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場内に入り、
舞台に施された赤と青の質感に
脳幹と月のイメージの前で開演を待ちます。

冒頭から２０分のテンションに
圧倒される。
でも、力技ではあるのですが、
雑であったり荒っぽい感じはしない・・・。
しっかりと抑制された精緻さと、
観る側を凌駕するようなパワーが両立している。

正直言うと、舞台の密度には強く惹かれたのですが、
そこから物語が本当に解けて、
観る側に因果が伝わってくるか少々不安でした。
その密度に目がなれた観客に、
へたれることなく
物語が語られていくのだろうかと・・・。

でも、まったくの杞憂でした。
冒頭のテンションとは異なる
混沌が舞台におかれ観る側をつなぎとめる。
場ごとに異なる物語の表情が、
舞台にはまり込んだ観客を
さらなる展開に引き込んでいく。

中盤以降、
役者たちのお芝居のクオリティに
若干のバラツキがあったり、
一瞬、間がずれたりといった部分はあったのですが、
主たる役者達はがっつりと舞台を支えきり
観る側の意識が
舞台から離れることはなく、
ひとつ間違えばいびつに崩れてしまうであろう物語の骨格が
しっかりと観る側にくみ上げられて。

場面の切り替え方、
変化していくものと貫かれていくもの、
エピソードを膨らませていく語り口などなど、
作り手の絵図がしたたかに描かれているのだろうと思う。

恥ずかしながら、
原作を読んだことがないので
この狂気の肌触りが原作の世界どおりなのかどうかは
わかりませんでしたが、
物語の全容をしっかりと受け取ることができれば
あとの舞台の味付けは作り手次第なわけで・・・。

観終わって、とても９０分の尺とは思えないほど消耗しましたが
３分で木戸銭の元をとり
あとは申し訳ないほど
がっつり楽しませていただきました。

よいものを拝見したと思います。

両作品に共通して
狂言回しを演じる犬の出来が恐ろしくよくて・・・。
芸が立つ、気鋭の噺家の態で
物語の道筋をつける。

彼が切り分けていく物語に、
いくつもの可能性が生まれ、
それぞれのバージョンの主人公が
自らの想いのなかで
物語を置き換えて、
人生を歩んでいきます。

役者達のお芝居には
ロールをべたつかせないような
ソリッドな部分があって、
だからこそ、切り分けのなかで
場の色がスイっとかわる。
演じる場にしっかり刺さる切っ先をしっかりと感じつつ
一方で場の色にしがみつくことのない
強さにとどまらない表現の瞬発力のようなものが
しなやかに舞台に重なり
物語の時間をくみ上げていくのです。

二つのバージョンのそれぞれの主役たちには、
半生を背負いきる持久力をもった
ビビッドさがあって、
犬の語りとともに舞台を貫く。
で、そこに交差していくキャラクターたちの
主人公たちとの距離感のようなものが
とても緻密に作られていて、
その変化が、場の色を買え
シーンというか分岐点ごとのニュアンスになっていく。

そして、二つのバージョン、
そのテイストの違いは
事象の表裏というのとはちょっと違っていて、
同じ部屋の入り口と出口が異なるような感じ・。
両バージョンを観ると
表裏では見えない
ジェンダーの違いのようなものが
肌合いとして伝わってくる。

どちらのバージョンも
観終わって、ちょっとさびしくて
でも、不思議に心満ちるものがあって。

ライティングも美しく、
役者の動きや音にもセンスを感じる。
デリケートな肌触りと
広がる時間の感覚に、
たっぷり浸されてしまいました。

吊下がった竹は自由に動き、役者の動きに合わせて揺れ動く。これが照明と音楽の効果で見事に空間が入れ替わる。時に立派なお屋敷になったり、時にあばら家になり、時に遊郭になり、時にうっそうと茂る竹林になったり、時に墓地になる。さらに、竹が触れ合う音も心地いい。ゆっくり揺れる竹の音。激しく揺れる竹の音。この小空間でこの竹の数だからこそできる妙。


この芝居にこの竹がなかったらどうなんだろうとふと考えてみた。
牡丹灯籠という複雑に入り組んだ悲喜劇落語。ウォーリー木下の舞台空間を掌握した演出。ベテランから若手まで実力派が揃った役者陣。物語にマッチしたindigo jam unitの現代音楽。そして百戦錬磨のスタッフ陣。これだけで十分評価に値する作品に仕上がっただろう。しかし、これらすべてに挑戦状を叩きつけたようなこの舞台美術があってこそ、この牡丹灯籠という作品がより奥深い作品へと変貌したように思う。

舞台上で１歩歩くだけでも神経を研ぎ澄まさなければいけない舞台が作品の時代背景、緊迫感や静寂感を産み出しているように思う。

難を言えば、目の前の竹が視界を遮るため、少し目が疲れる。

あと、ＳＥで入れていた青笹の擦れる音も生音で表現して欲しかったけど、これは言い過ぎ？

公安と警察の違いの説明がどこかにあったらよかったですね。

どの業界にも一部のトップと多くの底辺の人たちが存在する。ザザは全国のキャバレーを回る演歌歌手、底辺の方だけど、後ろ足で蹴飛ばして独立した弟子が結局は頭を下げてザザの元に戻ってくる、ああ底辺の下にもいくらでも人がいるんだなと痛感しました。

営業風景、楽しかったです。ザザのオリジナル曲、そんなに悪いとは思いませんでしたが…。

ザザは本当に売れないことを卑下し、後悔しているのでしょうか。ザザには、ザザを贔屓にしているキャバレー経営者がいて、それなりに幸せなんじゃないでしょうか。

もし本当に売れようと思っているなら、相応の行動をしないといけません。オリジナルでもカバーでも、インディーズでもネットでも何でもいいから、とにかく楽曲を公表しないとね。

非合法なことで生計を立てるのも変と言えば変なわけで、全てが夢かとも考えられますが、時計屋から後ろ指を刺されてもいいから外に出なさいと言われたポリー（メアリ）はラスト外に出たように見えましたので、現実だと思いました。

ポリーはメアリの持つぬいぐるみでした。時計屋が全ての殺人の様子を丁寧に再現していましたが、着物を着た女性は実質的には同じ人ということは何となく分かっていましたので、丁寧さがむしろしつこさに感じられました。

おじいさんは生前、若者に元気を出させるために麻薬を作っていると言っていたらしいのですが、反社会勢力を助長させることのないことだけは願っておきます。

冒頭にちょっとした口上があって
場の雰囲気が少々歪む。

そのなかで、作品が繋がれていきます。

・劇団けったマシーン
「まだ、わかんないの。」／「指」

広田淳一・瀬戸山美咲さんの２人芝居を丁寧に舞台にのせて。

「まだ、わかんないの」では
戯曲に編みこまれた震災後の空気を
役者たちがゆっくりと引き出して。

ダイアログやモノローグの言葉が、
心情に落とされ膨らみ
言葉を想いが凌駕し、
キャラクターの心情の揺れが概念から実存感に変わっていく。
男優が献身的に作り上げた枠組みにたいして
女優の心情の踏み出しに
ひとつの感情でなくいくつものアスペクトを持った想いの質感が
立体的な重なりへと組みあがっていく。
淡々とした日常に内包された揺らぎのようなものが
役者の、クリアでしなやかさをもった表現とともに、
ゆっくりと像を結び観る側に踏み入ってくる・・・

「指」は昨年の日本の問題でも観ている作品ですが、
色の強さは若干押さえられて、
その分非日常の日常感が漂い心が凍る。
やや、淡々と作られている分、
モラルハザードの切迫感の霧散の仕方がナチュラルで、
だからこその痛みを感じる。

そして、二つの作品の重なりからは
震災の外側と内側の想いの色の違いが
大上段に構えることなくグラデーションを持って
かもし出されていました。

・思出横丁
「３．１１１４４６・・・」

噺家のように床に座り、
読み語りの態で観る側を惹きつける。
「走れメロス」を芯にして
震災直後の現実を読み上げ、語りあげ、
積み上げていくので
聴く側は勝手知ったる物語の枠とともにやってくるものに
耳を塞ぐことも心を閉ざすこともできない。
しかも、物語と現実の面の出し方の切り替えがとてもしたたかで
観る側が言葉を追ってふっと浮きあがった瞬間に
あるがごとく受け入れざるを得ない刹那が
幾重にも流れこんでくる。

メロスの怒りとその行き場のなさが
震災直後の現実の肌触りと重なって・・・。

読み捨てられていく物の中にこめられた
痛みにまですら緩むことすらない
凍えたようなタイトな感覚は
残らず観る側に引き渡されて
終演後も散ることなく
記憶として残されておりました。

・四次元ボックス
「アカシック・レコード」

アイデアが驚くほど斬新というわけではないのですが、
観る側に世界を紐とかせるための
吸引力が作られていて、
見入ってしまう。
震災との関連という意味では
作品中一番はなれた概念の世界ではあるのですが、
この上演のならびにおかれると
物語が持つニュアンスが
震災の波紋と共振する部分があって・・・。

キャラクターたちの足元がしっかりしていて
そこには観る側がいろいろに重ね合わせることのできる
普遍というか
シチュエーションをとりこむキャパのようなものがあって。
物語そのものに観る側を縛りつけず
上手く機能していたようにおもいます。


・荒川チョモランマ
「止まり木の城」

椅子に書かれた年号で
すっと視座を未来に置いて
子供の視線を作り震災のその後を描いていきます。

子供役の二人の役者のデフォルメがとてもしたたかで、
彼らに置かれた地震の風化の質感が
あざとさを持たず実感として観る側に伝わってくる。
体験や記憶に染まらない視線で描かれれる世界と
小３での体験を持つ先生の精度を持った演技で繋がられた顛末から、
舞台上に
なされていくであろうことと
うみだされるであろうことの因果が
しなやかに浮かび上がって。

どこか、戯画化されたというか
子供語りの世界がおかれているからこそ、
今のあり場所というか座標が、
作品の視座の重なりの狭間に浮かび
観る側に置かれる。

あの日を、そして今を
主観としてではなく客観として眺める舞台、
先生に渡された２０１２年という時間に今が重なり
視点は再び踵を返して・・・。
その先への一歩のベクトルに想いが巡ったことでした。

＊＊＊　＊＊＊　＊＊＊

終わってみれば
４つの作品のそれぞれに、
意図を持った視座があって、
それらの震災に対する距離のバリエーションが
１年たっても収まりきれない３．１１に対する
俯瞰を創り出していて・・・。

冒頭に問われた観客に対する問いに答えるとすれば
（もちろん個人的な意見ですが）
アフタートークで語られたがごとく、
多分演劇に直接的にできることはないと思います。
でも、その一方で演劇が鏡となって
映し出すものは間違いなくあって。
今回の公演に限らず
震災以降に上演された舞台たちの多くに、
観る側に、
自らや世界の立ち位置や姿を映し出してくれる力を感じたのも事実。
もちろん、作品ごとに鏡として置かれる角度や磨かれ方も異なり
時には恣意的な歪みや虚像が仕込まれていたりもするのですが、
だからこそ見えてくるものも多々あって。

ひとにはきっと自分の座標やありようを知るからこそ
歩み出せることがあるように思う。
別にそのことを知りたくて
劇場に足を運んでいるわけではないのですが、
でも、舞台を見て考えたことは
いろいろにあったように思うのです。

そういう意味では
冒頭からアフタートークも含めて
舞台には、良きにつけ悪しきにつけ、
３．１１や今に
何次元にも重なる座標軸の
値を指し示す与える力があることを
実感した公演でもありました。

感度をめぐる話という事であらすじを見てなんとなくお話を想像して観劇に臨んだら予想以上に社会的で、いい意味で裏切られました。
敏感な女性のセリフを聴いてこの世界の状況をいつの日本と感じるのか？観ている私たちの感度は正常なのか試されてるのかな？と思わされました。

ラストシーンでちらばめられたお話がつながる感覚、動き回る役者さん、そしてそれを見せる音響照明の美しさ色んな事に感動していたら今舞台上に役の気持ちを感じるのが遅れて、よくあるじわじわと感動ってのと違って、急に泣くという圧倒されながらも心は無意識で感動しているという不思議な感覚を味あわせて頂きました。
ただそれだけにもっと全体を理解したかった。理解できなかったのが悔しいです。そういう意味ではまた観たいと思う作品でした。

ダンスシーンが若干場転の為というか役者の動きが作業と感じてしまうのがちょっと辛かった。圧倒されて気付いたら役者がその位置にみたいな感動を味わいたかった。頭のダンスで圧倒されただけにそれがちょっとだけ残念でした。
大爆発後も、応援しています

　「テーマ主義」の作品が誰にでも書ける、というのは別に私が言いだした話ではない。菊池寛の一連の作品に対して行われた、文芸評論家たちによる批判である。伝えたい主題が決まっているから、その表現手段、キャラクター設定や物語の展開も自然と決まってくる。誰が書いても同じ、と揶揄されるのはそのせいだ。菊池寛の戯曲『父帰る』が映画『男はつらいよ』シリーズにさしたる工夫もなく流用されている点でもそれは明らかだろう。
　だから、書き手側にしてみれば作るのに苦労しない方法ではあるのだ。高校生ら演劇初心者に“教える側”としては、テーマ主義を一概に否定されても困るだろう。

　しかし、その「苦労しない」ことが、この舞台では「安易さ」に繋がっている部分も、決して少なくはない。
　特に「震災と原発」という、決して短絡的には結論づけられない重要な問題について、明確に「反原発」という一点にテーマを集約して描かせることが、果たして妥当であったかどうか、疑問である。エチュードを中心にして、生徒自身にアイデアを出させる方法は決して悪くはない。そこには「自然な感情」が表現として昇華されるための萌芽があるからだ。
　だが、多くの生徒がアイデアを持ち寄っているにも関わらず、物語が一つのテーマに「一貫しすぎている」のは、なぜなのだろう。果たしてこの物語は本当に生徒たち自身の心から生まれてきたものなのだろうか。そこに教師による「過度の誘導」がなかったかどうか、それはいわき総合高校の演劇部が、「高校演劇は高校生自身の手で」という目標を掲げる姿勢を堅持しているのであれば、きちんと問われなければならないことであろう。

　物語は、初め、二人の少女の会話から始まる。
　ヒロコとキリカ。陸上部だった二人。あの震災で引き裂かれてしまった二人。「あの時、待ち合わせ場所に私も行っていれば」。後悔を口にするヒロコ。目の前の椅子に座っているキリカは、もうこの世にはいないのだ。
　全編を通じて、最も演劇的だったのは、この冒頭シーンである。一方は生身の人間で、一方は幽霊。しかし心を失っているのは生きているヒロコの方であるようにも見える。「罪悪感」が彼女の心を押しつぶしてしまっている。
　二人の演技は極めて静かで、か細い声であるにも関わらず、いや、だからこそヒロコの胸を塞いでいる思いの重さが、客席にまで伝わってくるのだ。高校演劇にありがちな、ただ声を客席奥まで届ければいいといううるさいだけの過剰演技はここにはない。現代口語演劇の方法が、最も効果的な形で実行されている。
　キリカの姿は他の部員には見えない。ヒロコにしかキリカは見えない。それがヒロコの心が孤独に蝕まれている証拠だ。このシーンは、ラストの、再びヒロコの前に現れたキリカが、今度ははっきりと、別れを告げるシーンに呼応している。
　別れを告げられなかった友への思い。あるいは家族への、あるいは仲間への、もう伝えることが叶わなくなってしまった思い。被災地で、同じ思いをした人々がどれだけいたことだろう。この二人のシーンは、あの震災を経験した者にしか伝えられない「心」によって描かれている。

　ところが、これから先の本編が、一気に失速してしまうのだ。「心」ではなく「アタマ」で作った、出来の悪いギミックでできた玩具のような、チャチなシロモノに成り果ててしまう。
　旧校舎に「復活の呪文」が隠されていて、それを探し出せば、全てが元に戻る。その情報を信じて、ヒロコや良輔たちは倒壊の危険がある旧校舎に忍び込んでいく。
　そこで、菅直人やら枝野やら東電の社長やら、さらに保安員だの原子炉だのラスボスのなんたらエコノミーだの、「敵」が戯画化されて彼らの前に立ちはだかり、そいつらをヒロコたちは倒していくのだが、このあたりがサッパリ面白くない。
　アフタートークで「観る人によって受け取り方に温度差があるのは当然だし、押しつけがましくなることを避けた」「ただ怒りをそのままぶつけるのではなくて、笑い飛ばしてやろうと思った」という発言があった。
　その姿勢自体には共感するが、「押しつけがましくしたくない」という目的は、結果的には成功していない。押しつけがましさを回避した表現としては、せいぜい登場人物たちに「声高に反原発を訴えさせない」といった程度のことしか配慮されていない。全体的にはやはり「反原発」以外の見方はされていないのだから、多角的な視点がない点においては、やはり「押しつけがましく」なってしまっているのである。
　さらに彼らには「笑う相手を最初から戯画化していてはからかいにならない」というギャグの基本が分かっていない。だからゲーム部分がことごとく「絵空事」にしか見えなくなって、たいして笑えないものになっていることに気が付かないのである。
　いや、原子炉を寒いギャグで冷やすっての、馬鹿馬鹿しくて好きだけど、面白いかと言われたら、ちょっと困るでしょう。ゲンシーロくんの「受け方」の間がよくて、笑えはしたけど。

　揶揄する相手は、真面目に描かないとからかえないのである。ふざけて描くと、相手もこちらも同じキャラになってしまうので「馴れ合い」が生じるのだ。漫才の両方がボケになってしまうようなものだ。
　からかう相手が権威的であったり糞真面目であったりするがゆえに、かえっていざというときのオタオタぶりが滑稽に見えるのだ。サム・ペキンパー『戦争のはらわた』のラストの壮絶なギャグシーンを思い浮かべていただければ、権威とか真面目といったものがいかにくだらなくて、益体もない馬鹿馬鹿しいものであるか、それをどのようにからかえば表現として効果的なのか、ご理解いただけることだろう。
　銃に弾倉を装填するやり方すら知らなかったシュトランスキー大尉(マクシミリアン・シェル)の姿は、原子炉の構造一つ理解していなかった東電幹部と見事に重なっている。

　コトが起きたあとで、彼らの無責任を追求するのは簡単である。
　しかし、コトが起きる前、我々は信頼とまでは言わずとも、生暖かい眼で彼らを見ていたはずだ。
　現地の人々にとっては、東電の人々はごく普通の近所のオジサンたちであったろうし、親しく声を掛け合った人々もいたはずである。
　その「東電のおじさんたち」が、いきなり悪の権化として糾弾されることになる。「でんこちゃん」は国民を惑わすプロパガンダキャラクターとして排斥されることになる。いや、それをしてはいけないというのではない。彼らが故意か、好意的に解釈してやはり「想定外」だったのか、どちらにしろ事故の責任を回避できる立場にないことは厳然たる事実だからだ。
　だとしても、東電と「共存」してきた現地の人々が、彼らを批判するためには、自分の身をも切る覚悟が必要になるのではないだろうか。ただ戯画化したキャラクターにしてからかうだけでは、それは「部外者の発想」と変わりがないのではないだろうか。
　実際、この舞台の中盤の殆どは、被災地外の人間が書いたのではないかと疑われるほどに「他人事」になってしまっている。原発関係者が、「敵」として相対化されすぎている。「ＲＰＧゲーム」という形式を持ち込んでしまったために、それ以外の描き方ができなくなってしまったのだ。

　たとえば、現地には、「東電社員の子供」だっているはずだ。彼らは、避難生活を送りながら、「お前の親父のせいでこんな目に遭ったんだぞ」などといじめられたりはしていないだろうか。
　そういう子供は、この芝居の中には登場できない。テーマから外れ、テーマを揺るがしかねないキャラクターは「邪魔者」なのだ。しかしそういう子供を排除することが、被災地の「現実」、ひいては被災者の「実感」を伝えることになるだろうか。原発推進派の言い分にも説得力がないわけではない。それを受け止めた上でなお反論する構造がこの舞台にはない。一方的な攻撃であってもそれが説得力を持つのは、勧善懲悪のエンタテインメントだけだが、この題材は、一番、そうあってはならないものではないのだろうか。
　単純なゲーム構造を持ち込んでしまったことが、この舞台を善か悪かの単純な二項対立による、極めて幼稚なものにしてしまっているのだ。
　「家を流された人と、ほんの数メートルで助かった人と、それだけで被災の実感に温度差が生まれる」との発言もアフタートークで気になったものの一つだった。この舞台を観た時の違和感がまさしくその点にあって、「被災の程度が低い人たち」が作った芝居なんじゃないか、という印象が拭えなかったからだ。

　震災も、原発事故も、喜劇にして構わないと思う。
　しかし、この事故を引き起こしたのが特別な悪人でも金の亡者でもなく、たとえどこぞの国にヘイコラしてきた連中が裏で糸を引いていたとしても、彼らはごくフツーの人々であって、なのに彼らの思惑が複雑に絡み合った結果、総体としては国を狂った方向に押し流してしまっていること――その視点がなければ、いくら国や東電をからかって見せたところで、批評性は形骸化するばかりだ。そんなものに意味はあるまい。
　観客は「別れの切なさ」に涙を流し、ああ、いいものを見たなあ、という感覚だけを持ち帰って、日常の中ですぐに震災のことも原発のことも忘れていってしまうだろう。
　観客は、映画や演劇で感動した涙を、決して現実には反映させない。口では感動したとか考えさせられたと言っても、実際には何も考えていないに等しい。“そんな気になって満足しているだけ”である。そのことは、かつて伊丹万作が『映画と癩の問題』という小文の中で指摘し、作り手としてはそんな観客の反応に惑わされてはいけないと批判していることである。
　「芸術の徒としての私は、芸術鑑賞および価値批判の埒内においては人間の涙というものをいっさい信用しない」と。
　
　「高校生が作った芝居なんだから」という言い訳は、自分で自分の首を絞めることになる。それは「高校生にはたいしてものを考える力がない」と告白するに等しい。
　アフタートークで、ともかくこの芝居は震災３ヶ月後の、情報が錯綜して、怒りの矛先をどこに向けたらいいか分からない状態で作った、今は冷静になっているので、もっと別の見方もできるようになったと思う、という発言があったが、そのことを肯定的に捉えたいと思う。
　勢いだけで作った演劇であるから、決して賞賛できる作品には仕上がっていない。そのことは、いわき総合高校の生徒たち自身が自覚していることである。
　ネットの批評子たちが、本作をろくに演劇としてどうかという分析もせず、安易に「頑張って作ったね」と誉めるのはいかがなものだろうか。もうその発言の「偽善性」に、いわきの生徒たちも気付いていると思うけれど。