tottoryの観てきた！クチコミ一覧

満足度★★★★

内容では東京2012に、俳優では宮城1973に食指。一作のみ観劇可で悩ましかったが無理やり順位をつけ、東京2012を拝見した。新作の方はまた再演のチャンスも...と期待する事にする（その際も是非福寿奈央氏に）。
事件を私は殆ど覚えていない。初演の2012年、被災地宮城だから作者はこの題材を選んだのだろうと想像する。血の繋がらない家族の物語だが、家族内の関係が適役の俳優によって浮かび上がる幸福に浸った。開演まもなく、前列の客が携帯着信バイブ音に「どうしよう」と慌てながら決して切ろうとしないのにイライラむかむか、１分近く舞台上は幾分激しく動くていたが台詞情報が頭に入らず。にも関わらず人物の関係性は損なわれず肌に入って来たのは、役者がその人物として存在していた証だ。言葉の謎掛け・謎解きで注意を引っ張るタイプの芝居でなく素直に人物を描いて行くTOKYOハンバーグの真骨頂に救われ、空白時間とならずに済んだ（その女性には終演後苦言しておいた）。
それぞれがそれぞれらしく生き、悩み、「家族」の紐帯の中から力を得て前へ進んで行く涙ぐましくもいじましいドラマ。言わば「血縁」以上に情に結ばれた、理想的な家族像がそこにある。「人と違う」不遇が育んだ連帯意識なのか、血縁でない以上「関係」を必然化する事が暗黙に目指された結果なのか・・。そうした説明は芝居には一切ないが、台詞の中に様々な思いが沸々と渦巻く様が想像され、存在の輪郭がリアルに迫ってきた。
ただ・・震災直後の日本で、打ちのめされた心を癒す彼らの心遣いを描きたかった書き手の思いを想像しながら、今は、残酷な結末もあり得ると想像する余地を与えない綺麗にまとめたラストには、少し物足りなさも残った。
最後に置かれる結語には、人の善意や優しさが当てにならない事もある「未知数」な未来を警鐘する要素を持ってもいい、そんな気がした。この事件の当事者である医師や、子をもらい受けた夫婦は善意の人であり良いことをした、果たしてそうなのか・・突き放される事で観客は、結論を自らの思考によって選択する、その決断に委ねる余地がほしかった。十中八九、客は善意の選択をしようが、そうする事で己にその選択には責任が伴うことになる。激しい雨の夜、病院の待合室で他人の赤ん坊の誕生を待つ夫婦のシルエットが、冒頭とラストに出てくる。ラストの扱いは多様に有り得て、迷う気がするが、上の感想を反映するとすれば私はシンプルに、二人が命を待ち続ける姿を残して暗転、がいい。安易と言われるかも知れないが。。

満足度★★★★

2016年観たのとだいぶ違うと思ったら、演目が違っていた（そもそも役者数が倍）。私が観たのは「かもめ」で、ニーナは勿論「かもめ」に登場するニーナであるが、タイトルに「会議」とある通り、ニーナが会議をする。「かもめ」の翻案というよりスピンオフな作品と言えようか。大変ユニークな台本で、樋口ミユはやはり台詞を書く人なのだ、と改めて認識。
若葉町wharf（ウォーフ）には出入り口が二つあり、同じスペースでも大きく２パターンの使い方があると気づく。印象がまるで違って面白い。今回は黄金町駅に近い方が入口となり、長辺側に対面式の席が並ぶ。入って奥にステージに当たる台がありテーブルと三つの椅子、楽屋っぽい歓談の場。そこから手前側に台が延長して長く突き出し、テーブルと真逆の突き当たりに一脚の椅子。この遠い両端の間で芝居が展開する。登場人物については詳述を省くがトレープレフとトリゴーリンは登場。主人公ニーナの一人称の目が、二人の存在を認める、その対象として男性の身体が駆り出されている。
チェーホフ作「かもめ」の物語が、ニーナの視線を通して再構成される。トレープレフ目線ではニーナは彼に残酷な仕打ちをし、最後まで身勝手にも見える女性だが、この舞台で作者はニーナの中にある女性ならではの葛藤を普遍的な情景として描出した。
原作を知らずにどの程度楽しめるかは判らないが、ニーナ（女性、と言い換えたい）が、己の人生が問う問いに真剣に対峙していく姿は感動的である。女性のアンサンブルは流麗で目に美しい。

満足度★★★★

最もパッとしない男役が主宰で、他は全員客演とは終演後知った。調べたら一人作・演出・出演ユニット。今回の「最後の上演」への思い入れは強かったらしい。
今回で封印する理由は判らないが、確かに15年選手にしては本作は若者目線のドラマ。軽快なテンポとキャラ立て優先の演出も、脚本の良さで無理を感じさせない。小ギャグの好みはそれぞれだろうが、吉本文化圏の大阪らしく本人と役が渾然一体のキャラで押し出す役者根性は私には彼我の差と映じた。
話の舞台は淡路島。しがない工場の従業員たちの、変わらない日常と、事件、その顛末を描く。最後まで「何を作っている工場か」に触れないのに、不思議と宙に浮いた話に感じさせないのは人物造形の勝利か。
中卒以来十八年勤務するベテランと、彼に毎日飲みに誘われ付いていく九年目の後輩、カラオケの合いの手も職人技のスナックのママ。飲みを断り続ける二人は、風俗にはまる中国人従業員と、進路に悩む事務の女性。朝のラジオ体操にだけ姿を見せる社長。
そんなある日、一度も飲まなかった二人が「飲みに連れて行ってくれ」と先輩に申し出る。ルーティン反復の日々に初めて波風が立つ。
テーマは食い尽くされた感のある「変わらない事の良さ」と「変化への渇望」との葛藤。地方で燻る事への倦み、自分との折り合い。上演する場所が東京か地方かでも随分切実さが違うのではないか、と想像しながら観ていた。本作は舞台が淡路島で、女性事務員が憧れるのは東京と、うまい設定である。地方都市住人が抱える憧憬する側の疼きと、される側の余裕、関西の観客は「疼き」をより理解するのではないか。もっともこれは土地に関係なく個人が持つ二つの感情でもあり、文明とその中心地が形成された古代から存在する、普遍的なテーマなのだろう。

満足度★★★★

今はない雑遊で数年前に観たきりでご無沙汰だったくちびるの会。アルゴリズムな感じで俳優が動きながら、その中に情念の火がふと点ったような、そんな朧げな記憶で、未完成ながら独自の演劇的言語を持っている印象だった。少し寝かせて（ワインではないが）観に行くつもりが随分経って久々の観劇。
役者陣が充実しているな。と観終わった後サイトで確認すると、くちびるの会は2014年から活動のプロデュースユニット。俳優には今回出演の野口オリジナル、佐藤修作、橘花凜、鈴真紀史、丸山港都、加藤ひろたか、そして丸山厚人。他に傳川光瑠、宍泥美、一回切りだが小沢道成など。今回初出演が東谷英人、藤尾勘太郎。無敵と言える陣容だ（他は黒田光、聖香）。
作・演出山本タカの志向は過去一作と今作のみでは判らないが、２０００年以降の若者が潜っているだろうペシミズムが作品の前面ではないが通奏低音に鳴っている。俳優各人の持ち味の生きる人物を登場させ、終盤近くまで軽快に飛ばしていた。が、作家山本氏としてはどうか知らないが、もう一歩書ききれなかったように思う。何かが惜しく、悔やまれた。

満足度★★★★

アゴラ劇場の壁際一杯に作られた古びた喫茶店内。下手手前にゲーム付のテーブルが置いてある。冒頭森谷ふみがお客に対してセットの事、程なく登場する幾人かを紹介するという「親切な」導入以後は、ホエイには珍しく「逸脱」「ぶっ飛び」のない地に足のついた現代設定のストレートプレイであった。
アウトロー世界の入口として機能する喫茶店には、そうした者たちが滞留し、通過する。場の設定が見えると作者の狙いも頷け、際どい問題に突っ込んだ芝居の輪郭が浮かび上って見えてきた。
青年団系が多いとはいえ多様な存在があって「あうん」で成立していないのが良い。

満足度★★★★

万有引力 in スズナリへ、また出掛けてしまった。非寺山作品に挑み、天井桟敷を正統に継承する舞台と評価された作品とか。狂気の演劇人アルトナン・アルトーの名に「オ？」と目が行くが、かの地の前衛の前衛たる所以はこのテキストからは判らなかった。残酷な状況が取り上げられているとは言え、人物に正当な台詞を言わせ、主張をさせている。様々な理不尽を、相手を慮って受容するという「残酷」とも言える現象に、エロティシズムさえ重ねられる日本人の精神の屈折からすれば、理が勝った西洋のそれなど単純に見えてしまうという事だろうか。

さて冒頭から光と音、美術のアンサンブルで舞台は魅せていく。今回は特にＪＡシーザーの音楽の木目細やかな音使いを、初めてしかと確かめた。再演というから、楽曲も若き日のシーザー氏の迸る才気が書かせたものだろうか。それとも今回新たに書き下ろしたものか（現代的アレンジも感じたので）。単純構造の戯曲の色彩を与えていたのは美術＋照明と、間断なく寄せて返す音楽だった。

この話、前半は貴族の家庭内残酷劇、後半はチェンチ伯爵を殺した娘ベアトリスの裁判で情状酌量の余地を認めるか認めないかを延々と争っていると言ってもいい話だ。
日本人の感覚では（に限らないかも知れないが）、認められようが認められまいが罪は罪、結果に差はないと考え、いずれの処断も受け容れるというのが「ストレスのない」覚悟であったりするが、このドラマの主人公である被虐の親殺しベアトリス・チェンチは頑として「罪はない」と主張し続ける。
戯曲が用意する頂点は、処刑されようとする孤高のベアトリスが、「神の名の下に」彼女を裁こうとする判事や教皇の使者へ反駁をする最後の場面。現状への嘆きと、希望を裏付ける切々たる正当性の主張は、ギリシャ悲劇の詩（長台詞）を思わせる。彼女の弁は人間宣言であり、律法学者を難じて処刑されたキリストが重なる。相手が聖職だけに痛烈な皮肉となるが、この正当な批評態度は、仏では異端のそれなのだろうか？　アルトーをまだよく判っていないので、考え保留。

満足度★★★★

初日を拝見。客席に多くの演劇人が見られた。劇評家の姿もあって注目度が窺えたが、確かに話題になって良いタイトルである。
もっとも私は在日の世界を日本人が象る事の困難、況んやこの作品をと見切っていて、観るつもりはなかったのだが直前に「凄い事になってるかも」と期待の虫が這い出てきた。最近注目していた演出家というのも大きな要因となり、観劇。
構造はシンプルで、在日一世のある男の一代記として描かれ悪い感触はなかった。私は映画版がいまいちだった口で、映画より今回の舞台が良かった。父子の対決図を軸に据えたことで世代の継承の視点からこの異形の男の存在を捉え得た、というのが理由だろうか。
ただし「俊平」その人の存在を本質から形象し切れていないとの感想は映画に同じ。想像の中でしか作れない人物なのか・・判らないが、乱暴な言動の背後に流れている何か、核を掴むことは確かに大抵ではないとは思う。
舞台は暗転を多用した点描スタイルのニュアンスもあり、暗転になると人と物の出入りの際、芝居でなく作業員のようになるのが、私としては気に食わず、照明が落ちても役の気持ちでいて良いように思った。「割切り型」と「粘着型」とあるとするとこの芝居は「割切り型」（最近見たのでは「はだしのゲン」が典型）の構成と言えるか。
俊平の妻・英姫役は立派な関西弁でパキパキと喋り、韓国訛りとして「ツ」を「チュ」に変える配慮をやっていたが単純変換で機械的。この違和感というのは、関西弁の使い手として人選されたとすれば、韓国訛りなど入れず流暢に関西弁を喋ればよく、韓国訛りを入れるならむしろ関西弁はうまくなくて全然よい。最初に出てくる「あてつけ」を「あてちゅけ」と読ませた変換は、「あッてちゅッけ」（小さい<ッ>は短く跳ねる）もしくは「あでちゅッけ」と行きたかった。台詞には無かったかも知れないが「ざ」は「じゃ」になる。こだわるなら粘っこくこだわってほしく、こだわらない（割切り型）なら、むしろ韓国訛りが要らない。日本で育って自然な日本語が話せる設定でも他郷人らしさ＝どこか遠慮がちである等＝があればいい（それが出来ないから言葉で対処しようとしたと言われれば黙るしかないが）。
今回どういう事情か知らないがアンケートを取っておらず、ビッグな芸能人でもあるまいし、様々な疑念が湧く。出来についても批評を臆するような出来でなく。憶測を逞しくすれば、コールの際にスター然と佇んでいたあの役者の要求か、などイメージ的には最悪である。そもそもアンケートを取らない事の意味のほうが不明で、私には論外。舞台が思いの外良かったから非常に惜しい思いを抱えて劇場を後にした。

満足度★★★★

普段あまり観ない“ジャンル”の芝居だが、＜喜劇＞一筋30年の劇団ＮＬＴは３年前池袋の小屋で「劇場－汝の名は女優」を観ていた。年増女と疎まれる元(?)大女優が、彼女が入れ揚げている若い男と新人女優に裏切りを食らうも最後は舞台上で勝負、見事一矢報いて拍手喝采の爽快な舞台だった。先日話題になっていたルー大柴主演舞台や、少し前の賀来千香子主演舞台など著名俳優を招いてのプロデュース型も多いようだが、今回は昨年開業した「オメガ東京」という小さな劇場で「劇団公演」の趣き。演目は劇団主催戯曲コンペの受賞作という事で全くの未知数である。予測不能なタイトルに惹かれたが、意味じたいは内容を割と忠実に表していた。
装置もお芝居チックな室内劇は、劇団代表の川端氏が片割れを演じる老夫婦の奇想天外な近未来家族ドラマ。貫禄ある二人の比較的自然体な存在感に、周囲の面々がキャラと個性豊かに茶々を入れる。メイド・ルーシー（察しの通り英語圏のどこかが舞台だ）、営業員ジュリア・ロボッツ、修理担当マイク、数十年ぶりに帰還した娘オリビア、その夫の残念男ジョージと、周辺の役を担う俳優が特徴的だ。「如何にも」なキャラ、際立つ個性を自分なりに見出し強調し、存在から滲み出る笑いの要素を磨き鍛えているのがNLTの俳優だろうか。
序盤はこのドラマの奇抜な「設定」に移行するためのやり取りの部分が、脚本的には苦慮したと見える要素があるが、俳優の技量で乗り切ると、この設定を楽しむ時間である。だが予測可能でも予期しない事態が間断なく訪れ、「設定」自体が揉まれた末、あっても良かったのに無かった平凡な場面が現われて終幕。思わず「うまい。」と言う間もなく温かな闇に包まれた。「喜劇」とは愛を確認するまでの試験ないし前戯であり、照れ臭さを隠すボヤキの時間。時折目にする芝居は早々にボヤキその実ノロケの延長と悟られるが、本作は着想の勝利でノロケ要素が当初より除外されている。つまり未踏の変化を辿りつつ、回帰するかのような不思議な構造。大騒ぎな大団円だけが大団円でないと妙に感心した。結語（回帰）そのものは喜劇の王道なのだろうが「変化」の方に未踏の時間（未来）への希望が滲む、とは大袈裟だろうか。
ただ、小さな劇場とは言え客席にもっと客が入っても良かった。「喜劇」にこだわり、これを続ける事の苦労が過ったが、笑いの中には不屈の細胞がある、と感じる所がある。笑い、不可思議也。

満足度★★★★★

昨年の「記憶の通り路」以来、早くも「風」二度目の観劇の機会となった。演出はどちらも若手新鋭の江原早哉香だったが（今回カーテンコールで初めて目にした）、俳優の力量、持ち味は今回の舞台で見えた。中々面白い集団。ブレヒト作品の古典を、恐らく今回新演出かと思われるが正確な所は判らない。大小の人形を使い、飽きさせない演出だったが、「コーカサス・・」というブレヒトが書いた物語を飲み込み易く舞台上に再現させてくれたという印象。微妙～な存在であるアツダクの欲まみれかつ人間的な裁きに表わされるブレヒト的諧謔というか皮肉というか、清濁併せ呑んだ人間観、社会観が流れていて面白おかしい。人物を突き放した筆致に甘え気楽に見ていられるにも関わらず、鋭く突きつけるものがある。
休憩挟んで３時間近い舞台だが全く疲れなかった。（単に体調の問題かもだが）

満足度★★★★

小型ミュージカルが取るある様式にはめ込まれた舞台、最初は不自由に感じる。ある意味これは異化効果だらけの舞台ではないか・・・と。巨大な史実を前に「必死さ」の向けどころを俳優は探しているようでもあり、身体がリズミカルに元気に動くので窮乏感も疲弊感も出ない、とか。シンセで作ったいささか安っぽい音の音楽も含めて、役者の演技もリアリズムからは遠い「形」（悲しみや怒りは表現されるが表象・記号として作っているように見える）。画素数が高いのがリアリズム追及の方向だとすれば、これは思い切り低く設定したデザインという感じ。歌は真摯に歌われるが先述したようにシンセ音が「なんちゃって感」を出してるし。
だが仮そめの作り物だと割り切った形式の中に、胸をつくような印象的な場面が挟まれ、そこがえらく映像記憶に残る。
「はだしのゲン」の印象的な場面がなぞられていたが、ゲンの死んだ弟信二そっくりの隆太との場面など、漫画のニュアンスがうまく出ている。最も印象に残るエピソードの一つが、お金につられてゲンらが連れられた屋敷の一室に寝起きする蛆の湧いた体をもてあます元画家志望の男がゲンらに会って絶望の中にも元気を取り戻す話。そこで手にしたお金を持って急ぎ病気の妹にミルクを買って帰るのだが、被爆直後の惨状の中で唯一ゲンの心を温くした新たな命は今しがた奪われていた。原作にあったか記憶にないが、戦後「勝者」側となった朝鮮人である親切だった隣の朴さんと、日本兵となった朝鮮人が町で出会い、朝鮮民謡風の望郷の歌を切々と歌う。これらの場面は少なからず揺さぶるものがあった。

装置は場面ごとの持ち込みで、床は緩い傾斜で矢板を僅かな隙間を置いて縦に敷き、下からの照明を効果的に使っていた。

満足度★★★★

上演履歴に見当たらず、企画の〆は新作？と乗り気でいたらもっと若気の作品という。それはそれで興味が湧く。
パンフｊに「参考図書」としてフルトヴェングラー関連書の題名が見えた。二十世紀（前半）の最も著名な指揮者とだけ耳にしていたが、ナチスとのエピソードがあったと観ながら思い出した。史実が題材でもドラマ進行のポイントとなっているエピソードが史実をなぞっているかは不明。指揮者の名も呼ばれず、宣伝相とあってゲッペルスと書かれていないので相当程度フィクションが混じるとも窺えるが、楽団へのナチスの真綿で締めるような介入がうまく描けている。実際に宣伝相本人までが出張って言葉を交わしたかは疑わしいが。
オーケストラを描くのに演奏場面を出すかどうかは判断の分れ目になりそうだが、演奏どころか楽器を取り出す事もない（チェロなどは布でくるんだ中身は間違いなくフェイク）この舞台には違和感も不足感も覚えず、音楽と芸術について真正面から語った作品になっていた。
冒頭、袖で演奏を聴く指揮者の秘書、少し離れて鉤十字の腕章が見える制服姿。流れる演奏は古い音質からして恐らくフルトヴェングラー指揮の実際の音源で（クリアな音より余程いい）、緊張感が漂う。芸術を権力に利用し統制下に置こうとする力と、それに抗う音楽家（たち）、という単純図式でない配置もうまい。
戯曲中の出色は、良心的な存在として登場するチェリストに作者は「私は演奏が出来さえすればいい」と言わせる。だが彼の態度に「演奏すること」が即ち自分の良心に従う事である、という哲学が立ち上っている。これまで観た野木作品の中で、この最も若い時代の作品が最も老成し深みを感じさせた。

高名な指揮者が率いる楽団ながら、三分の一のユダヤ人演奏家が在籍するという状況が徐々に、やがてはっきりと桎梏となっていく。ある演奏会の開演間際にナチスが旗の掲揚を要求し、飲まざるを得なかった事に始まり、「敗北」を喫していく暗鬱の中、「私たちは演奏をしよう」と誰かが言う。この取り立てて何の飾りもない台詞に、虚を突かれた客は多かったろう。芸術を志す者たちへの敬意と静かな声援がひたひたと会場を浸すような感覚が作られた。「演奏をする」とは何か・・音楽家にとっての日常だろうか、それとも特別な何かであり、特別を担う者が芸術家であるのか・・。いずれにせよ「演奏をする」ただそれだけが希望であるような瞬間を作り得たことが、この作品の価値だ。

（劇団websiteによれば）初期作品の中には女性が登場する戯曲もまだあったが、やがて男一色の作品ばかりになったようである。本作は紅一点だが（演奏家に女性性を感じる部分もあってか一人という感じもしなかったが）、ドラマに丸みと膨らみを与えていた。

満足度★★★★

一年以上空けての燐光群観劇。昨年１月の「リタイアメン」（清水弥生作、アジアとの共同製作）、燐光群ではないが３月の坂手洋二作・演出「ブラインドタッチ」以来だ。もっとも昨夏の「九月、東京・・」初演は完売で見逃した稀なケースで。。その話題作の再演は、「近い内に」との初演会場での約束通り実現し、鴨川てんしと中川マリの一人芝居との抱き合せ（こちらは観られず）と企画性にも配慮。半年後の再演とは燐光群としてはレアケースだが、客席はそれなりに埋まっていたとは言え満席には至らず、集客ダウンが見込まれたにも関わらず再演を決めた姿勢には（勿論個人的にも有難いが）敬意を表したく思った次第。
「九月、東京の路上にて」は関東大震災の朝鮮人（だけでなかったが）虐殺の足跡を広範に辿った原作著書のタイトルである。これには二重の意味がある。一つには著書に記述されたエピソードが再現される。この具体的な証言の力が、演劇的作為の中にあって作為を加えられない信憑性を持ち鋭い魅力を放っている。もう一つには、演者たちはこの加藤直樹著の現物を手に持ち、東京の「事件」現場を辿るという事をやる。エピソードはその「現在」に時間に挿入されて来る。彼らは有志で集まって世田谷区オリンピック対策何とか言う任意団体を立ち上げ、現場を訪れ議論をしながら「国際行事であるオリンピックに相応しい他国との向き合い方」を示すため、民間協力として今立つ場所＝大震災時に殺された朝鮮人の追悼のため椎の木が植えられたとある神社の敷地に、当初あったはずの１３本に足りない９本を植え直すという目標を掲げる。団体メンバー１３名の他は、野党国会議員一人、彼を論難しようとランニング姿で現れる自称現役自衛隊員（実は防衛省の幹部）。以上が「現在」の２つのストーリーを構成し、最後には合流する。
一方過去の事件の再現には総員がコロスとして関わる。劇中劇の仕立てが衝撃を緩和してもなお圧倒される事実の強さがある。

震災当時の流言飛語や自警団の行動には各地各様の形成があり、警察などの公的機関も小さくない影響を与えたのは通説どおり。この「事実」の記述が現在学校教科書から消え、ある勢力からは刑事訴訟よろしく「証拠不十分」を盾に無きものにされる昨今であるが、僅かながら残された記録や証言には、作為的に作り出し得ない「具体」ならではの感触がある。事実とは何であるか、それを共有する事が如何に困難か、考えさせられる時間であった。

満足度★★★★

この年になってチェコの国民的作家を見出し喜んでいる。ハツビロコウには異色作でも、演目に興味津々。先日の「クラカチット」といい本作といいドラマの背景に相当程度の科学的知見が覗くが、彼はＳＦ作家というよりは、科学の発達がもたらす生活様式の変化もさりながらその影響を被る人間の心理や反応パターンの変化を予言的に組み込んだ描写を施している。描く対象はリアルな人間であり、時代を先取りしたものだ。
彼を予言的な記述に駆り立てたのはやはり、（解説を読んだ訳ではないが）第一次大戦が示した科学技術の跳躍的進歩だろうと想像する。大戦開始時に空軍はなかったが、大戦中に爆撃機が飛ぶようになる。殺傷能力を拡大させた兵器により桁違いの死者、民間人の死者も出し、「未曾有の惨劇」という戦争のイメージはこの大戦からと言う。
その影からか本作も空想に遊ぶ娯楽の要素は小さく、警告のトーンが濃い。使役用の人造人間を製造する会社「R.U.R.」（最後のRがロボットの頭文字）が命名した呼称が人口に膾炙するのは、この作品が持つインパクトからだろう。原作戯曲を圧縮したハツビロコウ版は、簡潔に作品の要点を伝え、３幕３時期に分けてロボット発明以降の人類史的顛末を、孤島に存在するロボット製造工場の本部事務所で（原作指定通り）描いていた。
筆を入れたのは松本光生氏という。一人生き残った技師アルキストの最後の台詞など私がみた原作版より鋭く簡潔であったと思う。老いて朦朧とした彼は、ガルが最後に作ったというロボット２体（男女）の中に「人間」を見る。それは彼が「それを備えていれば人間である」と感じられるものが、彼らの中にあったという事。
始まりはロボットを人間が生み出した事で、ヘレナがその事への疑義を持ち込んだために事が歪んで行くが、それ以前に「ロボット以降人間は子を生まなくなった」という象徴的な事態が生じており、ヘレナがガルに頼んで魂を持つように作らせたロボットが人類を破滅的事態に陥らせたこともある必然の結末となっている。ところがロボット自身が自己増殖という欲求を持ったにも関わらずその方法を知らなかったため、最後の人間であるアルキストに方法を見出すよう頼み込んでいる。一方彼は自身の希望のため、地球上に生存者を一人でも探し出すよう彼らに言いつけているが、事態は絶望的である。先の結末は死を前にした最後の生き残りアルキストの自己納得ではなく、実質そこに人間が居た。彼らアダムとイブによって未来が開かれていく希望を彼は持ち、眠りにつく。そこには人間かロボットかという違いへの着眼はなく、ましてや人間同士を分かつあらゆる属性へのこだわりもない。人間とは何か・・アルキストの上に、この問いを刻んだ碑が立っていた。

満足度★★★★

「水の駅」初日の当日券抽選に並び、くじ運の無い身が引いた事のない一番を引いて不吉さにビビりながらも、ほくほく観劇した。
沈黙の劇世界を彩る音楽はジムノペティ。ゆったりビートのアレンジ、通常演奏、エフェクトで歪めたバージョンと出てきて、このまま同曲の変奏で行くかと期待したがそれはなかった。他は基本クラシックで３曲位使っていたろうか。無音の箇所との組み合わせで変化を付けていた。
場内は、森下スタジオの内壁そのまま見せ、雛壇客席と開帳場の舞台装置が対面し（普通の舞台・客席の関係）、その周囲に隠しは置かず、照明の影に目立つ事なく沈むのみ。開帳場のどん詰まり（頂点）が人の登場する所だ。その頂上ラインの右寄りから左手前へ斜め一直線に白い矢印が、通路のように書かれている。実際人は皆ここを通る。その斜めラインに沿って、中空には洗濯物干しのように綱が渡され、綱には小型の照明が下向きに吊るされている。左奥に粗大ゴミっぽい山。そして白い通路の真ん中あたりに、ちょろちょろ水の出る音を立てて蛇口が立っている。
・・と情景の説明をしたが、聴覚情報は音楽か無音、芝居は視覚情報に殆ど頼るしかない。が、前の席の頭が舞台手前中央に位置取り、視界を阻むので、声のヒントがないと重要な情報を見損ねる。二人組の時など双方の働きかけや、それとは別におもむろにわーっと大口を開けて叫ぶ所が幾つかあるが、これを見逃してしまう。情景が見えないと退屈で睡魔が襲うので、後半は割り切って「今観るべきポイント」を探って忙しく上体を動かすことになった（もちろん最小限に）。
あと、元の形式（太田省吾演出）を知らないが、多数の出演者から想像されるように恐らくKUNIO演出の特徴と言えるのは、開帳場の奥から「役」を担った人物が順次登場し、無言のドラマを展開し去って行く仕様である事。各人物の「動き」というコンテンツ（人物設定・関係性）の作り次第で、舞台の質が左右される、という作りである事だろう。舞台全体が志向するものは多分無かった。が、意外に「まじめに」作られた印象で、生前の太田省吾の教え子であった杉原氏が、師匠の遺したものへ現在の彼なりに答えを返そうとした舞台と感じた次第。舞踏に通じるスローな動きを基準にした点にそれは表われたが、しかし貫徹するものが見えなかった、というのは、トークに招かれた内田儀がうまく解説していたが80年当時はバブルへ走り出す時代、物事が過剰さを帯びて行く世相があり、太田氏はそれをそぎ落とす事に表現の目的を据えた。過剰なドラマ性（ドラマティック）が無くとも人の営みがある事を、それを超低速の動きに映し出そうとした・・。今回の舞台の中で「あ」と思うシーンが、それは何でもない役者の動きの中にであるが、あった。「この感じが本来この舞台が狙ったものではないか」と、風が頬に当たるように感じた箇所の一つは、後ろ向きの歩行であったと思う。迷いの無い動きであるが速度は遅い。過剰を削り取っていった人間の姿は、即ち「余計なもの」がなくても生きて行ける要素を備えた姿と言える。余計なもの、の中に文化は含まれようが、本来不要なものに依存したあり方を疑うプリミティブを志向する舞台は、緩慢さに徹し、シンプルさに徹する、という所にあったことだろう。対して杉原演出版は、基本を無言、緩急に据えながら時にスピーディにも動く。人間模様に多様さを持ち込む。そうなると「水」は何の象徴なのか、という疑問が（これも内田氏が述べていたが）残る。まさにそのような印象を私も持った。「水の駅」という伝説ありきの、レイヤーとしての舞台であるが、視覚的な「形」を似せるという継ぎ方も、あるのやも知れぬ。「面白ければよい」のである。ただし私の目には（席の問題なのか）シーンが数々ある中で関係性を読み取ることができず判らず仕舞いのシーンが幾つか残り（全て判る必要は無いと考えているが）、あるいは複数いた男女カップルの営みに差異を感じられず、それがそのまま「面白さ」の半減となったのは事実だった。
部分的には表現の面白さや巧さ、形の美しさ、情緒など楽しむべき所はあったし、太田省吾のかつての仕事について想像を及ばせる貴重な材料にもなった。

満足度★★★★

劇団の長い「模索の途上」での新展開を見た感触があった。それだけに小屋が閉じてしまうのが惜しいが、言っても仕方ない。
「クラカチット」の原作を今回は読んで観劇した（正確には観劇までに読了しなかったが面白さは十分に堪能）。そうした理由は、原作の台本化の仕事を見たかった事と、舞台を記憶に刻みたかったから（知識ゼロで筋が追えないと印象が薄くなる）。その読みが当たったのかどうか、判らないが、面白い舞台になっていた。
通常制作に名前を連ねている小森明子が脚本・演出（過去演出経験有り）、自作戯曲も書く桑原睦が共同執筆。新作での演出を担っていた公家氏は演出補、出演。保守的に固まらず、集団力を開く方向性に期待感。そして原作・・めくるめくスペクタクルなイメージが1922年という時期に流麗な文字表現になっていた事の驚き。（1916年の米映画「イントレランス」を作者は観ていたかも知れぬ。が最も影響をもたらしたのは第一次大戦の衝撃ではないか。）
戯曲化は難しかっただろうがよく舞台化した、と素朴に感心した。
原作も「爆発」から始まる。主人公プロコプがその現場からフラフラと宵闇に沈む人気のない路上に彷徨い出、既に心神耗弱に陥っているが、この火薬専門の化学者が今しがた新型爆弾を固める処理を施して陶器の入れ物に入れた後、机に残った僅かな残り滓が、彼の仮眠中に凄まじい爆発を起こしたらしい事が彼の回想で分かって来る。だが彼の負傷と心理的ダメージがどれほどかが読者に判るのは、さらに続く暗鬱な長い夜が明けてのこと。意識朦朧の中で彼の頭に渦巻くのは、化学者としての探究がついに得た成果への思いと、それと裏腹にとてつもない発明を人に手渡してはならぬという怖れと自責の混濁した感情である。だが彼は懴妄状態の中ある女性と出会い情熱的使命感を沸き立たせる。彼のその後の歩みは彼がクラカチットと名付けた爆薬を巡る「外からの力」と、最初に女性と交わした約束という「内的衝動」の葛藤の物語と言え、それが変遷していく様はそれはそのまま人生の縮図と言えなくない。恋愛遍歴に示される下部構造と、爆薬に絡む「仕事」「使命」「政治」「軍事」を司る思想＝上部構造との潜在的な葛藤を思わせ、一義的でない物語叙述に大作家の面目躍如を認めずにはおれない。
作者は色んな夢をプロコプの脳に登場させるが、これが絶妙に彼の身体のみぞ知る精神状態を反映するようで、そういう部分にも凄みを感じる。
彼が最初に見る夢は、彼がトメシュという女たらし（学生時代の同じ化学専攻の知己、路上で偶然再会し介抱された）の家で、彼を探すヴェールの女性の訪問を受け、不在の主人（トメシュ）への託けを頼まれた後、彼女が自宅に戻って「物」を持参するまでの待ち時間に見たキャベツ畑の夢である。尋常でない心身状態で彼は女のヴェールの奥に可憐さを認め、痺れに近い感覚を覚えるが、うたた寝の夢にそれが早速現われる。広い畑に並んだキャベツをよく見るとそれはぬめぬめと光る醜怪な顔で、遠くの方にヴェールの女性らしき女性がキャベツに襲われるのを見て助けようとするが、彼の体にもキャベツの手がまとわりついて動けない。身体的危機を知らせるようでもあり、彼女への思いを裏付けるようでもある印象的な箇所だが、アンサンブルの演出は最初の夢の後も、幻視や気分、象徴等の次元の場面で床から数人が顔を出すキャベツ人間を使っていた。
装置は一面の白。中央正面にアルミ光沢の巨大な細いリング、後ろにも一回り小さなリングが立ち、ＳＦである。原作公表当時での仮想近未来であり、核兵器の発展史を正確に辿っていないから（当然だが）、ＳＦの扱いは妥当。映像も効果的で、冒頭細いリングに色彩のある光が走るのは見事だ（映像の正確さもさりながら、リングが肉眼では完全な円形に作られていた）。
役者の演技にはアンサンブルらしい生硬さも見られるが、恋愛ドラマでもある本作。柔和さを要する役に引っ張られてか膨らみのある演技もあり、舞台の成功に寄与していた。

原子爆弾（ある意味そう名付けて良い）クラカチットの存在は科学（者）の倫理的責任を問う素材だが、話の本筋は「ある数奇な人生を送る事となった男の物語」である。原爆投下以後の時代、「原子爆弾」は仮想の話ではあり得なくなったが、原爆と相似であるが同一でない「クラカチット」は前人未到の破壊的発明の比喩・象徴と解釈もでき、近未来ともパラレルワールドの過去とも取れるフィクションが成立する。もっともクラカチットを生み出した誇るべき業績は、畏怖の対象としてプロコプの道程に通奏低音を響かせている。いずれにせよＫ・チャペックの予言的作品の多義的であるゆえの魅力に、正当にあやかった舞台である。

満足度★★★★★

ひとみ座は初観劇である。70周年記念で気合いを入れた公演らしい。「どろろ」が新作かどうか知らないが（仮に旧レパでも恐らく原作が流行った大昔のことで人形製作も含め新作に近い再構築に間違いない）、手塚作品の中でもこれは手放しの懐かしさ、買いである。
人形劇でも糸操りは一二度観たが、操り手が登場して体を使う方式は、「芸」として馴染みはあるが「劇」を観た事はなかった。今作「どろろ」は休憩15分を挟んで二時間半である。耐えられるものか心配もしたが全くの杞憂だった。
糸操りでは人形が上下の遠隔操作で独立して見えて来る秀逸さだが、こちらは役者が身を晒して声を出す動きも表情も、他の部位を支える補佐役の入れ替わり立ち替わる様子も、つまり「裏」＝技術行使を丸見せしながら人形に魂を込める（より正確には見る側の想像を助ける）。人形の寸法も大きく、小劇場スペースでは十分。立ち演技をする不特定の農民等は面を付けて生顔を隠す。従って実物でないキャラクターに人格を託するアニメ声優的演技に寄る。だから筋立てが重要になる。
宮台慎司が自分にとって演劇即ち人形劇だ、というような事をどこかで言っていたが、リアリズムの彼岸にある様式が伝え得るリアルという事を思う。クナウカの演じ手と喋り手を分離する手法、また通常の演劇の方法の中にも人形劇モデルの効果を計算したものに時折出会っている気がする。
さて「どろろ」は傑作である。これを読んだ小学生時代既に手塚治虫の古典の部類だったが、興奮して読んだ物語が蘇り、深い感動に導かれた。
なぜこの物語の題名は「どろろ」なのだろう（「百鬼丸」ではなく）と素朴に思ったものだが、原作を圧縮したひとみ座の舞台で答えに行き当たった。（というよりコミックを読んだ小学生が漠然と出した答えを思い出させた。それだけ原作を最大限尊重し再現しようとした舞台と言える。）
初のひとみ座体験に少々興奮気味だが、気になっているなら観たが良し。子ども達が大勢客席に見えた事が嬉しい。

満足度★★★★

震災直後の「背水の孤島」が話題になった中津留氏の確かその次作、若手公演で上演された演目と記憶。トム・プロジェクトには珍しい会場、ホールの企画に参加した格好だろうか。民主党政権の「仕分け」が批判の的になったり帰宅困難者、計画停電といった「電気」に関係するワードなど時代を感じさせるが、今やる舞台としても堂々たる台詞劇だ。
中津留氏の近年の議論劇よりはストーリー中心だが、前半は会議風景だけに「議論」は交わされ、中津留らしい違和感ある台詞も（少なくとも２ヶ所）ありつつも、疵を補って余る骨太なドラマとして見た（違和感台詞を受け流す術を身に付けたのかも）。

満足度★★★★

昨年のＳＴスポット公演での初観劇の強い印象が王子小劇場にて破天荒路線で発展。文学少女的アンニュイがなりを潜めて。最初実はユニークな劇団名に惹かれて（近場のSTというのもあって）足を運んだが今では真っ当な名に思える。「みんな」をこの時代に生きるみんなでなく、劇団員、座組とすればすんなり、個々の顔（覚えてなくとも）と劇団の物語が浮上し、それを眺める不特定多数という構図。そう名乗れる資格を多数から獲得しつつあるという。。
まあ名の事はともかく..器用さと不器用さが独特に混在するグループだがそれを不問に付させるエネルギーと饒舌がある。舞台への明確なビジョン（または欲求）を持つらしい匂いが、私の関心に引っ掛かる。
前より客席数の多い王子小劇場で、芝居は縦横に動き回り、禁制かと思っていた男子も入り、福井夏という人物（主には同名の女優が演じる）の恋愛の足跡を奔放に舞台上に書きつけていた。

前回同様、テーマソングが２バージョンあり、ラストに２曲続けて総員参加の振付と共に流れ、ビートの効いたこれが意外に琴線を弾く楽曲。

汚れずに生きられない現実と、恋愛の中に花咲く清純との落差という大人計画が得意そうなドラマトゥルギーは自虐に寄ればブス会、元気で薙ぎ倒すのがひとりぼっち、等と取り沙汰される日が来るのかどうかはともかく、粗削りの中に光るものあり。前作と同じく恋バナに終始し、男女一対一となったシーンの実況中継（五七五ラップもあったけか？）など逐一覚えていないが、意想外の展開が客の退屈回避のアトラクションである以上に、本音の開陳となっていく所がこの芝居を正統なものに見せている理由。
ここまで紙幅を割く事はないか..。

満足度★★★★

岩松了作・演出舞台を初観劇。数年前の松井周演出「蒲団と達磨」、「市ヶ尾の坂」のドキュメント映像（市販DVD）、戯曲「テレビ・デイズ」も読んだが、岩松作品は戯曲と演出ともに目的を一にする印象があり（「書く脳」と「演出する脳」は違うとよく言われる）、岩松演出舞台を一度観たいと思っていた。
も少し岩松氏の印象を書けば・・社会派とは言われない「静かな演劇」の作家であり、自分の方法論と視点を明確に持ち、ルーティンのように作品を生み出せる職人の一人。時代に寄せる細波を敏感に感じ取り、そのインスピレーション即ち一片の細胞からクローン＝劇世界を生み出す。役者への要求が人間の微妙な心理に及び、優れた俳優でないと務まらない・・そんな感じ。
舞台はその印象は裏切らなかったが、予想外な面もあり、それは意外に「静か」でなく躍動的でさえあり、まあ普通の演劇だった。ただストーリー説明は不親切（思わせぶりの時間も長い）、ただし私の見た所ストーリーは一応完成しており、小出しにして客を待たせる分だけ、役者が担う負担も大である。役者は十分やっていて人物を体現している分だけ躍動もあるが、それでもヒントは少ない。
ストーリーラインは、とある国（人の雰囲気は普通に日本っぽいが背景の植物は南方っぽい）の山中にある元学校のような建造物を拠点にして、「反政府軍」的グループ（の支部？）数名が武装ながらも日常性豊かに暮らしている。「戦闘状態」を表わすのは敵軍の存在でなく（捕虜は居るが彼らでもなく）、兵士らの「戦闘意識」である。
時々ヘリが通過し、対立する勢力との間の戦況も緩やかに進行する模様。部隊員の他、二人の捕虜、保険外交員の女性（営業に来る）、若い兵士の母親（差入れに来る）が行き交う。
過去何が起きてどういう経緯でどんな勢力図となって今こうなっている・・といった説明は台詞の端に上らない。常態化した対立関係の中で生きる事、にまつわるあれこれ（恋愛も含まれる）を徹頭徹尾個々人の「あり方」から描き出しており、関心の眼差しは人の「あり方」にあるという感じである。
架空の世界では、今の日本で一般的でない要素が強調されている。即ち、己と公との間に生じる大義、上下関係に流れる忠義・信頼、また不信。そこに様々な欲望が絡む。
発する言葉には必ず動機があり、言動は相手に影響を与え、思考や行動を引き出す。時にそれは考え方と態度の変化をもたらし、人はそれを喜びまた失望する。失望はその代償を求め、思わぬ行動へと駆り立てる。死への恐怖を押し殺すため享楽を愛す者、使命感を持ち続けようとする者・・。人と人の絡み合いの曼荼羅模様が私はよく作られていたと思う。
そこはかと流れる憂い、戦いに倦んだ身体、それをおチャラかすような女性の存在との対比など、絵としての美しさがあった。

満足度★★★

普段なやり取りの中に微細な心理表出の契機を書く蓬莱竜太作、だが栗山民也演出の味か、コメディ演技な要素のある二人（鈴木杏・田畑智子）を追うのが大変。結構な傾斜のある開帳場、ステージ高もある紀伊国屋ホールでは前列端の席は確かにつらい条件である。そこへもってきてこの日は序盤でハプニングがあった。開帳場の中腹あたりが「自宅」と「スナック」の場転のための可動式の台になっていて、自宅場面で出ている卓袱台が、最初に引っ込む際、台に乗っていない足があったらしく何かくるくるとお洒落に回転していると思うとガラガッシャーんと食器類ごと落下してしまった。この音たるや破壊的で、ちょうど場転で三女（芳根京子）が客席に向かって語る最中、一所懸命な喋りを彼女はストップさせる事なくペラペラと喋り続けるので全く台詞が入って来ず。おもむろに現れた「お店」の簡易セットと共に母（キムラ緑子）が登場するも、このお芝居のルール説明も兼ねている序盤では「つなぎ」を失敗し、酔った姿のインパクトもわざとらしく見えてやはり台詞が入って来ず、わあわあと騒ぐ長女（田端）次女（鈴木）も、母のいる時間との関係性が把握できず、続く台詞の数々が全く意味不明という時間が暫く続いた。この時点で「金返せ」という気分に満たされ、今後の展開でどれだけ回収できるか？と考えた程だ。
後から「もし席が違ったら」と想像してみたのだが、舞台上の失敗というのは常にあるものだが、俯瞰できる場所なら卓袱台の奇妙な動きから「転落」は予測の範疇となり、「ああやっちゃったな（うっしっし）」くらいに受け流したのではないか。それが見えづらい席の目線では、まず「お洒落に回転する卓袱台」に目が行き、見えなくなって破壊音が鳴った時点でもまだそれも芝居に含まれる可能性を考え、いやそうではないと打ち消すまでに結構時間を費やしている。役者の声はガンガン聞こえているが頭の上を通って行く。事ほど左様に芝居というものは言葉だけでなく身体、ミザンス（立ち位置）全てで表現されるものもあり、「見えづらい」というのは（同じ料金なのに）結構なハンディであった。とりわけこの芝居のような、言葉にしない部分、表面に見えない部分を語るような繊細な芝居を観る場合には。
そんな事で、前半は役者の芝居全てが「ミスを取り戻そうとする誇張した演技」によるリアルもへったくれも無い芝居にしか見えて来なかったり、頭の修正機能では歯が立たなかったが、第二幕、役者も心をリセットしたことだろうと信頼し、身を委ねた。新劇出身栗山式コメディ調（こまつ座に多い）がわざとらしく感じる部分もありつつ、この芝居は母が生前行きたいと言ったらしい国（中東っぽい）へ三姉妹が母の骨を撒きに来た時間が「現在」で、道行の過程で母との回想シーンが挿入してくる構造でそれ以外の要素はないと判った。三姉妹それぞれの母との一対一の場面は酷寒の地で無風の湖水を眺めるように、研ぎ澄まされリアルである。このリアルはキムラの演技に過重なほど依存しており、凄みがある。初演の斉藤由貴の母は恐らく「男を変える、それを隠そうとせず自分を貫こうとする」女性そのままのイメージを当てたに違いなく、女長女次女二人のコメディ演技（といっても通常これが大舞台での平均的リアリズム演技だろう。純粋リアルな演技と比較しての事だ）との取り合わせは自然であった事だろうと想像する。どちらが良いとは言えないがキムラの演技が突出してみえた結果は否めない。初演と変わったもう一人、三女役芳根の特徴はよく知らないが、一般に苦労を知らないと言われる末娘のイメージを覆す中心的エピソードでの役割を果敢に演じていた。
親という理不尽な存在を、受け止めていく成長の過程が描かれている、と言ってよいドラマだが、特に三女エピソードの渦中（過去）と、当人が居ないその後（旅の途上）で娘らにとっての母親の像が変貌する（蓬莱だけに微細なのだが）様は見事というしかなく、微妙なラインを演じたキムラは初演で作られた自然な関係性に挑み、捻じ伏せた勝利者とも言えようか。
しかし・・旅の終焉に至り、語りの中で序盤で触れたらしい台詞（伏線）が出てくると、「ああここで芝居は全てを整理して収まるのだな」と、最初に水面下の流れを読み損ねた自分は置いてけぼりを食う。後は想像で補うしかないが、私の逞しい想像力？にも限界があり、結果的には中抜け感の残る観劇となったのは事実である。

終演後、何らかの釈明でもあればと思ったが、何もなかった。その事には無力感がよぎる。商業につきまとう「責任」の問題では近年は消費者劣位の状況が作られつつあると感じているせいもあるが、規定の商品を提供したとは言えますので・・とでも説明されそうで苦い味が残る。劇の評価とは別物とは言え結果的に感動は薄れた。私の周りの多数が（恐らく芝居を掴み損ねたせいだろう）寝ていた。
事故への対処はある。まず芝居を止め、客にこれは予定外の事態である事を共有してもらう、そのちょっとした時間をもらい、芳根が語りをやり直す。芝居は損なわれないどころか、失敗を克服して芝居を成立させようと、観客は能動的・協力的な観劇態度を示すはずだ。不慮の事故は身体がそれに反応するのが自然で、そういうリアルな存在を観客は信頼する。その信頼に値する身体が、気を取り直して芝居をまた続けて行く態度を応援しない客がいるだろうか。芝居中それが出来なかったとしても、終演後、「そのこと」について作り手が感知していることを示すだけでどれだけ報われるか。主催者に言えという話ではあるが。