「舞台で自然な演技ができない」「感情表現が薄いと言われる」——演技に悩む俳優やこれから演劇を学びたい方にとって、体系的な演技メソッドを知ることは必須です。
本記事では、世界的に有名なスタニスラフスキー・システムから、日本独自に発展した新劇理論、そして現場で即使える5ステップメソッドまで、演技の核心を徹底解説します。
目次

日本の演劇史：築地小劇場から新劇へ
世界の演技メソッド5選
日本人の身体性と演技の関係
実践！5ステップ演技法
本番で成功する「加点方式」思考法


日本の演劇史：築地小劇場から新劇へ{#日本の演劇史}
新劇とは何か？歌舞伎との違い
日本の演劇史において、**新劇（しんげき）**は20世紀初頭に誕生した革命的なムーブメントでした。それまで主流だった歌舞伎、狂言、落語などの古典芸能は、型や様式美を重視する「フォーマット重視」の演劇でした。
対して新劇は、西洋から輸入された近代演劇の理論をベースに、人間の内面や社会問題をリアルに描くことを目指しました。
久保栄とスタニスラフスキー・システムの日本化
新劇の理論的支柱となったのが久保栄（くぼさかえ）です。彼はロシアの演出家コンスタンチン・スタニスラフスキーが提唱した演技理論を日本に紹介しただけでなく、日本人の身体性に合わせてローカライズしました。
ロシア人と日本人では骨格も筋肉の付き方も異なります。久保栄は「西洋の仮面を被るのではなく、日本人の身体を通して普遍的な表現に到達する」という信念のもと、科学的アプローチで演技技術を再構築しました。
新劇とアングラ演劇の対立
新劇が西洋的リアリズムを追求する一方、1960年代には**アングラ（地下演劇）**という対抗勢力が登場します。アングラは「西洋のリアリズムは日本人の本質に合わない」として、歌舞伎的な身体性や土着的エネルギーを舞台に持ち込みました。
この**新劇（リアリズム）vs アングラ（身体性）**の対立と融合が、現代日本の演劇教育の基盤となっています。

世界の演技メソッド5選【比較解説】{#世界の演技メソッド}
スタニスラフスキー以降、世界中で様々な演技メソッドが派生しました。代表的な5つを比較します。
1. リー・ストラスバーグ「メソッド演技」
特徴： 俳優自身の過去の感情体験を呼び起こす「感情の記憶（エモーショナル・メモリー）」を重視
向いている人： 内向的で自己分析が得意な俳優
代表的俳優： マーロン・ブランド、ロバート・デ・ニーロ
2. ステラ・アドラー
特徴： キャラクターの社会的立場（職業、階級など）や状況を重視する社会学的アプローチ
向いている人： 想像力が豊かで、役の背景設定を構築するのが得意な俳優
3. マイケル・チェーホフ
特徴： 身体の動きやイメージから感情を誘発する心理物理学的アプローチ
向いている人： 身体表現が得意で、イメージワークに強い俳優
4. メイエルホリド「バイオメカニクス」
特徴： 感情よりも「身体の動き」を先行させる。動きの原理原則を徹底追求
向いている人： 身体訓練を好み、型やフォームを大切にする俳優
5. 久保栄「統一発声法」
特徴： 日本人の体格的ハンデを克服するための腹式呼吸と鼻腔共鳴の制御
向いている人： 日本語演劇に取り組むすべての俳優

日本人の身体性と演技の関係{#日本人の身体性}
ナンバ歩きと西洋的な動きの違い
日本人の身体性を語る上で欠かせないのがナンバ歩きです。
現代の歩き方： 左手が出るときは右足が出る（対角線の動き）
ナンバ歩き： 出す足と出す肩の方向が同じ
江戸時代まで日本人は着物を着て刀を差して生活していたため、ナンバ歩きが最適化されていました。この身体性の違いを無視してスタニスラフスキーの教科書通りに動こうとすると、不自然な歪みが生じます。
統一発声法：日本人のための発声理論
久保栄が開発した統一発声法は、日本人の身体的特徴を考慮した画期的な発声理論です。
西洋人の発声： 音程（ピッチ）重視
日本人の伝統的発声： 強弱重視、鼻腔共鳴が強い
統一発声法の定義： 鼻をつまんでも喋れる状態を「非統一」とし、横隔膜を使った腹式呼吸で力強い発声を実現
この技術により、体格に恵まれない日本人俳優でも舞台上で存在感を発揮できるようになりました。

実践！5ステップ演技法【今日から使える】{#5ステップ演技法}
現場で即実践できる5ステップメソッドを紹介します。
ステップ1：事実の認識（Input）
相手の言葉、表情、周囲の状況をありのままに受け取る段階です。
ポイント： 先入観を持たず、五感で情報をキャッチする
ステップ2：反応（Filter）
俳優個人、または役としての価値観を通じて事実を解釈します。これが**インナーモノローグ（内的独白）**です。
例： 相手が「大丈夫だよ」と言った

楽観的な性格なら → 「本当に大丈夫なんだ」
疑い深い性格なら → 「何か隠してるな」

ステップ3：感情の発生（Impact）
解釈の結果として、心に動きが生じます。
注意点： 感情を「演じよう」とせず、自然に湧き上がるのを待つ
ステップ4：衝動（Impulse）
次のアクションを起こそうとするエネルギーが生まれます。
ステップ5：行動（Action）
実際に言葉を発する、あるいは動く段階です。
インナーモノローグが演技の質を決める
俳優が台詞を言っていない時間、つまり**「聞いている時間」に何を考えているか**が、演技のリアリティを左右します。
相手の言葉を単なる「音」として聞くのではなく、自分の中のフィルター（価値観）を通してどう感じたかを脳内で処理することが重要です。
ステータス理論：舞台上の力関係を操る
舞台上の人間関係を構築する上でステータスの概念も不可欠です。
高いステータス：

相手を見下ろす
空間を支配する
時間を贅沢に使う
体はリラックス、動きはゆっくり

低いステータス：

相手を持ち上げる
空間を譲る
常に警戒している
体に緊張、瞬きや細かい動きが増える

多くの俳優は無意識にステータスが低くなる傾向があるため、意識的に空間を支配する技術が求められます。

本番で成功する「加点方式」思考法{#加点方式思考法}
減点方式の罠
多くの俳優は本番前に「台詞を間違えないか」「失敗しないか」という不安に駆られます。これは完璧な状態からミスを引いていく減点方式の思考です。
加点方式で自信を積み上げる
推奨されるのは加点方式の考え方です。

稽古場に来た → +100点
5ステップを意識した → +100点
呼吸を整えた → +100点
台詞を覚えた → +100点
インナーモノローグを重ねた → +100点

自分が積み上げてきた技術や過程を信じることで、本番で過度な不安に襲われることなく、自信を持って舞台に立てます。
「覚える」から「手放す」へ
究極の演技とは、準備してきた膨大な情報（台詞、段取り、理論）を、本番の瞬間にはすべて**「手放す」**ことです。
理論で固めるのは不自由になるためではなく、自由に手放すための土台を作る作業なのです。1000点分の情報を持って稽古し、本番ではそれを手放して「今、ここ」に集中する——これが理想的な演技プロセスです。

まとめ：才能ではなく、システムで演技は上達する
この記事で紹介した演技メソッドは、すべて論理的に学び、経験を積むことで習得可能なシステムです。
久保栄が「日本人の生の肉体を通して普遍的な人間に到達しなければならない」と説いたように、現代の俳優も自国の文化や身体性と向き合いながら、理論と実践を積み重ねていく必要があります。
演劇とは単なる言葉のやり取りではなく、深い意図の交換です。呼吸を合わせ、インナーモノローグで思考の海に潜り、的確に相手を射抜く——その積み重ねの先に、観客の心を動かす真実の瞬間が生まれるのです。
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次のステップ： この記事で演技理論の基礎を学んだら、実際に演劇ワークショップや養成所で実践してみましょう。理論を体で理解することで、真の演技力が身につきます。