数のエピソードが再現される。人生を生きる当事者の主観と客観の隔たり、人間世界を俯瞰して突き放しつつ心に留め置く距離感が絶妙なチェーホフ作品には、（演劇では感情移入が標準的態度であるので、その対照である）虚無主義、ニヒリズムが際立つ。俳優が熱情を体現する程に嘆息は深くなる。
今作では楽器演奏が付き、回想劇に相応しい古きを懐かしむような楽曲が劇を彩る。また狭い劇場ながら装置がうまく抽象（比喩）性と機能性を兼ねて独特な空間を作り、そこに一番感心したと言えば感心した。若干噛みが多く集中を削がれる箇所もあったが、面白く観た。嶽本女史の世界には才気の煌く瞬間と、拘泥（恐らくは製作の動機に繋がる）による見えづらさとが同居する事があり、どちらもこのアーティストの特徴と過去の観劇の印象とも合せて思う。
その一つかどうか・・劇を貫く世界観としてチェーホフ（あるいは作者）がラストに男らに言わせる「この世は無意味」的な趣旨の台詞は、そこに持って行くまでに演出上または戯曲上の「何か」が欲しい。仏教的な無常感は「客観」真理を言い当てているのに対しチェーホフは人間の心情とその発露を描いている。前者から一気に後者へ飛躍した感じを持った。やはり今も仏道の世界を旅しているのだろうか・・。
楽曲の演奏者の一人がどうやら嶽本女史であると最後に気づいた（そして終演後やおら挨拶に立つ..冒頭を見逃したので知らかったのは私だけかもだが）。後でプロフィールを見れば女史は音大出身。多才な人である。

実演鑑賞

満足度★★★★★

数ある井上ひさし戯曲の中でも、随分前にある知人が「あの」と枕語を付けたニュアンスで本作を紹介していた事が頭に残り、気になっていた演目。そこへ「ちりとてちん」の貫地谷女史が出演とあって自分にしては早い時期に予約した（席は大分埋まっていたが）。
宇野誠一郎作曲と思しい楽曲が心地よく流れ、歌が折々に歌われる。古い感覚が普遍性に届いていて心に沁みる。
女性のみの舞台である事に途中ではたと気づいたが、女人芝居にしばしば見受ける息苦しさがなく広がりがある。家長であり仕事人である一葉の風情（社会に開いている）にも拠るだろうが、面々の個性の棲み分け、幽霊の存在も「広がり」に貢献している、
「女性」の物語である事への気づきと共に胸を締め付けられるのは、後半の事である。男性の井上ひさしが、意図を悟られず周到に（難しいことをやさしく）、テーマを狭めず外堀を埋めてついに獲物をしとめるように核心を突く。達人技には唸るばかりである。

休憩中にチラシを手に取り「答え合せ」をすると、増子倭文江に、若村麻由美の名。そして音楽監修に国広和毅の名が目に止まる。今回、宇野誠一郎の楽曲を（間違いないと思うのだが）新音源に誂え直している。中音域のストリングスが、あの「白い巨塔」（70年代の方）のオープニング曲の音色そのもの（シンセか本物か判別困難なアレ）で耳に心地よく、今回は「古さ」にある良さを再生する国広氏の仕事であった。芝居への貢献に徹する仕事振りには毎度舌を巻く。

実演鑑賞

満足度★★★★

「フェイクスピア」そして「パンドラの鐘」で腑に落ちたNODA舞台の人気の理由（出演者の人気を差し引いた魅力＝戯曲のフォーマット）を踏まえ、前半の表層から深層＝「終局どの歴史事実に我々を引き合わせるのか」が気になっている自分がいる。ストーリーのベースは「ロミジュリ」。これをオリジナルの登場人物２人（松、上川）が、物語世界に介入し、何とか悲劇を回避しようとする翻案で、物語の「内部」のロミジュリには志尊、広瀬が配されている。
物語の果て（冥界？）に存在する（年を重ねた）ロミジュリの二人は、かつて二人が陥った巡り合わせと早とちりによる不幸を回避しようと「物語」に入り込み、あわよくば自分も青春よもう一度と若い「自分役」に己が成り代わろうとする等お茶目さを発揮しながら、「運命」を相手に二人は共闘する、という話なのであるが、本作ではオリジナル物語そのものが翻案されており、変数が絡み合って複雑である。

舞台は平安末期、堅物の源氏（総領橋本さとし）と享楽主義の平家（総領竹中直人）が反目する。じゅりえは源氏側、母（頼朝の妻）と乳母と共に登場、一方ろーみおは平家の一粒種である。
ここからは難癖である。
ファンタジーの法則性を観客は当然探りつつ見る。だが本作ではある時点で混迷する。ロミジュリの物語が走り出し、ロミオが相手側（源氏）の親戚筋の若者を刺し殺し（形状は銃であるが刀と言わせている・・このあたりで現代の戦争への連想が仕組まれていると知れる）、ろーみおに追手が掛かるあたりから悲劇臭が漂うのだが、更に進んでじゅりえがろーみおと相見えるため僧侶の入れ知恵（一時的に死ぬ薬で味方を欺く妙案）の段で、物語に介入するはずの外じゅりえ（松たか子）はこのオリジナルストーリーを知らず、自分が「良い方法を思いついた！」と、手にした薬を使って原作と同じ事をやらかす。松じゅりえは先刻から二人の恋路を阻む人物の背後に現われてはバットで殴り倒す、という行動で笑いを起こしていたのだが、仮死状態にするこの薬こそ、「誤解」による悲劇の源であるのにそれを「知らない」事になっており、しかも同じ筋がなぞられて同じドラマの盛り上がりを作るという格好になっていた。「知らない」事も笑いに収めようと作者は目論んだのかも知れぬが、原作と同じ道を辿るために、作者は松がそのストーリーを「知らない」設定にしたと見える。「知らない」理由は説明（正当化）されぬまま、本じゅりえ（広瀬すず）は仮死状態となりろーみおはそれを見て絶望死する、というオリジナルと同じ顛末を辿るので、「やはり運命は変えられななかった」という嘆きがわざとらしく聞こえる。じゃあオリジナルの二人が辿った「運命」の話は何だったのかと無粋ながら問いたくなる。幽霊だから色々と忘れる（直後に観たこまつ座「樋口一葉」ではないが）という事であっても良いのだが、「運命に介入する」構造の脚本では、如何に目まぐるしく劇が展開しようと、少なくとも「運命は変えられない」をキー・ワードにペシミズムやニヒリズムといった大仰な劇的感慨にアクセスさせるべきでなく、せいぜい強固な劇構造に挑んだ無謀を反省（お猿さんを真似ても良い）といった結語で事足れりとすべきであり、現実社会に当て嵌めて「何もしない・できない」己を（無力さへの憐憫という形で）正当化する余地を与えるべきでない、と思うんである。

映像鑑賞

満足度★★★★

映像にて鑑賞。
注目の「明日のハナコ」プラス２短編、第Q藝術には観に行けなかったが幸い配信で観ることが出来た。
視聴２回目で漸く集中でき、劇場の中を覗けた感じ。すると30分程度の一人芝居（語り）２作品、「ハナコ」（１時間弱くらいか）も良い感じで立ち上がってきた。短編二つはも含蓄あり見応えがある。
に男二人が加わり

実演鑑賞

満足度★★★★

岡本健一＠民藝as directorは二度目なのだそう。奇縁から「演出」の岡本健一が実現した模様で、その希少価値ゆえか、狭いアトリエ公演ゆえか公演前３週間位で完売。ところがコロナの副産物、日程変更に乗じて予約できた。
半世紀以上前民藝で初演された作品というが、本作はまず村山知義脚本という点に注目で、美術家の枠を超えた（否演劇という枠も超えた？）ジャンル横断な活動家で、多く残した執筆の足跡も「何でもやる」感の剛力さを印象づけられる。演劇界の巨人が一体どういう筆致の戯曲を書いたのか、素朴で大きな関心であった。
演出が戯曲に手を加えたのかどうかは不明。序盤でめまぐるしく注意する登場人物（関係）識別に関して演出が無頓着なのか、あるいは戯曲の持ち味を生かしたのか、忍耐の末徐々に状況が見えて来るという案配。演出面では、というべきか判らぬが、岡本自身によるギター一本で奏でる１曲が開演前、劇中と舞台の基調となっている（比較的一般的なエレキの音だがエフェクトで多重的世界）。
楽曲としてはぼろをまとって蠢く部落民のイメージに重ねたような非業の運命に寄り添う響き。４コード程度で構成し、それをリフレインする。コードの構成音を下からつま弾いて３つ目でコード弾きして長く響かせる鳴らし方。まず単純なマイナーコード（メロ的には基音から短三度の音を長く響かせる）、次に基音から長三度下のメジャーコード、それから短三度下のマイナーコード、そして二度上のこれがメジャーコード（セブンス付）、といった感じのコード進行だったが、この４つめのコード（頭に戻る前の）が耳に残る。折々にこのギター曲が流れるが、最終場面で初めて異なるコードが出て来る。暗く影を落としていた世界に、光がともる。マイナーコードが濁りを残しつつもメジャーの響きが徐々に支配する。
言わずと知れた「破戒」の主人公（丑松）はろくな教育も受けられない部落民の中で才覚を発揮し師範学校に上って寺院付属の学校で教鞭をとっているが、ついに出自がバレてしまう。四民平等となった明治の世にあっても「部落」だけは埒外であった状況が人物の台詞を通してありありと描かれるのであるが、丑松が最後の授業で「嘘をついていた」事を涙ながらに詫び、自分が部落出身であった事、そしてそれが知られた以上教師を続けて行く事はできない、しかし皆には「立派な大人」になってほしいと告げる、これがドラマのクライマックスとなる。丑松に思いを寄せ、また丑松も同様であった（が自らの身分から言い出せず苦悶していた）志保という寺で働く女が、その苦労の生い立ちからと観客には想像されるが「その事がそんなに重要な事なのか」と意に介さず、むしろ思いを伝える（自らへの）責務の方が大切とばかりの必死の風情で、嘘を詫びようとする丑松と向かい合った瞬間、全てが氷解するという（芝居の中の目線では想像もしなかった）展開に全てが明るくなる。そこに先の楽曲の変化が重なる。物語はそこで終わりである。だが終始蠢く正体不明の者らが舞台上に上り、二人を奥へと押しやると、再び音楽は暗い調子へと戻り、恐らくは「現代」へと続く時間を暗示する。
不思議な感触の舞台だったが、嘘が許されない演技を見た感、演出の出し切った感を感じつつ劇場を後にした。

実演鑑賞

＃再起動の夜　７日にやる公演を検索してこの催しを見つけた。劇作家協会、今年は新人戯曲賞の公開審査も中止とかで淋しく思っていたが、その代わりに、というのではないが中々充実した内容らしいので足を運んだ。
実はたまたまとあるメルマガ（滅多に開かない）で紹介されていた「アクセシビリティ」関連の事例動画を二、三日前に見たばかりで、その一つはタカハ劇団が前作「美談殺人」で聾啞者を登場させ、その俳優が劇の手話通訳も担うという斬新な試みをやったのを振り返るトークでかなり面白く見た。私に対しては確実にインフルエンサーとなった米内山陽子、高羽彩の名前、また八鍬氏演出による芝居の上演もあるという。

セミナーのパートは三つに分かれ、「再起動の夜」（夏井孝裕作／前説＝解説含め30分）上演、休憩10分を挟んで「作り手視点」でのシンポジウム、休憩15分を挟んで「当事者視点」でのシンポジウム。３時間超えで体力もギリであったが、固いテーマにも関わらず最後まで飽きる事なく見入り聞き入った。