園田喬しの観てきた！クチコミ一覧

実演鑑賞

満足度★★★★★

「装うこと」あるいは「化粧」をモチーフにした二人芝居。登場人物は二人以上いるので、二人の俳優が複数の役を演じたり、同じ役を二人で担ったりします。40分、休憩10分、45分という構成で、一幕は江戸末期から明治初期にかけての装い（眉剃りとお歯黒など）、二幕は現代の装い（メイクなど）を描いています。どちらの幕も、装うことをモチーフにした人間ドラマで、一幕は時代背景、当時の人々の価値観、心情などを丁寧に描いており、二幕は現代的な家族ドラマ、老いなどを描いています。上演時間はコンパクトに圧縮されていながら、伝えるべき言葉をしっかり台詞に起こし、堅実に客席へ届ける俳優たちの所作に魅了されました。個人的にとても満足度の高い上演でした。

実演鑑賞

コンドルズが本編内に「ラジオ」を導入した公演を何本か観て、更に今作も観て、このスタイルがカンパニーの定番になる必然をひしひしと実感しました。それほど相性の良い、カチッとハマるピースを手に入れたと言えます。コンドルズは元々ダンスだけにとどまらず、コント、映像、音楽、人形劇、等々を組み合わせる、構成要素の多い公演を行っていました。そこへラジオをひとつの軸として加えることで更に流れがスムーズになり、ひとつの番組（プログラム）らしい印象が生まれます。このラジオDJ役をトークスキルの高い勝山さんが担うことで、更にバランスが取れてしまう…という効果が。コンドルズ本編の上演前に、若手カンパニーによるオープニングアクトを上演するなど、「ダンスフェス」として既に完成しているようにも見えるし、まだまだ可能性を秘めているようにも見えます。この公演スタイルをもっと観たいし、今後の進化の様子も楽しみです。

実演鑑賞

劇団の近作を何本か観ています。印象として「コメディ要素を徐々に強めつつある青春群像劇で、公演を重ねるごとに観客の反応も上々になってきている」と感じていました。今作も、観客の反応は良く、適所でしっかり笑いも取れており、青春群像劇である、と言えるのですが、全編に流れるトーンは近作数本と異なり、やや内省的になっています。十年前に事故で亡くなった演劇仲間が幽霊となって再来する…という物語なので、友人の死を取り扱うが故のトーンとも言えますし、劇団が元々やりたいことが、コメディよりもこちらにあるのでは？ と推察することもできます。僕自身、否定的に捉えているのではなく、笑いを取り入れつつ多様なドラマにチャレンジできる団体だと思っていて、今後の活動にも注目したいです。ここ数作で団体が取り組んできた、「やり直しを繰り返して、いつか正解に辿り着くコメディ」の延長線上、あるいは発展系にある一作に感じられました。

実演鑑賞

満足度★★★★★

観劇後に、原作『ヘカベ』のニュアンスってどんな感じだったっけ？ と思い、ネット検索してみると、いま観た上演作品の印象とそれなりに剥離した「悲劇のあらすじ」が表示され、心の中で思わず「……おおお」と唸りました。おそらくAIによる要約なのですが、検索結果として出てきたあらすじは、極めて端的に、かつ要所を押さえた「とても悲劇的な物語」だったのです。ですが、この上演を観ると、AI要約のような分かり易い悲劇では全くなく、むしろ多面的、傍観的、そして複雑に入り組んだ繊細な物語に感じられます。戦争は悲惨だ、悲劇的だ。これを否定する人類はほぼいないでしょう。ですが、それが分かっているにも関わらず、人類は戦争を起こし続け、選択を誤り続けている訳で、そこには相応のメカニズムや因果、背景があるはずです。この上演は、人間同士の争い事や戦争について、多角的な視点から解釈することができます。おそらく観客は自分なりの解釈で作品を紐解き、そこから教訓や論点を導き出すはず。その論点の多さが、議論そのものを不成立にするほど、多くの視点から語ることができます。ひとつの物語として観ても引き込まれ、特定の視点にとどまらず多角的な解釈を導き出し、俳優たちの息遣いにも魅了される。古代のテキストを用いて現代演劇へと接続する、演出家や劇団の功績は見事。シンプルな小道具を組み合わせて空間を形成し、小さな会場を演劇空間として満たす、小劇場演劇の醍醐味を実感できた公演でした。

実演鑑賞

満足度★★★★★

泉鏡花の小説『黒百合』を原作に、脚本は元カクスコの藤本有紀、演出は杉原邦生のタッグで初舞台化。僕は原作小説は未読ですが、脚本を読む限り、泉鏡花のファンタジックなエンタメ心を強く感じました。しっかりした冒険譚で、ラブロマンスやピカレスクロマンの要素も含まれています。一方で「…これ、どうやって舞台化（具現化・可視化）するのだろう？」とも思っていました。どちらかというとアニメ化やCGムービー化に向いているような幻想的な世界観と言えます。

実演鑑賞

公演チラシに「自作自演シングル芝居」というフレーズがあり、そのメリットを享受した公演、と感じました。自分で書き、自分で演じることのできる人間の特権であり、かつ、その時の表現者の思考・興味・関心・心境などを最小限の時差で作品に注入できる。集団創作であることの多い「演劇」において、自分一人で舵取りできる強みと向き合った日々の末に誕生した作品では…？と想像しました。当事者の岡本セキユさんは優れたパフォーマーでもあるので、彼のハイパフォーマンスを小さめのアトリエ空間で浴びることができるのも、今作の魅力のひとつと言えるでしょう。

実演鑑賞

Locatone（ロケトーン）というGPSの位置情報を活用した音声アプリが導入された野外劇。一定のルートを辿りながら街を歩き、特定のスポットで流れる音声を聴きながら観劇する。かなり手の込んだ仕様になっており、その点でも新鮮な体験でした。ロケトーンというアプリの可能性を感じつつ、演劇とどう組み合わせるか？の前例がないだけに、新しい表現に意欲的な企画公演と言えます。ただ、せっかく街を散策するスタイルなのに、観客が受け身でも体験できてしまう親切設計が、やや勿体ないとも感じました。街中を自由に散策できれば観客の自由度は上がりますが、交通安全面のリスクなども生じてしまうため、その辺のバランス調整が難しいのかも。劇場観劇と馴染みの薄いご新規さん獲得の可能性もある企画なので、今後の動向にも注目したいです。

実演鑑賞

満足度★★★★★

原作は地動説を唱えたガリレオ・ガリレイの半生を描いたブレヒトによる戯曲。台本・演出は多田淳之介。漫画＆アニメの『チ。』がヒットしたタイミングでもあり、観客にとって興味を持ちやすい、身近に捉えやすい好機の上演と言えるでしょう。静岡県による中高生鑑賞事業の対象プログラムでもあり、若い観客が観劇体験できる機会になったことも好印象でした。

実演鑑賞

茨城県古河市で旗揚げしたコント劇団・自己批判ショーの活動30周年記念公演。会場は水戸市民会館。1ステージのキャパは約400席だそうで、過去公演と比較して華やかな会場を選んでのアニバーサリーと言えます。上演時間は2時間強。コント劇団なので、複数のコントで構成されるオムニバス形式の上演でした。広い客席は30周年を祝う人々で賑わい、「キ、キ、キ〜、客が少な〜い♪」と自虐する劇団テーマソングに象徴される昔の自己批判ショーは、もう存在しないと言えるでしょう。

実演鑑賞

シアター711で上演された東京公演を観ました。場内は満席で注目度の高さを感じます。劇中に登場する特異な設定（特別な能力を持った超人の存在や、その影響で世界の理が変わる、など）がサラリと語られ、そのSF的現代を生きる人々を描いている。社会構造の問題や人間関係の歪みなどは現代日本そのままなので、時系列は語られないが、過去でも未来でもなく、現代の物語と言える。

実演鑑賞

上演会場で席につき、当パンを開くと、詳細な公演資料が掲載されていました。原作戯曲が下敷きにしたギリシャ悲劇のあらすじ、演出家コメント、翻訳者コメント、原作の研究者のコメント、配役表、用語解説、etc。それに加えて、有料パンフには更に詳細な資料が掲載されており、印刷版と、安価なデジタル版も用意され、丁寧に「解説する」環境が整備されていました。それらを踏まえても、やはり「難解な戯曲」であることは間違いないと感じます。1986年に英国で書かれた原作戯曲も、かなり実験的、かつ前衛的な創作だったのでは…と想像。複数の登場人物たちの日常が断片的に構成され、そこに多くの身体表現も加わり、いわゆる「目の前の物語を追いかける」形の観劇スタイルだと、なかなかに追いつきづらい戯曲です。ただ、だからと言って、つまらない上演ではありませんでしたし、後半の途中から僕なりに掴めたこともあり、刺激的な観劇体験でした。資料によると「憑依」がテーマにあるそうで、理屈では理解できるものの、僕には「社会集団の狂乱」のようなワードが頭に浮かびました。狂気の源は、人か、社会か。終演後には、登場人物たちの背景に潜む、社会や集団について考える時間が長かったです。

実演鑑賞

ヨーロッパ企画の本公演。モチーフは「冒険」。タイトルは某ブラウザの語呂合わせ。観劇前に内容や方向性を想像しましたが…、それでも予想は当たらず、客席で「そうきたか〜！」と膝を打ちました。上田誠のマニアックな視点・こだわりを劇団全体で拡張していくような創作が想像できます。この団体の持つ遊び心に共鳴できると一気に視界が開けてくるーー。そういう「共感型」のコメディだと思います。

実演鑑賞

一本のストーリーラインが比較的まったり伸びていくような群像劇、という印象を受けました。「まったり」という語彙が適切なのか少し自信がありませんが、僕のイメージではお餅やゴムのように、にゅーっと伸びていく感じ。冒頭シーンを出発点に、物語がゆっくり拡張し続けるような。どこまでも伸びていく物語が、終盤意外なところへ着地することも含めて、先の展開が読めず、最後まで新鮮な気持ちで観劇できました。

実演鑑賞

満足度★★★★★

劇団にとって三度目の上演で三回目の改題となる、ちょっと珍しい作品。二度目の上演となった『彗星はいつも一人』（2003年）の脚本をベースに、時代設定を令和7年に修正して上演されました。「時の流れ」を描いている物語なので、時間軸を現代にすることで、そのテーマが一層際立つ形となり、作品から受け取れるテーマやメッセージはより明確になったと感じます。

実演鑑賞

満足度★★★★★

劇団☆新感線の45周年記念興行で、更に10年ぶりの「チャンピオンまつり」が「いのうえ歌舞伎」と合体したことがとても印象的でした。新感線はこういうカテゴリ・コンセプトを大事にしてくれる劇団なので、観客としても事前にイメージしやすく、かつ見易さに繋がっていると思います。チャンピオンまつりは笑いを重視した、パロディやお決まりのネタを多く含んだ演目。いのうえ歌舞伎は重厚なストーリーと歌舞伎リスペクトの演出が特徴的な演目。このふたつのコンセプトがミックスされた、笑いと重厚さ、そして演劇への愛情がたっぷり詰まった一作に感じられました。

実演鑑賞

満足度★★★★

脚本は福原充則さん。今作は浅草九劇のこけら落とし公演だったとか。その時の上演団体はベッド＆メイキングス。僕は初演を未見のため、この物語に触れることも今回が初めて。演出は堀越涼さん。

個人的に惹かれたのは、福原さんらしい「美しさ」を放つ台詞の数々。人間の業を直視し、受け止め、業と共に生きることを肯定するような人間賛歌であり、絵空事ではない、汗と埃にまみれた美しい言葉たちが、観る者の心を打つ。勿論その台詞たちを発する俳優たちの奮闘も印象的でした。

実演鑑賞

非常にコンセプトがしっかりしている公演で、今作が強い信念、熱い情熱をもって創作されたことが伝わってきます。観客のために用意された資料も丁寧にまとめられており、それらに目を通し、頭の中で作品を反芻することも今作の醍醐味であり、演劇の醍醐味と言えるでしょう。印象的だったのはロビーに貼ってあった説明文に「理解ではなく、より想像して楽しんで欲しい」という趣旨の一文があったこと。「紐解く」ではなく、自由に「広げる」ことを望んでいる作品なのかな？と考えました。

実演鑑賞

昨年2024年に、同じ劇場、そして同じキャストで上演された演目が、翌年の2025年に上演される機会はなかなか珍しいと思います。元々はラジオドラマの脚本として生まれた物語が、昨年の朗読劇化、今年の演劇化と、時間とプロセスと稽古を経て、ゆっくり様変わりしていくことは、劇団活動の原点であり本質であると言えるかもしれません。見比べる楽しみもありますし、再会を喜ぶこともできます。青☆組は活動歴25年（劇団歴は15年）とのことで、創作団体として長く活動しているからこそ実現可能なアニバーサリー公演だと感じました。

実演鑑賞

ヌトミックによる新作音楽劇。会場のシアタートラムは横長に広いブラックボックスが特徴的だが、アクティングスペースに何段かの高低差をつけ、いくつかに分けたようなシンプルな舞台セットがよく映え、スタイリッシュな空間に仕立てられていた。俳優6名に、ギター、ベース、ドラムのスリーピース構成でバンドが加わり、俳優が台詞を喋ることと、バンドが音を奏でることが並列的に取り扱われる演出が印象的。演技パート、演奏パート、それらが重なるパート、が主な構成要素だが、ひとつの作品として統一感があり、見応えがあった。特にバンドが音圧を上げて演奏するシーンに俳優たちの演技が加わった際の「最大瞬間風速」はとても強かったと思う。

実演鑑賞

満足度★★★★★

複数の劇場や芸術団体などが連携し、単館ではなしえないハイレベルなオペラ作品を新演出で制作する「全国共同制作オペラ」というプロジェクトによる公演。僕は、不勉強ながらオペラの観劇経験が乏しく、とても新鮮な気持ちで観劇しました。言語はイタリア語で、日本語と英語の字幕がつきます。

感想を一言で言うならば「とにかく見所が多い！」という印象。出演者の表情や身体を見て、言葉の意味を知るために字幕を見て、ダンサーや合唱の人たちの様子を見て、オーケストラピットを見て、指揮者を見て、舞台美術を見て、etc…。舞台全体を見ながら細部も見て、そのほとんど全てを楽しみました。オペラなので、視覚以上に刺激されるのは聴覚ですが、言うまでもなく、歌劇として大いに魅了されました。演出がオペラ初演出の杉原邦生さんで、彼は舞台美術家でもあるので、美術へのこだわりが随所に出ており、それが今作の大きな特徴になっています。劇場や国を超えた共同制作の真価を強く感じたオペラ公演でした。本当に見所が多いと感じましたが、個人的に最も「格好いい！」と痺れたのは、指揮者のセバスティアーノ・ロッリさんの所作でした。故に割と長い時間オケピを眺めていたと思います。