ふじたんの観てきた！クチコミ一覧

満足度★★★★★

『ジゼル』と，不倫問題で共通している。
『ジゼル』は，現代の不倫問題にも該当し，解釈によっては悲劇にもなる。

タリオーニとエルスラーの時代は去った。カルロッタ・グリジの時代が来た。彼女は，７歳からバレエをやっている。１５歳になったとき，２４際だったジュール・ペローと出会う。ペローは，バレエの指導者として優秀で，その様子は，名画ドガ『踊り子』に残されている。当時，メートル・ド・バレエは，ジャン・コラーリであった。『ジゼル』を誰が振付するか。プリ・マドンナであったグリジは，振付もやっていた恋人ペローのいいなりであった。そのために，『ジゼル』の振付は，記録としては，ジャン・コラーリとなっているが，実際には，ジュール・ペローの振付である。

グリジは，ドニゼッティのオペラでのバレエ・シーンが，初舞台であった。五幕でなく二幕の『ジゼル』は，グリジには取り組み易く，彼女を有名にした。原題は，『Giselle, ou Les Wills』で，1842年，ボードレールも崇拝する文学者テオフィル・ゴーチエが，書き下ろしたものである。ゴーチエの作品としては，もう一つ『バラの精霊』がある。ハイネの民話からヒントを得て，ユーゴー作品中の舞踏会も参考にしている。ゴーチエ同様に，バレエ好きなアダンは音楽を担当した。アダンは，視覚的に，踊り子の足を見ることが快感であったことを告白している。

『ジゼル』は，ロマンチック・バレエなので，異国趣味の，妖精物語。淡いはかない貴族と，村娘の恋という以上の意図はなかった。しかし，これが，すぐに，ロシアに渡り改訂され，フランスで上演されなくなっても，人気を得ていく。1884年頃，マリウス・プティパが大規模に作品を手直ししている。貴族のきまぐれな恋の物語は，『フィガロの結婚』『二都物語』も同様である。しかし，『ジゼル』は，現代の不倫問題にも該当し，解釈によっては悲劇にもなる。


以下，ストーリーを追うと，

村娘ジゼルの笑顔は，人を引きつける。彼女は，ダンスがとても上手である。あるとき，とおりすがりの男は，この娘に出会い恋に落ちた。しかし，彼には，許婚がすでにいた。そのことを隠しても，娘に近付きたくなって，アルブレヒトは転落していく。

村娘ジゼルのことを村で一番想っていたヒラリオンは，アルブレヒトの許婚であるバディルドと，彼女の父親を，無理やり密会の現場に引きずり出す。愛するアルブレヒトに許婚がいたことに衝撃を受けたジゼルは，もはや生きている希望を失ってしまうのである。

村には言い伝えがあった。恋に盲目となり，身を滅ばした者は，妖精となって，暗い森を彷徨う。娘たちをだました男がその森を訪れたら，妖精は復讐をすれば良い。皆でからかってやるといい。祝宴を催し，酒をのませ，毒牙にかけて，ダンスの相手をさせるのだ。妖精には，疲れという言葉は存在しない。だから，妖精たちが気の済むまで，ダンスの相手したまぬけな男たちは，気が狂うか，絶命してしまうしかないのだ。

ある日，ジゼルたちの祝宴には，二人の懐かしい顔があった。ひとりは，一方的に自分にのぼせあがって，挙句に，アルブレヒトと自分の恋を見事に引き裂いた，ヒラリオンである。もう一人は，村にたまたま寄ったために，自分のダンスを見て，自分の美に釘付けになり，はからずも恋に落ちたアルブレヒトだった。妖精たちの判断は，まず，ヒラリオンを死ぬまで踊らせて，目的を果たす。しかし，次なる標的のアルブレヒトには，ジゼルはなんの恨みも抱いていなかった。しいていえば，許婚の存在を明かさなかったことだ。ただ，最初にそのような男を誘惑したのも自分であり，恨む筋合いでもなかったのだ。この男に，本当に罰を与えて良いものなのだろうか。

というようなことになると，『ジゼル』は，きまぐれな貴族の遊びにされた恋という意味を失う。現代人の恋，不倫的な気持ちが起こるのは，自然なものか，許されざるものか，そいうシリアスな劇になる。

ところで，『ジゼル』の時代は，靴も十分に完成されていない。技術を，足の筋肉で補うのが精一杯であった。『ジゼル』の少し前の，『ラ・シルフィールド』で，初めて爪先の利用，ポワントが出現する。鳥のように軽やかで地に足がついていないこと，これを示すために，どうしたら良いだろう。一回跳ぶあいだに二回交差して，元に戻ってみよう，これが，アントルシャ・カトルと呼ばれた。

参考文献：バレエの歴史（佐々木涼子）

満足度★★★★★

感動します!
前回は、ずっと心に引っかかる出来事をなんとか克服しようというものだった。

今回も、少し似ているが、愛馬を戦争のため虐殺された苦い事件が克明に描かれていて、紀伊國屋シアターの木下順二を彷彿させた。

表現がどぎついのが、木下作品での印象だったが、本作品は、明るい場面も多用してバランスをとっていた。大人数演劇の良さもあって圧巻！

満足度★★★★★

ホールニューワールドが、圧巻！
アラジンというミュージカルも、素晴らしい名曲があるようです。よく曲は、耳になじんでいましたから、余計楽しめました。

ベルサイユのばら、天空のラピタ、などついになってやる企画が印象的だった。

満足度★★★★★

『不思議の国のアリス』
『不思議の国のアリス』

児童文学の世界では，挿絵は，作品の重要な一部である。作家ルイス・キャロルと，画家ジョン・テニエルは，歴史的な出会いであった。さらに，1832年生まれのキャロルは，1852年生まれのアリス・リデルと運命的な出会いをしている。オックスフォード大学の寮に，リデル一家がやって来た。当時，次女のアリスは，三歳であった。キャロルの趣味は，写真だった。レンズを通して，キャロルとアリスは見つめあった。そして，キャロルは，アリスの心をつかんだ。キャロルとアリスの出会いから，約160年が過ぎた。

テニエルが描いた美少女，実際には栗色のショート・カットであったが，金髪の美少女になっている。テニエルは，パンチ誌に勤務しながら，生涯38冊の本の挿絵を描いた。29歳のとき結婚したが，二年後に愛妻に先立たれた。師であり友であるジョン・リーチは，『クリスマス・キャロル』（ディケンズ）の挿絵画家である。テニエル(1820-1914)は，『船長の降船』で，プロイセン宰相のビスマルクを描いている。普仏戦争に勝利し，1871年ドイツは統一された。1890年皇帝ヴィルヘルム二世によって，ビスマルクは辞職に追い込まれる。そのときの風景である。テニエルは，20歳のとき，事故で左目を失明している。キャロルとの共同作業は，二作。アリスの中に出て来る白ウサギ，それは，どこかで一度は見ているようなイメージがある。ヴィクトリア朝時代，テニエルの挿絵で，アリスに親しみを覚えた。懐かしい気持ちになれたのだ。

『アリス』に人気が出て，キャロルは，劇化したいと思うようになった。挿絵も，当初自分で手がけようとしていたので，自分で脚本は書きたい。舞台装置も決め，俳優を選び，音楽などの演出もしたかった。キャロル自身，芝居好きであった。未完成ながら，四幕ものを手がけたこともあった。舞台上でアリスを見たいというキャロルの夢は，容易に実現できなかった。ここで，劇作家・演出家，サヴィル・クラークは，『アリス』を劇化しようとキャロルに提案する。キャロルは，これを受入れ，共同で舞台版『アリス』を作る。これは，1886年に上演された。キャロル自身は，二度上演を目にした後，亡くなっている。この演劇は，18回上演された後，衰退する。演劇としての『アリス』には，どのような問題があったのだろうか。

クラークは，子どもだけで上演したかったが，キャロルは，演技力のある大人をその中に入れるべきであると考えた。９歳下の，マイナーな劇作家に，キャロルは多くの意見を言ったが，演劇において自分はしろうとであるとの自覚はあった。初年度は好評であったが，その後は下火になっていく。キャロルは，演劇においても，もう少し言うべきは言わないといけなかった。

プリンス・オブ・ウェールズ劇場の幕があがる。妖精たちは，アリスを不思議の国に呼び起こす。わきでイモムシがパイプを吸う。白ウサギが，舞台を横切る。声をかけた白ウサギに，アリスは無視される。アリスは，チェシャ猫と踊り，歌う。そこに，帽子屋と，三月ウサギと，ネムリネズミがテーブルを用意する。帽子屋は悪いやつ。帽子屋は気違いだ。そのとおりさ。そのとおり。トランプたちが，入場する。女王は，チェシャ猫を処刑せよと言う。ハートのジャックには，罪はない。当時，『アリス』は子どものファンタジーに思われていた。その後，あらゆる大人の心をときめかすナンセンスの傑作となっていく。

挿絵画家テニエルは，『アリス』の持つ魅力を倍増した。これに対し，劇作家サヴィル・クラークはあまり評価されていない。キャロルのアドバイスでは，二作を融合させるのは至難であった。サヴィル・クラークは，凡人だったので，これに失敗した。後に続く者たちは，二作を上手に融合させている。一貫したストーリーはない『アリス』では，むしろ大胆な発想ができる。むしろ奇抜な場面を楽しむべきなのだ。常に新しいものを求めることこそ，『アリス』なのだ。芝居は，常に刷新されるべきものだ。芝居そのものを残すのでなく，人々の記憶に残る作品を作りたい。『アリス』の舞台化に失敗したサヴィル・クラークは，52歳で亡くなっている。1898年，サヴィル・クラークの『アリス』は，ミュージカルではなく，オペラとなった。

チャールズ・ラトウィッジ・ドットソン(1832-1898)は，牧師の息子だった。兄弟は全部で１１人いて，彼が長男であった。11歳のとき，ダーズベリから，クロフトに移住している。母親は，47歳で亡くなっている。1868年には，牧師である父親が急逝している。児童文学としては，『不思議の国のアリス』は，まさに不思議な物語である。兄弟もいないし，友達を見つけようともしない。感銘する大人も出て来ない。冒険により，成長する主人の姿も見えない。ただ，ただ，アリスは誇り高い。キャロルの作品は，どういう出発点から生まれたのだろうか。

アリスは，未知の国に一人で迷いこむ。私はだれなの？お前はだれ？大きさが変わることは，別人になることなのか，否か。アイデンティティとは何か。イモムシの変態，身体が少しくらい変わっても，別人にはならない。自分がだれかは，自分ではなく，相手が決めるもの。ここにいるものは，みんな狂っている。おまえもだ。自己のアイデンティティの決定権をほぼ完全に他人にゆだねる。我慢ならない不条理の世界に，アリスは投げ込まれる。ひとびとが疑いを持たない地位・身分なんて，脆いものなのだ。背景がちがえば，価値などないのだ。

キャロルは，成長するにつれて，リデル家と，アリスと切り離されていく。キャロルとリデル家は，もともと住む世界がちがったのだ。横柄で冷酷な女王，人がいいだけの愚鈍な王，彼らのキャラクターは，実在したのだ。アリスを愛するキャロルから，遠ざけた無粋な大人たち。『アリス』作品中に出て来るのは，おかしげな大人の影，理解されないキャロル自身が批判的に感じた価値観だ。しかし，気位の高さ，と使命感に燃えるアリスは美しい。アリスのアリスらしいところは，自分を信じる勇気ある子どもであることだ。

参考文献：出会いの国のアリス（楠本君恵）

満足度★★★★★

初回の参加ですが，良かったです！
駒場アゴラ劇場には一度いってみたかった。内容は，なんでも良かった。退屈するかと心配したが，そんなことは全くなかった。むしろ，どんどん入りこんでいった。今までにも，なんとなく同じ雰囲気の演劇がなかったわけではないはずだが，演劇のあり方，劇の表現，セリフの発し方などに非常に特徴があって，興味が増した。

内容は，まず，事情があって，家出していた妹が，彼氏をつれて姉のもとにもどる。姉は，姉で，彼氏ができていた。ぎこちない，二組のカップルのぶつかり合いが前半のテーマだ。ひとりが少し何かを語ると，思いのほかおもしろいキャラクターがわかって来る。テーブルを囲んで，喧嘩したり，仲直りする場面に，たまたま自分が居合わせたような錯覚に陥る仕組みがある。

後半の，大きなテーマは，ざっくりというと，介護士の隠された苦悩だ。経験を積むと，医療関係者は，ひとの病とか，死についても，無感覚になって，慣れていってしまう。たくさんの事例を扱うことによって，このあいだまで遊んであげた少女の死を知って，その日のカツ丼が食えるのは，あって良いことかどうかと・・・

スピード感はほとんどない。ぶつぶつ，テーブルを挟んで，なんとなくつきあっている男女が，じつはどんな感覚を持っているのか，少しわかって来る。結婚しているひとたちには，それぞれに，なるほどこんな夫婦もいるのか，とか思っているのだろう。とても良い演劇であった。おそらく，こういう演劇がだんだんと支持される時代なのかもしれないと考えた。

満足度★★★★★

がんばれ！前田優奈！
ゴールデンウィークは，どこの映画館も満員だ。私は，ミュージカル『アニー』トゥモロー組を一日だけ観劇できた。当日券も，その日ははやばや売り切れとなっている。ソールド・アウト！って，なっていたけど，一枚くらいありませんか？とかだれか，来そうな気はした。実際，二年前の青山劇場では，私は当日券だったのだが。

さて，前回は一般では初日だったので，良い場所が取れなかった。座った感じは，ほぼど真ん中で視野も良好だとは思ったが，開演してすぐ気が付いたのは，もう少し前でないと表情までわからない。それどころか，タップなどでは，似たようなタイプもいるから，お目当てが特定できなかった。しかし，今回はバッチリだった。

アニーが，迷い犬とのめぐりあいの場面は感動的だ。映画では，ポリスから結構疑われる。一度や二度では，寄ってこない。やっぱり，サンディは，アニーにまだ懐いていないのか。そんな微妙なシーンがあるが，前回に比べて，ゆうなっちは早からず，遅からずで，サンディを呼びよせていた。大成功！

大富豪が，なぜか，「男どうしの話をしていいかな？」という場面で，アニーが，太い声で，「いいよ！」というところは，何回見てもおもしろい。演出といえば，演出だが，過去コントなども挑戦したゆうなっちの対応は，ぴったりだと思う。ほかにも，思わず笑えるようなしぐさも，上手だったと思う。

あと，前回も少し感じたが，三回～五回ほど，アニー自身の身体が宙に舞うところがある。お正月に，アクションスター？の学校だろうか，つばさ基地で．体操的なトレーニングをやっていて，ミュージカルになんの役にたつのか，と思ったものだ。でも，そういう体験などが，意外と役にたっているのかもしれない。

ミュージカルもたいした経験はないが，タップダンスもことはもっと知らない。これは，リズムタップでなく，身体全体で表現するミュージカル・タップというものか。もとは，やっぱり黒人独特のリズム感で始まったのだろう。今回，一番前まで，しばみやはなえさんが出て来て驚いた。すごく上手になっている。

満足度★★★★★

素晴らしい!
ヘッダーガプラとほぼ同じメンバーだったのかもしれない。

人形の家、ゆうれい、海夫人、棟梁ソルネス、ペールギュントを観劇して来た旅は、やっと野鴨にたどりついた。

かたくなに真実を曝こうとする人物、それに真摯に向き合おうとする魂の激突。

実際には、もっと要領よく人生をいきるひとたちも多いのでしょうし、そもそもの原因は大旦那さまの放縦。なんで、罪もない中学生が自殺に追い込まれるのか、考えさせられるところです。

満足度★★★★★

ガンバレわかばやしめぐみ!
おんぼろ、おぼんろ、の原点がわかった。好カード(^o^)

劇団の珠玉は、ビョードロだと思われます。作中人物で毎回抜群の存在感は、『弁士』だろうか。その低音の魅力、圧巻です。下北沢落語でもかつぜつの良さが発揮されていた。その『弁士』は、どうも、本公演に謎が隠されていたのだ。

本日の公演は、10*30と言ってみなに、一日違っている指摘を受けていた。

満足度★★★★★

とても楽しいアニーでした。
2015ミュージカル『アニー』観劇，四度め

アニー，それもトゥモロー組ばかり四回となる。今回は，とうとう一番前の席だったが，惜しいことに通路の左がわ三個の場所。それでも，その中では一番中央よりだったから良かった。

ルースターが，アニーを消してしまえばいい，というとき，実際にナイフを手品で消していたような気がした。あと，モリ―とケートは，タップのときに少しだけ参加していた。別の少女たちだと思い込んでいたが，それはまちがいだった。

過去の書き込みで，映画に比べてなんと間のぬけたものかと，家族一同でがっかりしたと舞台版アニーを酷評しているものがあった。しかしながら，映画は，ワンカットを何度も取り直せる。舞台で，これ以上アニーにセリフを増やしたら，それは大人の演劇になってしまう。子どもが，生の舞台でやるものとしてはベストだ。

座席の位置のせいもあるが，毎回視点が少しかわる。大型ミュージカルは，観る場所がたくさんあるので，端役の楽し気な仕草やら，ちょっとしたアクションが目に入って来る。同じミュージカルを何度も観るひとたちの気持ちが少しわかるようだ。

花買わないか，の少女（少年）の声はのびがあって良い。ダンスも上手だ。

ゆうなっちは，どの公演でも，声がときどきひっくりかえる。ハスキーボイスというものも魅力の一つだ。たくさんの場面で笑いをとっているのも特徴だ。やり過ぎということではない。これも含めて，ゆうなっちアニーの色だと思う。

そんな笑いを多くとった舞台が終わると，後部座席では，目を真っ赤にして泣いているお母さんがいた。アニーが親を見つけられなかった気の毒さに，感情移入したのだろうか。それとも，小学生にしては，ここまでセリフを完全に覚え人を感動させている事実に，びっくりしたのだろうか。

満足度★★★★★

2015ミュージカル『アニー』観劇，三度め
2015ミュージカル『アニー』観劇，三度め

回を重ねて，三週め，2015年アニーは三度め。毎回少しずつ前進しているような席だ。とくに，本日は，右端の二列め。最初，前回の方が良かったと感じた。しかし，オーケストラが一望できた。さらに，出演者はなぜか右端に良く場面を作る。その点で，非常に面白い場所からの観劇だった。

東京公演アニーは，ツゥモロー組で全１５回あるようだ。そのうち，毎週土日に観ることで，四回は見られるだろう。しかし，そもそも同じ演劇を何度も観る！？

それでも，たとえば，サンディ＆ポリス場面は毎回違った。最初は，ほとんど素通り。二回目は，ベスト・タイミング。三度目は，ちょっともたつく。しかし，実は，もたつくことは微妙に信憑性が増したようだった。でも，サンディが動かないと，舞台は進まない。ふと思ったのは，サンディには代役はいるのだろうか。

公演直前のＮＹシティーへの表敬訪問は，アニーに若干の疲れをもたらした。しかし，本日は，声も演技も理想的だった。

三回めともなると，さらに，場所が前に進み，とくに，子どもたちの熱演に夢中になった。二人小さなメンバーは，声も出てるし，元気だと思った。

さて，泣いても笑っても，あと一週間で２０１５年アニーは終わってしまう。そのあと，地方公演が続くのだ。

満足度★★★★★

心の問題に深く拘泥していく作家
座・高円寺1，で『虚像の礎:Foundation of Virtual』をやっていた。上京したついでに演劇を観ることが多い。CoRichのＴｏｐになっていた本作品は，事前調査ではとにかく難しそうであった。高円寺座というところも，初めてだった。ここは，外観もホールの中もおしゃれな場所だ。実際舞台ステージの，配置もなんとなく雰囲気があって期待大だ。作品内容がやや高尚なせいか，観客席はさほど埋まっていない。当日券でも，席は確保できた。

始まってからしばらくの印象は，この作品は何かに似ている。おそらく，俳優座で観たサルトルの『汚れた手』ではないか，と思った。勿論，全体は全くちがうものだ。政治的対立がテーマの一つであるということ。さらに，正義とか，真理とかいうものは，時間がたってみると結構意味を失う。だから，当初，ある種の価値観を決めつけると，たいへんな間違いをすることがある，といったような教訓を扱っていると思うからだ。

この作品では，何度か，社会が進み過ぎ，人間はそれについていけないと言う。病気と指摘されたものでも，社会全体の歪みが原因なものについて，われわれはどうすると良いのだろう。ただ，精神を安定させる薬を飲ませるばかりで良いのだろうか。演劇の，演劇たる役割の一つは，心についての優れた洞察がある。音楽や，絵画などの芸術ほど，国家も予算をくれないかもしれないが，効率の悪い演劇活動は大事なものなのだ。

たとえば，心の問題に深く拘泥していく作家は，男女間の痴話喧嘩も表面的には捉えない。確かに，愛し合った男女の間で，男性が女性に暴力を振るうようになっていくと，男性の凶暴さばかり非難されて，二人はもはや引き離すことが唯一の解決となる。しかし，これを，演劇家が観察すると，女性側は，そのような暴力的な環境に自分の場所を依存しているような感じでもあり，その場合，女性は隔離されると，精神的に死んでしまう！

さて，魅力的だったのは，大がかりに作られた二階ステージである。うさんくさい政治家は，この場所で，演劇家に予算をつけることを渋っている。彼は，けちな男で，秘書に不倫疑惑を押し付けていた。そのために，秘書は，してもいない不倫の責めを受けて，妻からヒステリーな攻撃を受ける。冒頭で，男は，不倫をするものだ。まったく罪のない女性を苦しめるだけで，意味もない！というシーンは，実は，前提がガセネタであったのだ。

弱い立場の民族家は，いつもだまされ，うまく丸めこまれた。歴史的にも，もめごとは，連中によって持ち込まれた。だから，反発はある。しかし，どのように抵抗しても，自分たちの立場は劣悪になるばかりだ。いつか，民衆の不満は爆発するだろう。実際，政治家たちが，何も起こりません！と訴える中，遠方で，爆撃の況音が響きわたって幕となる。想像力を鍛える，それは，演劇では可能であろう。真実が見えやすくなるのだと。

満足度★★★★★

ぼくには，別役さんに見えないものが見える。
演劇人で，小説家であった，つかこうへいが，2010.7.に，62歳で亡くなっている。知名度が高いものは，『熱海殺人事件』（戯曲）である。つかは，演出家としての活動が有名である。映画『鎌田行進曲』は，つかによる脚本である。1982.深作欣二監督で一世を風靡した。彼は日本生まれの韓国人であるが，その事実はあまり知られていなかった。つかの作品では，『戦争で死ねなかったお父さんのために』は，熱海とはかなり性格のちがうものだ。

『統一日報』の記事で，母親と初めて祖国の地を踏んだことが掲載された。朝日新聞にも，同様の内容が出ている。小説『鎌田行進曲』で，直木賞を受賞した頃の話である。熱海は，日本的なギャグの集積といえる。これを，韓国で上演することになる。原作をそのまま出すべきか，否か。『広島に原爆を落とす日』は，旧日本軍が，朝鮮の国王を殺害，妻と子どもを日本に強制移住させる話だ。つかは，非常に強い民族的気概を持った作家だ。

『戦争で死ねなかったお父さんのために』は，戦後３０年経って，召集令状が岡山の許に届く。すべてはっきりしない幻想性。日本人の精神構造をからかったものか。人気のある作品が，作品的に文芸的価値から遠いことが，つかの場合ある。逆に，目だったものでなく文芸的に質の高い作品群が別にあるということになる。熱海などは，人を笑わせようとするギャグがくどい。事実究明もそっちのけ。つかの観客の笑いは，ナンセンスといえるのか，いや，そうではないのか。

『ロマンス』は，『いつも心に太陽を』として上演された。二人の競泳選手は，幼馴染で，国体で再会するが，片一方はそのことに気づいていない。平易だが，強い印象で書き出し，深い陰影を醸し出す作品である。小説作品が，高度に開花したのは，演劇『鎌田行進曲』の台本を小説化し，直木賞を受賞した時期である。演劇人は，舞台用の明瞭な台詞を第一に考える。そのために，小説，純文学に求められる，言語的な幅の広さが乏しくなる。また，他人と共有できるやさしい言葉で，新しい感覚を出すことを狙った。

つかは，作品そのものが面白くなければ話にならないと考えた。演出重視の姿勢である。その場合，主題は，いつも明瞭に意識されるとは限らない。つまり，作品のテーマより，まず，演出が第一なのである。これは，小説創作の引きこもり状態より，濃厚な人間関係がある演劇活動を愛した。初期の未熟な作品は，演劇活動をとおして，改作される。見事に昇華された。『初級革命講座　飛龍伝』が典型的な例である。ちなみに，評論という行為一般をとらえると，それは，純文学の世界のしろものであり，大衆文学にあっては，評論はさほど重視されないといえる。

熱海は，７０年代演劇界に衝撃を与えた。笑いの要素を前面に押し出し，新風を吹き込んだ。富山県警から，捜査一課への転任する刑事。取調べは，ひどくでたらめ，でっちあげが起こる。容疑者は，長崎出身だ。つかの作品では，笑いの中に，いつも悲哀があった。つか全体では，熱海以外の作品では，くどいまでのギャグは姿を消していく。熱海と，飛龍が，改変につぐ改変であったのに比べ，『鎌田行進曲』には続編が出たものの，本編における改変はほとんどなく，基本構造は一貫している。『鎌田行進曲』の出来に，つか自身満足していたことによる。

一般的には，時代に合った新しいものに変えるのが，つか流である。原型を留めないほどの改変もある。飛龍はとくにその傾向が強い。左翼的運動で負傷した人々の悲哀。登場人物のあだ名の複雑性。場面転換の多さ。状況の進捗が見えにくい難解小説的である。神林美智子が，敵方に近付くストーリーが，途中で獲得される。熱海に比べ，飛龍の改変は，時代に合ったものという点では動機不十分である。現代史を作品に盛り込むことは，学生運動に対する共感があったものだろう。機動隊と全共闘委員長の禁断の恋。それしか，つかには，作品をうまく表現できなかったのだ。中卒の機動隊が，実は，社会的弱者でありながら，権力の，体制側の手先として消耗されていくのが，納得いかなかったのだろう。

在日コリアンとしての，作風を研究すべきか，否か。ある時期あった，つかの毒は何だったのか。つかの演劇では，あったはずの毒がなくなっていく。どぎつさ，猥雑さも薄くなっていく。ただ，つか現象が時代のものであったので，笑いの感覚の変化とともに，消えていったものもある。笑いから少し距離を置いて，弱い立場の人のことを多く考える。つか作品の人物は，なべて饒舌だ。自分の意見をとことん表明する。遠慮して立ち去るようなやわな存在はいない。ののしり，罵倒し，ヒステリックになりながら，言うべきときは，最後まではっきり言うのだ。

相手の本性を見るには，敬語を使え。突然，相手が敬語を使わなくなる。その時，何かが見える。つかの作品は，人間関係が安定している。運動家の木下は，神林美智子との出会いでは，ため口をきく。同棲し，やがて，神林美智子は，委員長になる。そこで，木下は口調を変える。

「ぼくには，別役さんに見えないものが見える」とつかは言う。この日本で，在日コリアンはどう生きるべきなのか。外国籍のまま公務員になれる国だって，世界にはある。「私には他の劇作家が見えないことも見えるのだ」。『広島に原爆を落とす日』の主人公は，日本軍に殺害された朝鮮国王の息子である。犬子恨一郎は，天皇を崇拝する。御前会議には召集されなかった。かわりに，真珠湾攻撃を命令される。うまく利用されたのだ。韓国に住みたい。しかし，自分は，うまく住めない。韓国の生活に関心はある。自身のことは，在任とはいわず，韓国人と言っている。

参考文献：つかこうへい　笑いと毒の彼方へ（元徳喜）

満足度★★★★★

楽しい時間をありがとう・・・
不思議の国のアリス：奇妙などっかのウサギ・奇妙な狂った帽子ｂｙ劇団海賊ハイジャック

オックスフォード大学の数学講師，チャールズ・ラトウィッジ・ドットソンは，1862年，三人の少女たちとボート遊びをしました。その中に，アリス・プレザンス・リドル(10)が含まれていました。

この時の手づくりの本が，ウサギの穴に落ちた『地下の国アリス』で，ドットソンが，ルイス・キャロルその人です。物語のアリスは，設定では，7歳になっています。

白ウサギは，何をあらわしていたのでしょうか。ドットソンは，白い手袋を愛用していたようです。

アリスが，若さ，大胆さ，元気を象徴しているのに比べ，白ウサギは，年齢，臆病，よわよわしさを，あらわしているのではないでしょうか。白ウサギは，めがねをかけています。

「三日月ウサギのように，いかれている。帽子屋のように，頭がおかしい。」昔からの英語表現がそこに再現されています。

ことば遊びは，とても大事で，想像力を刺激するでしょう。少し，常識を逸脱した会話やら，とりとめもないやり取り，なぞなぞ，そういうものにこそ，おもしろいものが隠されいる。ときには，そこから哲学が始まる。

クロムウェルの共和制が崩壊し，王政が復古した１７世紀後半から，上流階級の楽しみだった観劇は，１９世紀なかばから，一般大衆の娯楽となっていきます。上演特許も開放されます。劇場は大衆の娯楽となり，少し品がなくなります。

1855年頃，『不思議の国のアリス』は，キャロル自身によって，舞台化が意図され，彼は，喜劇の本質，劇的効果，を一生懸命に考えました。

魅力的なかわいいアリスを，劇のかたちで，大衆に紹介したい。うまくはまり役になってくれる少女がほしい。『不思議の国のアリス』は，舞台化することによって，知的な大人の間にも浸透していくにちがいない。ただ，音楽にも，歌詞・台詞にも上品さを求めたい。子どもは，とても記憶力が良いので，詳細に物語を覚えているものである。

あの，もし，ウサギさん。今日はなんて，へんな日なんでしょう。
昨日までは，いつもと同じだったのに。
夜のうちに，私が変わってしまったのかしら。

猫さんありがとう。
あなたは，本当に物知りだわ。
お話も上手だし。

罪だとすると，妃や。処刑はできないのだよ。
不思議の国のまぼろしは，終わり。


あの哀れな帽子屋は，きっと悪いやつにちがいない。
目をさましなさい。夢の芝居は終わりです。

人は，だれでも，何かしらにこだわっている。
何にこだわるべきか。
後世に残る傑作とはどういうものか。
作品に「愛情」があったのか。

児童文学としての『不思議の国のアリス』に少女は，作品中で友達は見つからない。感銘を受ける大人も出て来ない。性格も結構ゆがんでいて，まわりとの軋轢も多い。ただただ，ほこり高く，好奇心は旺盛である。私はだれなの，どこにいるの。不思議な冒険が魅力だ。自分がだれだかわからない。今朝から，何度も大きさが変わっている・・・アリスは，いもむしに会う。さなぎから，蝶へ，形態が変わる。そういう生き物もいるのだ。きのこを食べると，からだの一部が変化する。相手が自分のアイデンティティを決める世界。

森の中で，帽子屋と三月ウサギとネムネズミの茶会で，自分の入っていけない閉鎖社会に愕然とする。ただただ無視され，疎外されていく。アリスが去ってもだれも，気にもとめない。

自己のアイデンティティの決定権を，ほぼ完全に他人にゆだねる。そのようなメッセージが浮かぶ。
Be what you would seem to be.
あなたが，そうであると，おもうものに，なりなさい。
我慢ならない「不条理」の世界。
キャロルは，娘に上流社会に無理してはいっても，そこは，不毛な世界かもしれない，よと教えたのかもしれない。人は，個人の価値で判断されるもので良い。社会的身分など瑣末なことにちがいない。

『鏡の国のアリス』につづく・・・
君の明るい笑顔も　笑い声も，遠くなる。
私のことなど君はやがて，忘れてしまうだろう。
でも，いま，君はぼくの物語を聴いてくれる。
それだけで十分なのだ。

参考文献：不思議の国のアリス（角川文庫）＆出会いの国のアリス（楠本君恵）

満足度★★★★★

新感覚、落語！ジョウキゲン
全体的に、とてもよくまとまっていて、それでいて、古典落語のノウハウも盛りだくさん！楽しめる一時間半だった。

死神の存在は、深読みをすれば、人生の教訓とか、空しさも湧き出る。そこを、三人が絶妙の掛け合いで時間が流れていく。すごい！

満足度★★★★★

めざせ！シアター・コクーン
池袋ｄ倉庫は，本当に，倉庫のようなものだった。この劇団のチラシが，あんまり魅力的だったので，足を伸ばした。「ビョードロ」とは，何だろう。この物語では，「ジョウキゲン」が場面の途中で生れる。この「ジョウキゲン」は，何かを感染させるものらしい。ビョードロの血によって，ワクチンが作られるという。それによって，「ジョウキゲン」は撃退できるのだ。空気感染するほどの影響力を持つにいたって，ガス・マスクのようなものが用意される。これを，ビョードロたちが使う。ガス・マスク使用中の，ビョードロたちは区別がつかない。片方のビョードロには父親がいたようだ。この父親は，頑固オヤジで，救いがない。終盤にはいって，あやまって，自分の息子を殺害してしまう。あわれ！

細菌兵器の存在を擬人化したものなのだろうか。そういう説明をしている例もある。しかし，具体的な説明は十分にはされない。「ビョードロ」「ジョウキゲン」と，頑固オヤジが，狭い倉庫内を，強烈なコスチュームと，スピード感で動き回っている。座布団も持参しているような人はいたが，それ以上に，どこから観たのがいいか疑問。ぼくたちの劇団は，出会い系の劇団なので，まずもって，隣の人とのトラブルを嫌います。まず，隣の人と十分に仲良くなってください。お互いに目と目をあわせて，ことばをかわしましょう。そうすれば，劇が進行して，ひざがぶつかり，足がからんでも，許しあえるでしょう。なるほど，観客は，役者と一心同体みたいなものってことかしら。

劇中の動画・カメラはＯＫです。ご自由に，ブログにアップしてくださいね。劇団おぼんろ第10回本公演 『ビョードロ～月色の森で抱きよせて～ 』を一人でもいいから，多くの人に紹介してください。動員数が伸びて，いつか『シアター・コクーン』にいけたらなあ。そのために，みなさん応援してください。

なるほどなあ。そうか。がんばっているなあ。じゃ，ちょっと目立つかもしれないが，舞台を壊さない程度に，数枚写真を撮らせていただこう。応援しちゃおう。

ところが，後日，フラッシュをたいたばかがいた，という話になってしまった。げえー。だって，普通のカメラしかない場合，自動フラッシュなんですけど。まずかったすか！

たいへん非常識な行為で，あいた口がふさがらない。こういうばかは，二度と，この劇団を観にくるんじゃない！という手厳しい見解。たしかに，そういわれたら，がっかり。

でも，このコメント者も，少し変ですよね。高姿勢は，まあいいが，ありがちなミスをここぞとばかり鬼の首を取ったようにアゲアシ取りですね。ばかは，どっち，ばーか，というシーンを思い出しました。

象徴的な演劇は，現実逃避に陥るっていうから，演劇を観るときは，なるべく論理的にしっかりしたものを観ている。でも，ときには，感覚的で，感傷的で，美しい，詩的な作品にも引かれる。今回の『ビョードロ～月色の森で抱きよせて～ 』は，その点で，たいへん満足している。また，観たいと思う。しかし，もう来るな！という常連がいるようなので，もう行きません。あとは，がんばって，シアター・コクーンをめざしてください。たいへんご迷惑かけたようで，心からお詫びします。ジョウキゲンのような心優しい存在に，何度も舞台に足を運ぶ人の中には，人のアゲアシばかり取る人もいるのでしょうか。

満足度★★★★★

ヴェルディ『マクベス』
オペラという場合，ミュージカルとか，オペレッタというものは入らない。オペラは，宮廷文化から，近代市民社会への移行期に発展した。絶対王政の威光を表現したものだったから，オペラは，浪費芸術でもあった。もしかして，バッハは，プロテスタントで倹約思想家だったから，オペラを書いていないのかもしれない。

最初，古代ギリシアの悲劇復興をめざして，気がついたら，単なるショーであり，物語性より，スペクタル性の強いものになる。パターン化され，体制芸術といえる。グルックは，オペラの脱ショー化をめざす改革をおこなった。いずれにせよ，フランス革命までは，イタリア・オペラこそが，正当なものだった。ヨーロッパ全土で，イタリア語によるイタリア・スタイルが上演された。フランス流は，バレエを使い，合唱を重視した。また，音楽よりも，文学性に重点があった。

バロック・オペラにおいては，作品よりも，場に比重があったかもしれない。貴賓席にいることは，大衆を見下ろすことであり，また，彼らの視線を浴びることでもあった。一番前で観るのは，むしろはしたないことだった。

オペラが時代を超越して，普遍的な芸術になるには，モーツァルトの存在が大きい。彼は，喜劇をオペラとして，人間性のある作品で人気を得た。人間業とは思えないカストラートは目立たなくなる。テーマも，男と女の哀しいすれちがいを描く。

オペラの本質は，御用芸術であって，時の支配者の好みでスタイルは変わっていく。オペラの観客層は，やがて，教養ある貴族でなく，一般大衆も取り込んでいく。ナポレオンが失脚すると，また次の時代に突入する。ロッシーニ『ウィリアム・テル』が有名。グランンド・オペラの魅力は，音楽と台本と舞台が一体となる総合演劇といえる。ビジュアル性を尊び，事前に台本など読まなくても楽しめるようになっていく。視覚効果を重視したといえる。この頃，オペラの大衆化を見越し，ヴェロンは上階のボックス席を廃止し，天井桟敷に改造した。

１８世紀まで，オペラにおいて，イタリア様式が唯一の国際様式だった。やがて，政治体制の不安定な国々で，国民オペラが生まれる。誰もが，いつかどこかで聴いたことのある，遠い民族の歌声の記憶，といったものだ。異国オペラと呼ぶべきものもある。異国を舞台として，白人と現地の娘との悲恋なども多かった。スッコットランドを舞台としたヴェルディ『マクベス』1847も，異国オペラに含まれるかと思う。

浅薄なイタリア，フランスのオペラを追放し，総合芸術としてのオペラを確立したのは，ワグナーということになる。オペラは，貴族の遊びで，シャンパンのように消えてゆく性格をもっていた。しかし，これを，文化財と考えるようになっていく。定番の名作，すなわち，レパートリー・オペラという言葉も1845年頃から，イタリアで使われる。ワグナーによる，総合芸術としてのオペラという理念が浸透するにつれて，オペラ上演における演出家の地位ははね上がる。映画という強力なライバルの出現により，自らの存在理由に，オペラは苦悩する。

参考文献：オペラの運命（岡田暁生）中公新書

満足度★★★★★

たいへん良い作品です！
今回は、初めて舞台にかぶりつく感じで観劇した。いつものメンバーのチームワーク良く美しい新感覚な演劇をやっていた。やや、話がややこしい。でも、最後は感動的！良かったと思う。

満足度★★★★★

『ジゼル』は，現代の不倫問題にも該当し，解釈によっては悲劇にもなる。
『ジゼル』は，現代の不倫問題にも該当し，解釈によっては悲劇にもなる。

タリオーニとエルスラーの時代は去った。カルロッタ・グリジの時代が来た。彼女は，７歳からバレエをやっている。１５歳になったとき，２４際だったジュール・ペローと出会う。ペローは，バレエの指導者として優秀で，その様子は，名画ドガ『踊り子』に残されている。当時，メートル・ド・バレエは，ジャン・コラーリであった。『ジゼル』を誰が振付するか。プリ・マドンナであったグリジは，振付もやっていた恋人ペローのいいなりであった。そのために，『ジゼル』の振付は，記録としては，ジャン・コラーリとなっているが，実際には，ジュール・ペローの振付である。

グリジは，ドニゼッティのオペラでのバレエ・シーンが，初舞台であった。五幕でなく二幕の『ジゼル』は，グリジには取り組み易く，彼女を有名にした。原題は，『Giselle, ou Les Wills』で，1842年，ボードレールも崇拝する文学者テオフィル・ゴーチエが，書き下ろしたものである。ゴーチエの作品としては，もう一つ『バラの精霊』がある。ハイネの民話からヒントを得て，ユーゴー作品中の舞踏会も参考にしている。ゴーチエ同様に，バレエ好きなアダンは音楽を担当した。アダンは，視覚的に，踊り子の足を見ることが快感であったことを告白している。

『ジゼル』は，ロマンチック・バレエなので，異国趣味の，妖精物語。淡いはかない貴族と，村娘の恋という以上の意図はなかった。しかし，これが，すぐに，ロシアに渡り改訂され，フランスで上演されなくなっても，人気を得ていく。1884年頃，マリウス・プティパが大規模に作品を手直ししている。貴族のきまぐれな恋の物語は，『フィガロの結婚』『二都物語』も同様である。しかし，『ジゼル』は，現代の不倫問題にも該当し，解釈によっては悲劇にもなる。


以下，ストーリーを追うと，

村娘ジゼルの笑顔は，人を引きつける。彼女は，ダンスがとても上手である。あるとき，とおりすがりの男は，この娘に出会い恋に落ちた。しかし，彼には，許婚がすでにいた。そのことを隠しても，娘に近付きたくなって，アルブレヒトは転落していく。

村娘ジゼルのことを村で一番想っていたヒラリオンは，アルブレヒトの許婚であるバディルドと，彼女の父親を，無理やり密会の現場に引きずり出す。愛するアルブレヒトに許婚がいたことに衝撃を受けたジゼルは，もはや生きている希望を失ってしまうのである。

村には言い伝えがあった。恋に盲目となり，身を滅ばした者は，妖精となって，暗い森を彷徨う。娘たちをだました男がその森を訪れたら，妖精は復讐をすれば良い。皆でからかってやるといい。祝宴を催し，酒をのませ，毒牙にかけて，ダンスの相手をさせるのだ。妖精には，疲れという言葉は存在しない。だから，妖精たちが気の済むまで，ダンスの相手したまぬけな男たちは，気が狂うか，絶命してしまうしかないのだ。

ある日，ジゼルたちの祝宴には，二人の懐かしい顔があった。ひとりは，一方的に自分にのぼせあがって，挙句に，アルブレヒトと自分の恋を見事に引き裂いた，ヒラリオンである。もう一人は，村にたまたま寄ったために，自分のダンスを見て，自分の美に釘付けになり，はからずも恋に落ちたアルブレヒトだった。妖精たちの判断は，まず，ヒラリオンを死ぬまで踊らせて，目的を果たす。しかし，次なる標的のアルブレヒトには，ジゼルはなんの恨みも抱いていなかった。しいていえば，許婚の存在を明かさなかったことだ。ただ，最初にそのような男を誘惑したのも自分であり，恨む筋合いでもなかったのだ。この男に，本当に罰を与えて良いものなのだろうか。

というようなことになると，『ジゼル』は，きまぐれな貴族の遊びにされた恋という意味を失う。現代人の恋，不倫的な気持ちが起こるのは，自然なものか，許されざるものか，そいうシリアスな劇になる。

ところで，『ジゼル』の時代は，靴も十分に完成されていない。技術を，足の筋肉で補うのが精一杯であった。『ジゼル』の少し前の，『ラ・シルフィールド』で，初めて爪先の利用，ポワントが出現する。鳥のように軽やかで地に足がついていないこと，これを示すために，どうしたら良いだろう。一回跳ぶあいだに二回交差して，元に戻ってみよう，これが，アントルシャ・カトルと呼ばれた。


バレエの語幹bal-は，ラテン語の「踊り」を意味する。詩と音楽の融合，さらに，演劇・美術を加え，四つの要素から「バレエ」は生まれる。「バレリーナ」は，伊ballere「踊る」から来た。「マリー・タリオーニ」は史上最大のバレリーナだ。彼女は，北欧生まれのイタリア人であり，パリ・オペラ座の学校に入る。1830年，パリ民衆は，王政復古を嫌って，七月革命を起こす。ここで，パリ・オペラ座は,ときの権力者の直轄機関から，民営企業にかわる。ルイ・ヴェロン総裁は，複雑な風俗コメディを捨てた。音楽・美術に優れ，ストーリーはシンプルだが，踊りが自然に流れ出て来るようなバレエを構築した。そこで，ヴェロンは，タリオーニに白羽の矢をたてた。歴史上，ロマンチック・バレエといわれるものは，このとき出現する。

タリオーニは，風の精という当たり役を得る。 このドラマは，スコットランド大農園の子息が，許嫁との式直前に，風の精＝シルフィードに心を奪われるという設定だ。風の精を一目みて，心奪われ，ジェームスは，許嫁エフィをすっぽかしてしまう。彼には，森の中で出会った妖精たちのことがどうしても忘れられなくなる。格別心を奪われたのは，シルフィードという名の妖精だ。妖精たちと，一晩中踊り，唄い，語らい，微笑みあっていた時間はあっと言う間に過ぎた。シルフィードは，妖精なので，その手に抱きしめることはできない。それは，わかっていた。悩んでいると，悪魔のささやきがあった。魔法使いマッジが，特別なスカーフをあげた。それでお好みの妖精を捕獲してしまえ。恋の炎に身も心も燃えつきてしまったジェームスは，そのようなことをすれば恐ろしいことが起こることは察知していたが，とうとう我慢できなくなる。ある日，宴が終わろうとするとき，突然，ジェームスは蛮行に及ぶ。たしかに，魔法使いマッジのいうとおり，妖精シルフィードを一度スカーフに絡みとることには成功する。だが，妖精シルフィードの羽根は，脆くも崩壊し，同時に，シルフィードの息も絶える。

この上演は，その後のバレエ史上にはかり知れない影響を与える存在となっていく。最大の功罪は，バレエの名を一方で破格の地位に押し上げたという点。それと，女子ども向きのセンチメンタルで甘ったるいスペクタルとの評価を強めてしまったという点。情景設定が，異国であり，幻想的な要素を多分に含むものが，バレエであるという認識も確立された。白い薄もののスカートのコール・ド・バレエが定番となった。シルフィードの息の根を止めた「スカーフ」は，バレエ芸術に生命力を与えた。

「ラ・シルフィード」が，1832年に初演された。マリー・タリオーニは，1837年にパリ・オペラ座を去る。彼女をスターにしたヴェロンは，彼女にライバルを与えた。パリ・オペラ座では，スターに独断場を決して与えない伝統があった。ここで，ファニー・エルスラーが抜擢された。彼女は，オーストリア人でロンドンにいたところを引き抜かれる。ヴァイオリンの名手に特訓を受ける。タリオーニは，宙を漂うように舞う。エルスラーは，しっかりと地についた踊り方をした。エルスラーは，タリオーニにとって手ごわいライバルとなった。エルスラーが，タリオーニの当たり役「ラ・シルフィード」を踊ると騒ぎになった。やがて，エルスラー自身は，アメリカに渡り大歓迎を受ける。パリ・オペラ座から，しばらくスターはいなくなった。


参考文献：バレエの歴史（佐々木涼子）

満足度★★★★★

「すがのカノンさん，今日でますか？」
劇団四季に行って来た。しばらくここには，顔を出していなかった。劇団四季の出演者は，複数キャストになっているようなことも多く，実際の出演者は，なんと開演一時間前に決まる。菅野花音が，今週出るらしい。いちかばちかで，土曜日にある二公演に賭けてみた。

お昼の部では，菅野花音の名はない。で，夕方の方はどうだろう，受付の係員にたずねてみた。プレゼントくらいは，受け取ってくれた。四時間ほどして，窓口で再照会すると，うれしそうに「はいでます！」。やった！これで，劇団四季の「菅野花音」を観られる。

『サウンド・オブ・ミュージック』は，トラップ大佐と七人の子どもの物語。そこに，修道院から，マリアが参戦。マリアの歌声で，子どもたちはみるみる明るくなっていく。その様子を見て，トラップ大佐自身も考えを変え始めた。

当日，私は，「すがのカノンさん，今日でますか？」を何度口にしただろうか。出なかったら，「ハムレット」とか，「ライオンキング」でも観よう。でも，「ハムレット」はすでに完売だった。

マルタ役の「のんたん」は，かっこ良かった。堂々とセンターで，歌い踊っていた。おお，すげぇ！劇団四季に出てるよ。（葵と楓のショー見ながら，はでに，アイスクリームを風に飛ばされていたようなことも思い出す。大丈夫かな失敗しないか，心配。）

「エーデルワイス」で，祖国愛を唄った。スイスを本当に，聖なる永世中立国に仕立てているが，現実はもう少し複雑怪奇なんだとは思います。でも，そこが，ミュージカル。何度も，なぜか涙ぐんでいた。

浅利慶太はいう，「僕らの生は無目的だし，どう生きても全ての行為は無償」。そして，「自分をつくることが，自分自身になること」。

人生の現実とは，その根本に，対立的なドラマを内容する。演劇は、この人生の反映である。いついかなるときも，演劇は人間にとって，不可欠のよろこびだった。人間は，何もなすこともなく時に流され，やがて死ぬ。人は，劇場に，自分自身をいやしに来る。

もし，演劇が，啓発行為なら，それは，教育等のことで十分できるはず。一同に集まって，生きるよろこび，歌う感動を確認しあうことが，大事なのだと。そこでは，必ず，自由があって欲しい。性格や，心理に重点を置くような演劇は好きではない。

三田文学にかつて，浅利自身が書いたことからは，以上のようなことが要約できる。

演劇が単に遊びに終わってはだめ。劇場を現実逃避の場にするな。演劇は見世物ではない。商業主義に毒されるな。俳優の生活を優先して，演劇の本質を失うことがないようにしたい。

満足度★★★★★

素晴らしい演劇!
野崎参りは，印象的な始まりだった。遊女・小菊は，なじみ客による舟遊びの最中のようだ。しかし，わがままな彼女は，船は乗り心地が悪い，もはや，野崎参りもあんた一人でいけばいいと騒いでいる。この場面は，意外とおもしろかった。客はたいがい遊女にバカにされて，振り回されるものなのだろう。

次におかしかったのは，野崎参りの場で，与兵衛は喧嘩に巻き込まれ，人妻のお吉が助けるところだ。亭主が，娘に何があったか尋ねた。すると，楽し気に二人で裸になって，一つ部屋に閉じこもったままであるという。確かに，子どもにはそのように見えたが，悋気な亭主は邪推するのだ。

最後の見せ場は，油まみれになったお吉のセリフだ。子どももいるのだから，後生だから命だけは助けてくれ！というのを無視して，与兵衛は残忍な人殺しに徹するのだ。その罪を隠して，しゃあしゃあと法事の席に出て，悪事が暴露されていく。近松門左衛門の世界は意外にも現代的なシーンが多かった。