tottoryの観てきた！クチコミ一覧

実演鑑賞

満足度★★★★

「ゴーストノート」を観劇。
深谷晃成の名をよく見るので何者か確認を、とネットを見れば音楽が深く絡んだ舞台といった紹介があり、一つ逃してその次の「潜狂」を三鷹まで観に行ったのが一昨年の事、密かに拳を握った。
先日の演出家コンクールの演目の一つがそれであったが、音楽がリアルに近い形で組み込まれた舞台（ドラマ上の必然がありかつ演奏もできる）はそれだけで贅沢であるのに加え、楽曲がドラマを彩る効果を持つならさらに贅沢だ。
本作は「潜狂」を思い出させる展開で、音楽活動と友人を巻き込んだ金銭トラブルが共通していたが、ある意味で音楽は若者の「進路」「夢」を象徴し、金銭問題は若者を貧困に追いやって憚らない（臆面もなく恥ずかしげもなく）上層同士の身贔屓を許した社会を想起させるアイテムであり、普遍性がある。もっとも人物らは「問題」化を拒み、ストイックに、どこまでもスピリッツの文脈でものを語る。事態を観客が徐々に掴むミステリーの構造だが、人物自身も、最も変わりそうにない存在が変化を見せ、現代貧困物語はスピリッツにおいて灯をともす。不覚にも泣いた。役者が「いそうな」人物にハマっているのもオイしい。

実演鑑賞

満足度★★★★

ヨハン・シュトラウスの楽曲名から取ったと思しい（原題が同じかどうか知らないので）本作は当時好評を博したとか。作者ホルヴァートは小説も書いたが本業は「上演」が収入に繋がる劇作家。作家としての苦節は処女作1920年より1937年頃まで（38年没）、第一次大戦後～ナチス台頭という混迷の時代に重なり、活動の拠点も転々としている。1931年上演された本作は「民衆劇」と言われ世相が色濃く反映しているという（以上ネット情報より）。
同時代の人々にどんな風に迎え入れられた作品なのだろう・・という関心をもって劇場に赴いた。

作品とは離れるが、残念なこと。終盤肝心かなめの場面で、客席から携帯の音が鳴り、恨めし気に客を睨んだのは久々であった。最初芝居の効果音？と思った位の音量だったが「いや違う」と気づき、最前列のご婦人が暫くしてバッグに手を入れているのが見えたが、また暫くして（終演を待たず）他の一人と退場していた。（て事は、自分が退席するためのアラームだった・・？怒！）

この件を述べた理由は以下の通り。迷惑音のお陰で男の台詞一つ（数行あったと思う）が飛んだ（自分の注意を台詞に集中させられなかった＝鉄の心臓を持てなかった）。
芝居には展開の分かれ目となる台詞があるが、とりわけ動きや声で判る感情表現やＢＧＭを伴わない、言語情報（台詞）のみで状況を知らせる場面がその分かれ目になる場合もある。その瞬間舞台にはピンと緊張の糸が張られ、耳がダンボになるあの感じ。東京演劇アンサンブルの元来の演技というのがまた「（感情より）台詞を伝える」部類、もっとも今作では中山一朗を客演に迎え「饒舌な感情表現」が舞台に熱を与えていたが、「引き」の瞬間に「伝統」が発揮されていたかも知れぬ。具体的には、さんざん不実を重ねたアルフレートという男が、事が大詰めに来た時に妻もいる場で少しでも悔悛の情をみせるのか、居直るのか、含みを持たせるのか・・微妙なニュアンス（の変化？）を読み取ろうとしていたその台詞が頭に入らず、その後の場の空気も見失った。台本を入手してぜひ確認したい。
実は「分かれ目」でもなく、ただ前と変わらぬ不実な台詞を繰り返しただけかも知れぬ。が、抗議の眼差しを凌駕するニヒリズムを周囲に浴びせたか、それとも矮小な人物を露呈したか・・芝居的にはもう一段この人物の実像に踏み込ませる証言が欲しい部分であり、ある場合それが終幕の空気を左右しそうだ。（空白部分に想像が広がってるパターンかも知れぬが..。）　ただ私の目に終幕はやはり物足りなくちぐはぐに感じたのは事実。
そんなこんなではあるが自分なりの読みでの感想を幾つか。

スタッフで楽しみな名前が並んでいたが、最も目立った形で芝居を規定していたのは、翌日観た「ヘッダ・ガーブレル」と同じ稲村朋子の衣裳。アンサンブルの前作に続き遊戯的で、メルヘン劇の書割の衣類版とでも。メークも人形のようで「森の物語」のファンタジックな装いの内に、酷薄な人間模様を描写する構えのよう。
美術（池田ともあき）は、宙に浮いた緑色の風船（長い糸が垂れている）を多数配して「森」を表現し、人がこれを木と見立てて動く事でそう見える。舞台奥には顔が出せる程の垣根が左右に置かれ、退出ルート。場面は色々に転換するが、奥に長い四角の舞台はほぼ平面のみ、照明変化と登場人物で場転と判る。
音楽の国広和毅がエレキギターを使ったいつもながら「前に出ない」効果音な音楽で耳に留まらない。
「森」はウィーンの町の比喩のようで、森は（夏の夜の夢ではないが）この世ならぬ存在に翻弄される場所であり、若く純粋で一本気な主人公マリアンネの人生の前に立ちはだかる様々な障害（取り巻く人間）は、森の仕業か、人間の本質か・・比喩を介在しての問いはありそうである。というのもその面々というのが、彼女目線で描写するなら、まず実父・魔術王（興行師らしい）＝母を死に追いやり、女を道具と見て省みない（父がマリアンネとの婚約を勝ち取った相手は富豪の御曹司）。その結婚相手オスカー＝誠実そうだが柔で富者の地位に安住し、愛を語りながらも人物の重みがなく何やら表面的（と描きたかったと推察）。そのオスカーからマリアンヌを奪った自由人アルフレート＝これが「クズ」の典型（今日風にはダメ男、ヒモ）で稼がず責任取らず子供を厄介払いし最後には枷から逃れたく離縁へ誘導する。赤子を預けられたアルフレートの母及びその母（祖母）＝母は息子に甘く意志薄弱・優柔不断、祖母は孫のアルフレートを可愛がらず孫ほ方はそれへの報復を平然とやってのけるという関係、預けられた赤子（ひ孫に当る）も祖母は迷惑がりあやそうともせず故意に風の当たる場所に置いて風邪を引かせ死なせてしまう。
「赤子の死」は終盤の重い展開だが、それが知られる前、つまり赤子を引き取りに行く前、同行する男３人が「ある程度の変化」を遂げる。最大の変化は父、娘の「可愛い孫」（を可愛がる祖父像？）にのぼせ、明るい老後への淡い夢を見る。同行するのがアルフレートとオスカーだが二人の反目を解消しようと働きかける別の男の仲介で、マリアンネも含めて「新たな関係」へと踏み出す風が吹いたかに見える（もっともオスカーは「ずっと君を愛し続ける」と言った約束を繰り返すが、二人の関係を阻害する子供は不要だと言う）。
以上、マリアンネには敵だらけとも見え、演出者がパンフに書いた通り彼女の最後の台詞「もう、無理」をラストにスポットを当てて繰り返させ、現代の若者を取り巻く困難に重ねようという意図は分からなくはない。
ただ、劇では婚約式でのオスカーは身分違いのマリアンネを愛している、と見える。人形風のメイクでは容姿の美醜は判らないが、少なくとも親が決めたコースがマリアンネに「みじめに見えた」事は確かだろう。自由に振舞うアルフレートに一目惚れしたマリアンネが、真に「彼」との相性の良さを感じたのかは疑問ながら、彼女自身はそう信じ、彼と結ばれることを選んだ「行動の人」という事になる。ただ、アルフレートのような男はよく居て、年輩の女性との「復縁」を巡るエピソードが後半あったりと人好きのするタイプ、マリアンネに「愛」を見分ける目があったかはともかく、結局当ては外れた。一方アルフレートと祖母、母との関係は（父の存在が見えない事とも合わせ）彼の人格形成に不可分に感じられる。
・・何が言いたいかと言えば、一連の絡み合った人間模様の中のマリアンネもピースの一つであって、全体で一つのウィーンの森の風景を形作っている。一人マリアンネを一人称として見、自分を重ねて現代の「もううんざり」感を代弁してほしいとは私は思わなかった。彼女自身も失敗を刻み、その報いを受けただけという解釈が残ってしまう。

健気に前向きにやって来た彼女が唯一「当初からの望み」を捨てなかったそれは「アルフレートとの子供」であった。夫不在でも彼女の支えとなり得たのに、父の支持も獲得していざ迎えに行ったら、伏兵現れ、無慈悲な祖母に命を奪われていたという展開がどう収まりたいか。祖母の言動は感覚上（孫が可愛くない祖母はいるか）また倫理上（虐待・殺人は罪になる）現代日本には重ねにくい。せめて祖母がそのようにした必然性が腑に落ちれば、マリアンネの過酷な運命を歯噛みしつつも受け止めた事だろう。
ただその場合も「もう、無理」のリフレインのラストは不要ではなかったかな、と。人々が台詞を吐きながらの去りで、たまたま最後の台詞であるかのようにマリアンネがボソッと言う「もう無理」、照明もそのあたりで暗転が落ち切った位だがここであっさり潔く終わるのが私的には最善。メッセージはこれでした、と言わなくて良いというのが理由。

さらに付記。（長いっ）
前世紀初頭のヨーロッパは産業革命が行き着いた時代の恩恵を享受し、文明の爛熟期でもあって（格差もきっと大きくあった）後発国ドイツ、オーストリア等は芝居当時この時期を迎えていたのやも。日本も大正からエロ･グロとあり戦後に成長期を迎えて爛熟、即ち「余剰」が可能にする権利意識の拡張、世代間対立（価値観の違いという形をとる）。ウィーンという都会で時代を先取る問題を描き取った事がこの作品が拍手で迎えられた背景なのではないか。モダンな芝居だったのだ（勝手に結論）。
ではあの祖母は何者であったか。これも想像を膨らませれば、脳内資料検索で一つ引っ掛かったのはアリス･ミラーというドイツ語圏の心理学者で、彼女が住む社会（という事はドイツになるか）には子供の教育の悪しき伝統（傾向）があり、それが近代には識者の論証というお墨付きまで加わっているが、こいつが人生の問題を生み出す根源だという。それは子供に対する躾の必要、非寛容、遊びや笑いや悪戯や我が儘（赤子が泣くのもその走りだと解釈する）の否定、妥協なき懲罰などだ。そう言えば昔ビレ･アウグストという監督の映画にそういう親の恐怖支配から友人の助けで脱出するというのがあった。あの祖母像は、かの国では「割とよく見かけるババア」なのかも。

総評。仙石きくえという若い主役の等身大にも見える存在の仕方、繊細な演技（というかやはり存在の仕方）は芳醇さを持ち込んだ。なべて役者は達者に見えたがそれだけに惜しい後味。

実演鑑賞

満足度★★★★

イプセンの長編作のタイトルを冠した公演、主催者は舞踊の人と知りつつも、演劇（ドラマ叙述）の片鱗でも見られるかと期待したが、終始途切れなく真正の舞踊であった。
舞台全体が映写幕となる舞台奥上段ギリまで攻めた開帳場（斜面）で、モノクロ映像が断続的に流れ（裸体に字を書いたり正体の知れないものを食べたり）、ヘッダ役らしい三東女史とコロス的若手ダンサーによる舞踊も「相の変遷」があって、ドラマの時間経過が辿られてると見えなくない所はあるが、やはりストーリー叙述とは異質の「内面の発露」たる舞踊そのもの。ドラマトゥルク某とあるが難解であった。
つまり演劇の観客としてはタイトルは「ヘッダ・ガーブレル」でなくても成立する出し物であり、タイトルに期待した身には肩透かしという事になるが（このあたり作り手はどう考えるのだろう）、逆に身体芸術としての快楽があったか否か、という観点で言えば、三東氏の身体能力は見られるものの、情緒の瞬間的爆発、あるいは身体美が発露する快楽といった瞬間には出会えず。
淋しいのは娯楽的＝笑いの要素の無さ。悲劇の中にあっても人間はその合わせ鏡に滑稽さを擁するもので、遊びのある踊りとは（素人意見かも知れぬが）豊かなものに思う。
客席の多くは舞踊界隈の人と思しく、やはりそういう出し物であったのかな、と。

実演鑑賞

満足度★★★★

開幕するなり舞台の悪条件が目についたが、どうにか「熱海」を面白く味わった。今回もまた、以前観たアマチュア劇団の「熱海」を凌駕する舞台ではなかった。台詞はよく聞こえ（一部音楽にかき消された甘噛み台詞が２，３あった程度）、冷静な頭で戯曲の全容を見せてもらったという感じだが、戯曲に期待される舞台になったか否かと言えば少し勝手が違った。元より現実には成立しない破天荒な台詞、また伝兵衛と熊谷の芝居上の棲み分け（役割の明確化）が難しい戯曲で、芝居というものは「成立」しなければならないのだとすれば、成立に至らずなのではないか、とも。ただ、４名の役者が見せ場をこなし、精度の高い演技を目指しつつ「熱海」を構築しようとした目標があったとすれば敬意を表したい。その成果か、作者が残した珠玉の決め台詞は澄んだ声を通して力強く耳に届いた。

映像鑑賞

中々充実した時間だった。「本読み会」という戯曲を読む会を開催している団体（サークル？）が作者谷賢一氏を招き、3・11福島原発事故10周年に合わせてチャリティ目的で配信をやったもの。配信期限残す所１日であるのを見つけ、鑑賞した。定点画像だが音の拾いは良くしっかり聴こえた。司会、司会補、谷氏の３名が前テーブル、読み手がサイドのテーブル２列に座っているのが見え、画像の枠外にも人がいそう。１、２、３幕と人を入れ替えて読み進めるという、普段の「読む会」らしい風景を中継。一幕通して読むとブレイクを取り、戯曲を読んだ感触から疑問や意見を出し合い、作者にも投げる。完成度を求めるのでない「読み」は台詞を通して戯曲世界が立体化して行くのを味わい、時に白熱したり脱力したり予期せぬ面白い瞬間が生起するのも「読み」の場の醍醐味。
自分は芸劇でこの演目を観ているので台詞を聞きながら殆ど忘却していた芝居を思い出し、チェルノブイリ事故当時を背景にした福島のドラマを反芻するように味わった。
谷氏の口から執筆の背景や台詞や場面に込めた意味が、後半徐々に熱を帯びて語られていたが、できればもっと早く知って２度視聴したかった。
無料配信、カンパ制（チャリティ目的なので）。

実演鑑賞

満足度★★★★

マキノノゾミの新作公演、と記憶をまさぐってみたら、思い出した。昔、MOP（だったと思う、違ったかな）とかいう京都でのマキノ氏の拠点劇団の最終公演（に近い公演）を観た。懐かしい。
名は知られているがそれだけに大衆好みとの予想通り、ウェルメイドチックな、社会派でも笑いの涙にまぶした「メッセージ性あってうまいけど甘い」舞台であった。
（殊に戦争を扱ったにしては「思いがあれば正義は勝つ」的なメッセージに集約させた、ちょっと文句の言いたくなる舞台を私はここで目にしていた。）
他のマキノ作品ではSPAC「高き彼物」（古館寛治演出）が絶品、先日の「東京原子核クラブ」も楽しめた。「高き彼物」は性的マイノリティを扱い、役者を選びそうな戯曲だが、「先生」の変人性が写実的風景の中に収まって「主張」らしい要素がなく、じんわりと、やがて高まる感動に導かれた。見ると著名なマキノ戯曲の殆どが外部への書き下しであるので、執筆方法に違いがあるのだろうか、等想像してしまった。

現代能楽集など話題作を逃し、（先のMOPのを除いて）「新作」を逃していたので、現在まだ無敗の文学座アトリエ公演となれば一も二もなくである。
ただし予約は「支援会」会員で最初埋まったとか。「今、席を作っている所、来週あたり出す予定」と週末に聞き、日曜夜にwebフォームを覗くと残一席、速攻で予約した。（この客席が奇妙不可解、後に記述。）

この芝居、音楽評論雑誌の事務所というピンポイントな風変わりな場所を舞台に選び、1970年代の楽曲（主にロック）が頻回に流れ、プログレやアメリカンニューシネマの話題に夢中になるシーン等、個人的には懐かしさに小踊りする代物であったせいで、随分肩入れした見方になったに違いないが、翻案された「虞美人草」（読んでないが）は漱石の時代にもあっただろう「恋愛と人生」のモチーフが見えてくるにつけ、ドラマの深みへと誘われる。作者がパンフにも吐露していた原作中無性に良かったシーンの台詞が、本舞台でも光っている。明治から遠くなりぬ現代に、こうした感動に出逢う幸福を噛みしめた。

舞台全体の印象としては全開コメディではないがそこはかと喜劇要素の漂うマキノ戯曲をシリアスとの絶妙な塩梅で仕上げるのは高いハードル、文学座の俳優層でも中々大変そう（特にラストへ向かうあたり）。ネタバレになるが「突撃」は「玉砕」とせず「そう言いながらも･･」と含みを持たせるのが絶対正解に思うのだが。。

俳優は文学座でも若い世代が中心だったろうか。殆どがお初の方々で、目に（耳に・・声を）した事のあるのは二三名ほど。中で平体まひろ氏は、昨年７月中津留氏の配信「パンデミック・パニック」で初お目見えしてより、秋に座高円寺「フランドル農学校の豚」、冬「東京原子核クラブ」（配信で）、今回で四度目で最若手にしてはよく目にした（今割と売れっ子のようだ）。ただ今回のは同じマキノノゾミ作の「東京・・」の役を引き摺ったかと思われる顔演技があるのが少し気になった。が特徴的な風貌は見る側が何かをそこに投影したくなるようで、強みだ。

満足度★★★★

本コンクールの初観劇は昨年、念願叶ったのは「配信」のお陰。つまりコロナに見舞われて丸一年が過ぎた。
思えば昨年二月の末頃には、大手の公演中止が出始め、三月一杯は上演を決めた公演と中止した公演と二分したが、すでにこの時点で、劇場でのコロナ対策は（バラつきはあるものの）今見ても遜色なく講じられていた事は覚えておきたい。
（それに引き換え政府がこの一年でやった事は・・感染対策の核である検査・医療体制の整備のための制度改変はやらず、感染者数に一喜一憂、分母の検査数は問わず「日本方式？が優れていた」だの結果論で寝言を吐いていた。民間の自主対応任せで全体状況が何も変わらない無策な国の足下を見てか、東京都の対応も以前に増してひどくなってるらしい。何のために国のブレーンを高給で雇ってるのか再考した方が良い。）

閑話休題。本コンクール、昨年のはぶっちゃけ最悪と言えた（忍耐を要する画質・音声）。急きょ無観客対応で設えたのだろう、当時の他の配信と比べても中々な質であったが、それに比べりゃ今回は普通に芝居を楽しめた。

さてまず審査のほう、審査員８名による投票がバラけにバラけたのが面白い。４演目どれ一つ系統の似通った舞台はなく、脚本でなく演出をみるコンペだからあり得るケースかも知れないが、これに優劣をつけるのは厳密な意味で難しい。演劇の多様性、どういう要素を演劇として高く評価するのか、第一線の演劇人も全く異なるという事実が痛快。ある種の感動である。

ちなみに私の観たのは初日からの上演順での４演目（２ステージ目は見ず）。これに１～４の点数を付けると、
三上陽永（ぽこぽこクラブ）「見てないで降りてこいよ」＝４
今井尋也（シルクロード能楽会）「「道成寺」疫病譚」＝３
國吉咲貴（くによし組）「おもんぱかるアルパカ」＝２
伏木啓「The Other Side－Mar.2021」＝１

答え合わせ・・どの審査員とも重なってない!（ちょっと嬉しい..が数学的には、、採点パターンは24もあった。審査員８名、成る程..）。

以下作品評。
三上氏は自劇団で劇作者として本格活動の由。話もよく出来ているが、本作の特徴は生ギター・生歌が劇に深く絡んでいる事。冒頭とラストに挟まれた本編（回想）では、ティーネイジャーの３人（男２女１）の出会いと成長、音楽への夢と紆余曲折の顛末がテンポよく語られるが、一人の際立った個性（障害？）とそれを補い合う自然発生的な関係が、登場人物３人のみで描写され完結できているのはひとえに「生音」が無理なく物語にハマっている効果だろう。戯曲ありきの人選か、役者あっての戯曲か、興味あり。

今井氏のシルクロード能楽会の同演目は、TPAMでも上演されたらしく、パフォーマンス・アートの範疇だがコンクールの最終候補に残るものとしては異色だろう。内容は端的に、大真面目な「能」の世界である。一しきりやった後、幕間で演者（主宰者か）が素の感じで客席に喋るのには驚くが、本編は能。ただし自分的には元の「道成寺」をしっかり踏まえてないので（独特な発声の台詞＝謡いを聞いてもストーリーを追えないので）翻案のポイントなど分かりやしないが、囃子方の豊富さにはさすがに気づく。女性の演じ手も登場して表現としての広がりがあった。

くによし組は見そびれていた一つで今回ほぼ初になるが、若手女子のユニット、無理矢理分類すれば、＜なかないで、毒きのこちゃん＞＜ひとりぼっちのみんな＞＜だるめしあん＞といった毒あり文学少女の脳内世界（かなり無責任な分類）の範疇だろうか（「腑抜けども、悲しみの愛を見せろ」の妹のイメージ・・若手女子は皆同じに見えると白状しよう。もっとも、＜なかないで＞主宰は女子でないとの噂も・・）。
駄洒落のようなタイトルから書き始めたとも疑える内容で、冒頭の奇妙な場面を出した後、そこに至る経過を紹介するという話の展開。戯曲の着想の中に演出的な要素があり、人物３名のキャラ（内面も）設定も現代的。ただ荒唐無稽のシュールさと、徐々に露呈する人物の（又は関係の）「痛さ」＝リアルがうまくマッチングせず、無理筋感が残ってしまったように思う。

唯一非東京出身者（愛知）の伏木氏の舞台は、舞踊を軸に、対話劇の場面など多彩に織り込んで一つにしたものだったが、パフォーマンスと併走するキーボード（ピアノ音）演奏が、解釈幅を広げたい所、狭める単色の響きが（瞬間的にはドラマ性を持ち込むが）「もっと見てみよう」という呼び水にならず、多彩な場面が我々をどこに連れて行くのか（何を発見する事になるのか）という期待感が早々に萎えてしまう。出演の女性二人の衣裳が自分としてはまず残念感。元々踊り手だからか？台詞が素人っぽくても許せるが妙に「演技」をしていてそれが薄っぺらく感じる。しかし出演者の力量というよりは、配置された各シーンの関連や全体が果たして出演者の理解できるものだったか・・観る側も最終的に一つの構築物を見たという感慨には至らなかった（配信で見た限りであるが）。

実演鑑賞

満足度★★★★

Corichで受賞した「さようなら」を池袋で観た関西のユニット。短編でも「らしさ」は変わらずだが、アゴラ劇場で間近な距離で見ると俳優の挙動と台詞がクリア。精度は鑑賞に堪え、中々な人間洞察の「深み」に誘う要素あり、わが意を得たり。（後日記すつもり）

→律儀にも12日後の追記（忘れてた）。
第一話、第二話、第三話それぞれに美味なる瞬間がある。第一話は導入の会話が如何にも関西（我々非関西人のイメージ）で笑わせる。話そのものは、ナンセンスでしつこい会話が何週かした後、そこが職場内での劣等生が回される部署（＝死刑執行）だと分かり、なぜテンション高めでバカバカしい会話（口論？）に興じているのかが、遅れて登場した新人に説明する形で明かされ、人情要素をくるんでブラックに終わる「整った短編」。他人の死の現場で、「悪気のない」彼らにどこまで不謹慎を「合法的に」やれるか、というあたりだろうか。
第二話は五輪出場候補でもある著名アスリートのスキャンダルを、当人がネタとしてゴシップ雑誌社に持ち込んだ不倫相手の若い女子と、応対した若いスタッフと編集長の三者の会話劇。国民的スターを擁護する立場、雑誌の使命（商売）として事実を報道すべきとする立場が、状況の変化によって二転三転する、それによってそれぞれの損得勘定、倫理観から人情までが露見して行くコメディの典型的な展開を圧縮したような短編。
さて第三話。これが実に味わい深い、と言葉にしてしまうと味わいが殺がれる気がする。この話にのみ出演の怪優・殿村ゆたか扮する老人が、長テーブルを挟んで甥と対峙し、終始話をしては一人高笑いをしている。正面奥の出入り口からはシェフや関係者が登退場するが、甥はずっと不機嫌で、台詞の上では、テーブルに乗った大皿の「生きた蝉」について「なぜ蝉なのか」という文句を言っているのだが、後半でそれが老人の「最後の食事」でありそこは死刑囚が最後の時を過ごす刑務所のどこか、であると判る。蝉は、「今まで一度も食べた事がない物」との老人のリクエストに対するシェフの「計らい」であり、そこも突っ込み所も満載であるが、判った時は既に芝居も半ば、「ギギ」と時折声を出す蝉には観客の目にもなじみ、やがて「食べた事がある」という関係者の驚嘆の証言、「一つ頂いて良いですか」とよばれたかと思えば、さらに現れたもう一人が蝉食った話を盛り上げ、老人はこれぞ最後に相応しい食事である事に疑いを入れないだろうとばかり甥を見やり、悠然と蝉に手を伸ばす。この短い謎解きストーリーの中で作者は「今」を意識した台詞を老人に言わせる。死を前にし、しかも複数もの人間を殺たらしい男が悔悛の情を吐露する代わりにこう吐く「自分がやりたい事をやればいい」（剣呑な台詞、そこを意識しながらの発語）。まだ十分に精力の有り余っていそうな老人は、自分に「後悔はない」と言い、「何でもやってみなければ分からない」と甥に引導を渡す。「蝉なんて誰も食べない」（だから最後の食事に相応しくない）とクソ真面目に言い続けていた甥も、観客も老人の奇態の説得力に黙る。このあたりまでに何度か「蝉を食べる」シーンが繰り返されるのだが、手に取って頭からガブリ、とやると顔をしかめて「く～～っ」とやるのがお笑いのキメよろしく皆一様、味付けも火も通さず生で持ってきた趣旨を「土の香りが口に広がります」としたシェフの説明の立体化（同様にお笑いの手）。今や刑務員と判明した男たちに付添われた老人が刑場へ向かった後、甥は蝉に手を伸ばす・・。
自由とは何であるか、を考えさせられる。自由とは何であり、何ゆえそれは尊重される（べき）なのか。決まりきった生活様式に収まり、周りと同じ食べ物や流行りを追いかける「生活」のために保障されるべき自由なのか・・芸術が果たすべき使命、というと大仰だが、それはあらゆる可能性への自由を用意し、想像力を広げ、引いては現システムに必然的に排除される者を包摂する可能性を探る働きでもあるのに違いない。「感染数の抑制」を唯一の価値とする現在にオルタナティブを選び取る想像力を手にする事、換言すれば自分のやりたい事を追求する事は「善である」、なぜならそれは「自由」だから、と老人は言ったように私には聞こえた。

満足度★★★★

配信で鑑賞。横山短編戯曲がMONO公演に提供したのや以前劇場で売っていた短編集のも含め５編。役者の誕生に立ち会う緊張感と共に横山戯曲を味わった。配信のおかげで「手ごろに」味わえるのはラッキー。

満足度★★★★

芸劇プレイハウスとは言え僅か３日の公演が１日減り、さらに時短に対応できなかったとかで２ステージのみの公演となる。しかも間引き客席。旅一座の座長の狼狽と最早一枚岩でない一座の苦悩が、現実の演劇界にシンクロする。カーテンコールに並んだ姿は役人物とは違う人格ながら等身大にも見え、上演をやり切った事に祝福を送る拍手が鳴り響く会場に同期して、痛くなる程手を叩いた。
台詞に込められた洞察の含蓄、演劇人の盛衰のリアルな残酷さを通して人生の儚さと尊さを滲ませる。

満足度★★★★★

初めて満足度５を付けた（確か..と思う）。原発事故後の福島の三つの「真相追求」の場で構成され、今や殆ど語られる事のないこの公共的な（であるべき）問題に触れられている。本作は現実のほんの断片だが、背後に横たわる福島のリアルへの推察へと導く契機となるのに十分な言及があった（これしきで言い尽くせたとは到底思えないがそれでも）。
２ステージ目だが白チームは初日（と書いたが１ステージ目だった。両チーム共通の役者も初日）。多分その事もあり最前列で感知する俳優の熱は届きすぎる程の量であったが暑苦しさがなく、これまで観ていたこの劇団の「作為と自然さ」の塩梅とはやや違った塩梅を感じたのも新鮮であった。（うまく説明できないが..芝居にとってナイスな事である）

満足度★★★★

演劇人育成プログラム「劇場創造アカデミー」の修了公演というと随分前、『大いなる平和』三部作（の第３部）を観て以来のことで、二作目。アカデミーの中身も内情も全く知らないので、演目に惹かれて観るには観るが、新たな門出をする俳優たちの晴れ姿にも幾分惹かれている。もっとも「劇場創造・・」なる存在の正体もよく判らない。パンフに紹介された講師陣は所謂「演劇」での第一線の面々多数で、けっこう厚い（新国立劇場研修所には及ばないが）。座・高円寺の態様もそうだが「劇場創造」という名称からして一捻りだ。座・高円寺の指定管理者がNPO法人「劇場創造ネットワーク」と言い、ここの初代理事長、及び劇場の館長を斎藤憐がやった（この劇作家は経営手腕も秀でていたらしい）。斎藤憐亡き今は館長に広告・コンサル畑の人、NPO法人代表はマキノノゾミ。「芸術監督」の方は当初より佐藤信で、館長が変ってから氏の方が劇場の顔的存在になっている。（斎藤憐もメンバーだった）出身である所の劇団黒テントてぇのがテントや独自な地方オルグで「劇場を作る」存在であったというので、演劇＝思想の実践、ようは晦渋な印象である（私が観た佐藤信作品：近年の黒テント「絶対飛行機」「亡国のダンサー」、演出舞台は座高円寺プログラムで幾つか）。
という事を踏まえつつ、また一応「俳優養成所」（的な場）の成果発表である事も踏まえつつ作品を鑑賞。演出は独特でも内容は『ペール・ギュント』であった。『断片／・・』等と命名し直さなくても『ペール・ギュント』で良いじゃん。と。（「断片」化する主体、つまり研修生の個的な何かが反映されているだろうと勝手に予想したのだが割と普通（物語叙述）であった。）そもそもこの作品がペールギュントという超変わった人の「生涯」ではあっても各エピソードは断片と言えそうであるし。
まあそれはともかく・・舞台を観ながら思いを強くしたのは、コロナ禍という現状では、舞台上のどんな営為も現実との対比が意識されてしまう事である。優れた舞台と思える舞台には実世界との接触点がある。しかしコロナ禍下においては演劇をやってる事自体が「現状へのアゲンストな接触」を含む。
「ペールギュント」という一人の人間の人生（濃密で波乱万丈なそれとして描写された）を俯瞰する物語には、人間がどんな人生もその人独自の、交換不能（従って価値換算不能）なものであるメッセージ、究極人の運命は人自身で引き受けるしかないものであるメッセージがそこはかと漂う。「自由」という語に集約されるその「人生」のありようが、現在の息苦しさとの対照として意識された。
舞台の方は数少ない俳優（４人の研修生の内俳優３人と、卒業生が加わって１０名程で役をこなし、なおかつペールギュントは場面ごとに俳優が入れ替わる。若い俳優ら（年齢幅はややある模様）は動きの負荷の中で、自然らしい躍動をもって物語を支えていた。

満足度★★★★★

個人的に注目な俳優ぞろい、しかも紅一点に黒沢あすか（初お目見え）という思わせぶりな布陣に惹かれて観劇。無論今作のテーマも注目なのであるが、戦争を巡る議論の本丸とも言える「開戦に至る経緯」、古川氏なら骨太に書いてくれるだろうと、期待しつつも幻滅を覚悟で、よっしゃと足を運んだ。

すこぶる評判が良いので、逆に怪訝に思う。というのも、史実とその問題点に触れながら人間ドラマとしての着地ができた優れた舞台であったから。自分と世間の感覚はずれている、と思っているので「なぜ受け入れられたのか」と考え始めてしまう。

劇チョコは「あの記憶の記録」の2013年以来、だいぶ見落としたと思っていたら、ほぼ全て観ていた。振り返れば「エレジー」を例外としてどれも大きな歴史的事象を題材にした舞台。戦後囚われの身となったナチス親衛隊が罪と向き合う「親愛なるわが総統」、南京大虐殺の実行責任者として処刑された松井石根の罪の認識に迫る「無畏」、いずれも第三者的人物との対話から「罪」の焦点となる部分に迫るという、優れた「内省」の軌跡を描く劇であったが、今回は「総力戦研究所」（劇では開戦前1941年に若手エリートが集められ戦争遂行の実現性が検討されたという）の所員が戦後、亡くなった仲間を悼むために久々に集ったという設定で、それぞれの思いが交わる群像劇となっていた。

酒宴の中で「研究所」時代を回顧し、雑談の中で「問題」に触れて行く手法は、直接の利害関係人のいない日常感覚を観客も共有しながら話題に入って行く効果を持つ。
そうする中で、わずか10年前に開戦か否かを決するプロセスに（結果は同じであったにせよ）「関わった」事実の軽重が、各人各様にあるというあたりが見えてくる。
彼らは亡き仲間の追悼のために集まったのであったが、前半は「研究所」でみた風景の再現に興じ、日中戦争期間の軍と政府の「決定」の是非が話題になる。そして誰一人、開戦が勝利を導くとは考えなかったと言う。だが後半、会場となった料理店を営みホストをする亡き仲間の夫人を通して、生前の故人の事、そして集った者同士の近況、つまり戦後の時間枠へと意識が向かう。
劇の相をガラリと変えるのは、夫人とその「伴侶」となった故人との出会いとその後のエピソードの回想からだ。またどことなく伏線となっていた、故人と辛うじて連絡が取れていたという一人の広島体験の証言も・・。具体的な「死」の場面が、日本の指導者が導いた戦争による犠牲を想起させ、戦後の生の全てを償いのために捧げたらしい故人の姿から、焦点は戦後責任、即ち現在の自分たちの態度にシフトする。彼ら総力戦研究所（そのものが描かれているかは判らないが）の元所員が、政府の政策遂行者に対し何を為し得たのに何を為し得なかったか、歴史のifへの想像力が動員されていく。

現在、日本の過去の侵略的要素を含む事実が「不利」と認識され、現在の日本にとって不利であるゆえにそれを認める事を避けるべきだ、との合意がある。日本が侵略をしていない、とする認識は事実ではなく、虚偽事実が独り歩きしているが、これを選択する人は「日本に不利なことを言いつのって日本の不利を確定し、自らに利を誘導しようとするコスイ策謀だ」とする陰謀論で「敵」を見出して喜ぶ類。敵というものにしがみつきたい層が相当程度存在すること自体この社会の不健全さを表すが、あの戦争で他国民を殺戮した数には及ばないまでも百万単位の自国民の死者を出した事の方を問題にするなら、「学ぶ」べき事はもっとある。
「しっかり考える」という態度を持ちたいものだがこの作品は情熱をもって「あるべきこと」へ向かおうとした戦後間もない日本人の姿を映してもいた。
（歴史的には1980年代までの日本での戦争責任論は為政者の国民に対する責任を言い、他国への侵略行為の責任が議論されるのは後の事になる。）

満足度★★★★

青年劇場と言えば新作上演が中心という印象だが、ここ数年演出大谷氏を迎えての“日本戯曲発掘”シリーズ（勝手な命名）が上質な舞台を実現している。（正確には不定期の「小劇場企画」が既存戯曲をアトリエで上演するシリーズのよう。）
だが今回は「古典」ではなく劇団レパの再演（1996年初演）、シナリオライター森脇京子の数少ない舞台戯曲の一つという。「時代が近いこと」が逆に時代的な不具合を来すケースがよくあるが、奇しくも作者がパンフで「当時と今とでは、様々な側面で状況が違っている（ので承諾を迷った）」と記している。全くの白紙で開演を待つ。
開演後暫く経ち、従軍慰安婦を扱ったドラマだと判る。「鮮やかな朝」というタイトルの意味に気づいたのは中盤の事（不覚..）。
終始暗めの照明の中に、半ば現実半ばファンタジーな世界が浮かぶ。中央に四隅を上から吊った四角い布が敷かれ、布の上下と、照明変化で場面が変化する。
登場人物は５人の女と１人の男、だが男は女が見る幻影として僅かに登場するのみで、これは女性の物語である。不要な役がなく無駄な場面がなく、最後に皆が愛おしく思える優れた戯曲である。
布の上にしか現れない艶やかな衣裳の娘（アイコ）は亡霊で、彼女と会話を交わす同じ衣裳の娘（ノブコ）は、時代が下るにつれ次第にボロをまとい老女となる。二人には仲間（確かヨシコ）がおり、子を孕んで失踪した。いずれも日本女子の下の名だが、「私たちの国」という台詞で、彼女らが異国人であり、朝鮮から徴集された所謂戦時性奴隷制の犠牲者であると察する。
暗転で二人が消えると、一世代下に当たる女子高生３人が溌剌と登場し、現実の場所としてそこが現われる。中で、向こうに見えるうらぶれた集落にも触れられ、朝鮮人部落か、もしくは「闇売春」をやる場所を仄めかす（そこにノブコが住み、あるいはアイコがそこで死んだ）。３人組の一人・里子が実はヨシコの娘でありその出自を後年知る事となるが、彼女を中心に据えながら、歳月を経て他の二人（孝子・弘美）共々変化を遂げて行く足跡が、最小限の場面と台詞で描出される。この筆捌きにより、１時間余の小品はヘビーな題材に触れたと言える濃密な劇世界を立ち上がらせていた。

満足度★★★★

ユニークな企画であったが観る事ができたのは最終のＦのみ。面白い。3編をやって1時間程度だが戯曲の魂を汲んだ演出もよく、他の回も観たかった、と思った。
もっとも１ステージ3800円、2ステージセットでも7000円（6バージョン全てセット18000円）、とても沢山は見られないので選ぶ事になるが観たいと思ったＢは時間が合わず、後半のＥも見られず「一つは観ておこう」とＦを観た。
20近い短編上演と、リーディング上演ともに、多くがコロナ期間に物した戯曲の紹介である模様。私が観たFプログラムの一つは明確にコロナ状況を揶揄した戯曲、一つは昨年の森友文書改竄で自殺した官僚の手記公開に着想を得たらしい戯曲、一つがＡＩ搭載アンドロイドが家政婦として家庭で購入される近未来物。どれも批評性があり力強かった。

満足度★★★★

映画になったドラマを日本で初舞台化。演出・河田園子の名は時折目にしていたが、今回の文化庁海外研修の成果発表を兼ねる“日本の演劇人を育てるプロジェクト”公演の対象の一人でもあり、2017年留学というから割と若手らしい。
実話に基づくとされる本作は、アラン・ベネットという英国の作家が自分の家の庭に住み着いたホームレスの女性との長年にわたる交流を作品化したものという。作者本人が「作家」として登場し、この出来事を自分の作品のネタにしたい作家魂（下心）に疼いたりするが、ナイーブな書き手の良心を打ち砕くように、とことんマイペースな「客人」は彼を翻弄する。
舞台では作者に当たるアラン役を二人が演じ、開演後しばらく何が起きているのか掴めず戸惑うが、やがて一人が実体を持つ本人、もう一人が彼に異論を挟んだり挑発する想像の人格らしいと（休憩を挟んだ後半に）判った。ミス・シェパードを演じるのが旺なつきというのも休憩後に分かり、コメディ調に収まる女優の挙動の度に客席から反応が起きるのに合点が行く。「迷子」ゆえに瞼が落ち気味であった前半を終えて後半が始まると一気に入り込んだ。

シェパードの頑固さ、押しの強さと、実直そうな作家との対照が見えて来ると、ドラマは自転を始めている。かつては名も売れたピアニストだったという彼女の来歴をアランは信じており、疑いを挟む要素もなく話は進むが、観客的には一応カッコに括られている。だが、呆気なく彼女が去ったラスト、残されたアランは彼女以外の人間から彼女という存在を「知る」。彼女に人間的に対応し、臭いの立ち込める住処（バン）に入り込んでいく「プロ」たち。そして唯一繋がった親族である実弟。彼にとって姉は人生を狂わされる程の存在であったが、ピアノだけは素晴らしかったと言い、意地でもピアノにしがみついていれば良かったんだ・・と呟き去る。
「分を弁えない」ミス・シェパードの存在はこのドラマを社会派にも人情劇にもせず、つまり彼女を社会の犠牲者だとか弱者としての居場所を保証する事をさせず、人生讃歌に終えることを強いる。ただ、このドラマの説得力は（「実話」とある通り）脚色で「盛って」おらず本当にあったと思える事、彼女の姿を通して多くの人生が見えてくる所にある。
機会があれば映画も見てみたい。

満足度★★★★

昨年の別役実戯曲の上演、そして2018年TOON戯曲賞を受賞した今作と、非坂手戯曲かつ社会派プロテスト演劇的要素のほぼ無い、（それでも十分見せる）燐光群の舞台が観れた。
岡山県の作者の実家がモデルだという本作は、昭和中期から現代が生存時期になる四兄弟の家族の物語で、今は高齢の母一人が住む実家（開店休業となって久しい計量器販売店）が舞台。舞台奥に並んだ計器類は岡山のその実家から借り受けたものだという。魅力的な作品であったが、こういう作品の魅力は言葉にしづらい。
母と同居していた長男夫婦の夫は鬼籍に入り、妻が重病で入院した今、（母を一人に置けないという理由で？）東京から来た次男夫婦がしばしの逗留をしている様子で、そこに地元で暮らす四男、大阪で暮らす三男、最後には長男の息子とその嫁、孫が訪れる。血族が織りなす歴史が垣間見え、来し方から今に至る必然＝リアルが細密画のようである。こういう作品が魅力を放つのはまず都会から見た地方の風土への憧憬があるだろう。そして家族問題の普遍性、絶妙な距離感でのコミュニケーションのあるある感（多兄弟が集う雰囲気を私は親の世代に見ているが今の若者はその体験を持たないかも...）。
この作品に流れているのは「変わり行くもの」への思いだ。変わらないものの方が多いと思わせる「地方」の佇まいが、変化に気付かせ、無常感を催させる。
「地方」というのは象徴的な意味も含む。冒頭、富山の薬売りが登場して面白気なやり取りをして去って行く。「無くなった薬だけを補充しに来る」という、今流行りの「最適化」とは対極のあり方もそうだが、薬とは別に1本３千円のリンゴ酢を３本、「お母さまがお好きとの事で、お嫁さんが買って下さっていた」と売りつけようとする営業の男を最初はいかがわしく見ていた次男が、最後は「よっしゃ」と買う事を決める瞬間、都会暮らしの警戒モードから地方モードへ次男がシフトするのが判る。「一回３本」とは営業の男が盛った話で、実は「たまに一本だけ買う」が真相と後で判るが、男らは騙された気がしていない。
金銭換算で値打ちを測る思考に絡めとられない言動の方を、戯曲はさり気なく登場人物に取らせていて、それが昔風な構え方として目には映る。
不在の二人（長男夫婦）は後半に入って存在感を示す。母と長男（の亡霊）との会話（あるいは生前の会話か？・・時期は不明）によって、最後まで登場しない入院中の妻と彼の夫婦時代を語る（場面は病気の進んだ長男の死去間際での母との会話に見えなくもない）。頭脳明晰で仕事もできる身でありながら田舎に暮らす自分に嫁ぎ、苦労をさせただろう事、しかし自分はなぜか彼女には優しく出来なかった事、それでも彼女はその後半生の唯一の趣味となる短歌と出会い、せめて彼女のために歌集を自費出版した事が置き土産となれば良いと思っている事。。
老母を演じているのが鴨下てんし（男優）だがこの時点で違和感はとうに消え失せている。
夜が明けた朝、白い陽の光が注ぐ中、最後の場面では長男の息子夫婦と、その息子（子役に子供が登場!）が現れるのが鮮烈で、この孫によって（彼にとっての）祖母が詠んだ歌が紹介される。
次世代へとバトンを繋ぐ・・そのために自分らも存在する・・。ありきたりなメッセージさえ新鮮に感じさせるのはこの戯曲世界の「本当」の力であるのに違いない。今という時代を思う。

満足度★★★★

二作品を鑑賞（「人という、間」「自画像」）。残り一作は配信期間21日までに観るか否か迷い中。
先に観た「自画像」は、女優松岡洋子の個人史を辿る一人芝居であるが、実は多くを期待せず観たせいか期待以上の出来、というか説得力であった。特別に波乱万丈という訳ではない（女優人生という部分では多少特殊な要素はあるが）一人の現代人の人生が、文体・語りの妙で「本人との適度な距離感」で立ち上がり、愛おしく感じられて来る。生い立ち部分で紹介される時代の風俗に思わずにんまり、同世代ゆえの親近感もあったが、松岡女史が今のタイミングで自分史をこういう場で舞台化するという「生」へのある種の姿勢（達観? 勇気?..何だろう）が相俟って、ユニークな舞台になっていた。（語られた具体名のある演劇ユニットや演劇人の名は、ネットにも出て来ない貴重な証言・・Corichが大小あらゆる公演を網羅しているのはデータ的にも得難いがサービス開始は2000年代半ば（確か）、演劇博物館にも残らない演劇公演・作品は正に「時間の芸術」として人の記憶にのみ残り記録からは消えて行くものである事を思う。）

「人という、間」・・風の短編集第二章で上演の「隣のおっちゃん。と、」と同じ男女二人芝居。女の薩川（張ち切れパンダ）が今回も出演し、男は前回が有薗氏、今回は和田氏。戯曲のテイストが同じなので見ると同じ作演出者であった。
前作と今作いずれも、本来対話する必然性のない男女（知らない間柄ではないが）が「やむなく」向き合わされるシチュエーションで、言葉を交わす内に心の交わりが生まれ、何かを共有するが、結局はそれぞれ別の人生へと戻って行くという展開。前回は隣同士、今回は亡くなった女性の妹と、元夫。さらなる共通点は男の方が強引にわがままに話を進め、薩川演じる（多分実年齢の）女性は距離をとり、何なら反発さえ覚えるが、男のふとした言葉の中にある真情を感じ取り、少しだけ自分を開く。女の言う事を男は大概理解せず、男の事情も女にはよく判らず、結局「理解し合う関係」には到達しないが、それでも男女の交わり（必ずしも性行為を意味しない）がこの世界には生起しているノダ、というメッセージは受け取れる。
このお話は妻の死以来「勃たなくなった」事に悩む男が、デリヘル嬢をやってる元義理の妹に女子高の制服を着て来させる所から始まるが、男は恐らく、新たな人生を始めるため、妻以外の女性へ向かおうとする発想を変え、元義妹と対面する（妻の側に近づく）ことで「男」としての再生を目論んだ、が、暗転後「うまく行かなかった」事が判る。妹はそんな男に心を許して自分の話をするが、男はそこで本当の悩みが「勃たないこと」だと薩川に語る。自分は悲劇の主人公であり憐れみを受ける権利があると義妹に迫るクソな側面を見せて薩川に去られるが、彼が勃たない事実の中に、今も妻の事を引きずっている含意があって救いとなっている。

上記２作を並べて比べるも何だが、味気ない現実に小さなファンタジーを見せる（演劇の王道とも云へる）「人という、間」より、自身を語った「自画像」が充実した内容に思えたのは何故だろうと考える。真実味というものがそれほど枯渇した社会に生きている、その感覚ゆえだろうか。
本当の自分、を自ら定めるのは難しい。私など一生かかってもその境地には辿り着けそうにない。自ら選択し、決定し、行動した者が、自らの軌跡を（自分でない者を見るように）描写できるのだろう。ただし、恥部を持たずに送れた（それを描写せずに済む）人生とは、「自画像」のそれは異なり、ある意味で赤裸々な人生の開陳がある。
終着点の知れない人生の現地点で紡がれる言葉は、（少々大袈裟に言えば）存在を賭してこの世に真実味を投じ入れたに等しく、その分だけ世の空気は清涼になったに違いないのであり、濁った空気がこの社会の上層に垂れこめている事との対照など、語るも愚であるが一応言葉にしておく。

満足度★★★★

川崎北部を拠点に活動する劇団わが町はふじたあさや氏の主導で年一回公演を行なう。公の事業としては（雇用関係はないが）一応劇団員（市民）を持つ珍しい形態で息長くやっている劇団だ。
観るのは今回３度目位か。元々少ないステージ数を減らし、諦めていたが配信があったお陰で観る事ができた。
市民参加という要素は出演者の力量問題が生じるが、演者のエネルギーを舞台上に昇華できる舞台と、役者としての力量が要求される舞台とがあるとすれば、今回は後者であった感。が、宮沢賢治の紹介に当たるリーディングと演目の芝居をうまく織り込んで、グスコーの物語が味わえる舞台になっていた（脇役に２名客演を入れて「補強」はしていたが）。
演目はふじたあさや氏がかつて作った音楽劇の原曲を用い、新たな歌を入れて舞台化したもののようだ。こんにゃく座のような台詞に沿った旋律の響きで、古い方の作曲者・岡田和夫は中々著名な方のよう。

満足度★★★★★

二部構成３時間超えの長尺TRASHを久々に堪能。作者の地元・大分の「保守」一家のバブル期、その約二十年後を描く。尻がムズ痒くなる中津留節（日常会話が単一テーマ一色に染まり感情全開）も相変わらずだが、強靭なドラマ構築はそれらを凌駕した。
全編を通した大分方言の土着感が、以前見た初期作品「奇行遊戯」（の前半）もそうであったが舞台のリアリティを底支えしている（方言を操る役者が「嘘のなさ」を担保している）。役者の生硬な演技態にも関わらず「あるある感」があってついほくそ笑むのは、「見てきた者」しか描けないディテイルにリアリティが流れているから。
地方の有力者（と言えるだろう）の家屋が座高円寺１のステージ一杯に設えられ、そこに集う親類縁者一同が織りなす風景が、その関係（家系図）を正確に掴めずとも「ニッポンの家族」の図としてリアルに浮かび上がって来る案配な訳である。